Capítulo 33 - Laca Japonesa

Laca Japonesa

Lacquerware (shikki) es una artesanía japonesa con una amplia gama de bellas artes y artes decorativas, ya que la laca se ha utilizado en urushi-e, estampados y en una amplia variedad de objetos, desde estatuas de Buda hasta cajas de bento para alimentos.

Se usan varios términos en japonés para referirse a lacquerware. Shikki significa "objetos de laca" en el sentido más literal, mientras que nurimono significa "cosas recubiertas", y urushi-nuri significa "recubrimiento de laca". 

La historia del lacado en Japón se remonta al período Jōmon.

La savia del árbol de laca, hoy en día con la descripción técnica de la "laca a base de urushiol", se ha utilizado tradicionalmente en Japón. Como la sustancia es venenosa al tacto hasta que se seca, la creación de lacas ha sido practicada solo por expertos artesanos dedicados.

El término “laca” se usa para designar a un barniz que se aplica a diferentes objetos con la función de protegerlos y de embellecerlos; en el caso de la laca de Asia Oriental se utiliza la resina extraída de la savia del árbol Rhusvernicifera, también conocido como Toxicodendron vernicifluum, en latín, o simplemente como árbol urushi. Se trata de un árbol que crece en las zonas costeras de China, de Corea y de Japón, siendo estos tres países aquellos que producen laca mediante la savia extraída de este árbol (existen diferentes tipos de laca, como por ejemplo la laca india, para la cual no se utiliza la savia del árbol urushi, sino que se utilizan cochinillas para producirla). De entre ellos, destaca la laca japonesa, conocida como laca urushi, debido a la exquisitez y minuciosidad que presenta.

La extracción de la savia se realiza predominantemente en verano. Este árbol brota entre abril y mayo y florece entre mayo y junio, siendo este último mes el momento en el que se empieza a sangrar el árbol para obtener su sabia. El sangrado se realiza entre junio y septiembre, siendo a partir de este mes cuando la savia es de peor calidad, y sólo en los árboles que hayan alcanzado, mínimo, diez centímetros de grosor y tengan más de diez años. Tras la extracción, la savia es sometida a un proceso de purificación, añadiéndosele agentes deshidratantes y tintes; todo ello se realiza con sumo cuidado, pues el líquido extraído es tóxico y puede producir fuertes irritaciones en la piel.

Una vez completado este proceso, la laca, mezclada normalmente con pigmentos rojos (cinabrio) o negros (óxido de hierro), se aplica sobre el objeto deseado. La razón por la que se mezcla la laca con pigmentos es que el color del urushi suele ser claro y transparente. La aplicación de la laca al objeto se realiza en diferentes capas, aunque éstas no se pueden aplicar a la vez, sino que tiene que pasar un período de tiempo (días) para que se consolide cada capa. Esta consolidación se realiza al introducir el objeto lacado en una cámara de madera humedecida, furo o muro, ya que las capas de laca se endurecen mediante la oxidación. Cuando una capa se ha consolidado, se pule con carbón vegetal humedecido, y se aplica otra, repitiendo el mismo proceso, una y otra vez, hasta que se consigue el número de capas deseado.

Tras aplicar las capas, el objeto es decorado con las técnicas que prefiera el lacador, dando como resultado una obra de arte extremadamente valiosa, exquisita, cuidada y resistente, ya que la laca no solo es usada para embellecer y decorar objetos, sino que puede ser empleada como adhesivo y como sistema de protección y de reparación de cerámicas y de objetos de madera fracturados.

De todo este proceso, el resultado es un producto que se ha convertido en uno de los principales representantes del arte japonés, y que, a pesar de la influencia china, coreana y europea, ha logrado ser única y diferente al resto de las lacas, fructificando en obras de alta exquisitez codiciadas en todo el mundo.

Historia 

La laca se usó en Japón desde el año 5000 a. C., durante el período Jōmon. La evidencia del primer lacado se descubrió en el sitio de excavación Kakinoshima "B" en Hokkaido.  Estos objetos fueron descubiertos en una fosa grave que data de la primera mitad del período Inicial de Jōmon (hace aproximadamente 7,000 años). 

La tecnología de lacado puede haber sido inventada por los Jōmon. Aprendieron a refinar urushi (savia de roble venenoso) - el proceso tomó varios meses. El óxido de hierro (colcothar) y el cinabrio (sulfuro de mercurio) se utilizaron para producir laca roja.  

La laca se usaba tanto en cerámica como en diferentes tipos de artículos de madera. En algunos casos, la ropa de entierro para los muertos también fue lacada.  

Muchos objetos lacados han aparecido durante el período de Early Jōmon; Esto indica que esto era una parte establecida de la cultura Jōmon.  

Los expertos están divididos sobre si la laca de Jōmon se derivó de técnicas chinas o se inventó de forma independiente. Por ejemplo, Mark Hudson cree que "la tecnología de laca Jomon se desarrolló de forma independiente en Japón en lugar de ser introducida desde China como se creía". 

Uno de los objetos de laca más destacados es el Santuario Tamamushi de mediados del siglo VII d.C. El santuario está hecho de hinoki lacado o ciprés japonés y madera de alcanfor, ambas especies nativas. Aunque comúnmente se les conoce como urushi , desde el período Meiji, algunos estudiosos han argumentado que las pinturas emplean la técnica conocida como mitsuda-e, un tipo temprano de pintura al óleo, que utiliza aceite de perilla (shiso) con litato como desecante.

Muchas artesanías tradicionales y artes industriales producidos a lo largo de la historia japonesa fueron influenciados inicialmente por China, y luego experimentaron varias influencias e innovaciones estilísticas nativas a lo largo de los siglos. El período Edo (1603–1868) experimentó un aumento en el cultivo centrado de árboles de laca y el desarrollo de las técnicas utilizadas. En el siglo XVIII las lacas de colores entraron en uso más amplio. Uno de los maestros más destacados de la laca fue Ogata Kōrin. La ciudad de Kanazawa es conocida por sus lacados.

La exportación de laca al oeste lleva a que se la llame históricamente Japón, análoga a China para la cerámica china.

En las últimas décadas, el gobierno japonés ha hecho un esfuerzo para preservar el arte de hacer lacas. A través del proceso de designar a artesanos importantes como Kazumi Murose como Tesoro Nacional Vivo, así como el esfuerzo del gobierno para alentar el desarrollo del nuevo taller Urushi, el arte se está estableciendo gradualmente una vez más.

Vista detallada de un panel de laca del Santuario Tamamushi del período Asuka, siglo VII (Tesoro Nacional)

Caja de escritura con ocho puentes; Época Edo, siglo XVIII. Las flores son incrustaciones de concha de abulón; 27.3 × 19.7 × 14.2 cm, Museo Nacional de Tokio, Tokio.

Técnicas y procesos

Como en otros países donde tradicionalmente se ha producido el lacado, el proceso es fundamentalmente bastante básico. Un objeto está formado de madera, a veces cuero, papel o cestería. La laca se aplica para sellar y proteger el objeto, y luego se agrega la decoración. Por lo general, se utilizan tres capas (capa inferior, capa intermedia y capa final); la capa final a veces es transparente en lugar de laca negra, para permitir que las decoraciones se vean.

Junto con las lacas rojas y negras, es común ver el uso de incrustaciones, a menudo conchas marinas o materiales similares, así como mica u otros materiales. La aplicación de polvo de oro se conoce como maki-e, y es un elemento decorativo muy común.

Urushi-e ("imagen de laca [s]") se refiere a tres tipos diferentes de obras de arte japonesas:  

Estampados en madera sobrepintados con una mezcla de tinta y pegamento animal para producir áreas brillantes que se parecen a la laca.

Pintura en laca sobre objetos de laca tridimensional.

Pinturas pintadas con laca real sobre papel o en ocasiones seda.

Las impresiones de bloques de madera de Urushi-e se hicieron con líneas negras oscuras y gruesas, y algunas veces se pintaron a mano. La tinta se mezcló con un pegamento de origen animal llamado nikawa, que lo espesó y le dio un brillo brillante, que se dice que se parece a la laca. Más a menudo, esto se usó no para crear la impresión completa, sino solo para realzar un elemento en particular, como un obi o el cabello de una figura, para darle brillo y hacer que la imagen sea más lujosa en general.

Es probable que las impresiones que incluyen elementos urushi-e también incluyan el uso de mica, polvos metálicos y otros elementos que mejoraron la apariencia, la calidad y el valor de las obras. La técnica fue más popular a principios del siglo XVIII y se puede ver en obras de Okumura Masanobu, Torii Kiyomasu y Torii Kiyonobu I, entre muchas otras.

En pintura, el término se refiere al uso de lacas coloreadas, producidas mezclando pigmentos con laca transparente. El uso de lacas de colores para la pintura se remonta al período prehistórico de Jōmon, y se hizo especialmente popular en el período Nara (siglo VIII), cuando se hicieron muchas obras utilizando laca roja sobre un fondo negro. Sin embargo, hasta el siglo XIX, el uso de pigmentos naturales restringió los colores accesibles a los artistas a rojo, negro, amarillo, verde y marrón claro.

El artista Shibata Zeshin (1807-1891) es particularmente famoso por sus innovaciones al respecto, y quizás fue el primero en usar la laca no solo como elemento decorativo (en cuadros de pintura, muebles y cerámica) sino como un medio para rollos pintados. Zeshin experimentó ampliamente con varias sustancias, que mezcló con la laca para crear una variedad de efectos, incluida la simulación de la apariencia de varios metales (hierro, oro, bronce, cobre) e imitando la apariencia y textura de la pintura al óleo occidental.

Nishimura Shigenobu, Shōki y Chica, c. 1720s. Estampado en madera con pintura para manos y laca (urushi). Hosoban. 13 pulg. X 5 5/8 pulg.

Hidehira Bowl, motivo de hojas de roble, pintura de urushi con pan de oro. Momoyama hasta el período Edo, siglo XVII. D.13.3 cm.

Laca en capas:

Este tipo de decoración es la más sencilla. Fue aquella utilizada en China y Japón durante la Prehistoria, y consiste en la aplicación de capas, siendo las dos primeras negras, normalmente de baja calidad, mientras que las finales son de mejor calidad. Los acabados suelen ser negras o rojas, pero también pueden adquirir otras tonalidades como castaño, rosa, amarillo o transparente, en el caso de que la laca no se hubiese mezclado con ningún pigmento, aunque estos acabados son muy poco frecuentes.

Réplica de un plato de madera lacado con capas del Período Jômon (h. 8000-299 a.C.).

Tras aplicar cada capa podía ocurrir que en vez de pulirla, dejando un aspecto liso, se dejase como estaba, dando como resultado una superficie arrugada o con surcos.

Esta técnica siguió utilizándose durante todos los períodos históricos de Japón, continuando vigente también en la actualidad.

Laca tallada o chositsu:

La laca tallada es originaria de China, y llegó a Japón a finales del siglo XIV debido a una serie de regalos del Emperador Yung-lo. El procedimiento empleado era similar al de la laca de capas, pero tenía que haber un gran número de capas para poder luego esculpir en ellas (el grosor que tenía que tener el conjunto de capas oscilaba entre 3 milímetros y 1 centímetro). La diferencia que había entre las lacas talladas chinas y las japonesas era el momento en el que se esculpía: mientras que en China se hacía cuando la laca no estaba del todo endurecida, en el país nipón se esperaba a que ésta estuviese dura.

La policromía de estas lacas solía ser, igual que en el periodo anterior, negra, roja o amarilla, en ocasiones también incluyendo el guri, es decir, arabescos en las capas de laca para mostrar los diferentes colores.

Caja ornamental de 1964 que presenta laca en capas, chositsu en el exterior y takamaki-e y togidashimaki-e en los laterales.

Laca sobre madera tallada o kamakura-bori:

La kamakura-bori deriva de las lacas talladas, pero en este caso, es una técnica originaria de Japón. Consistía en esculpir la madera, lacarla con capas de color negro o rojo, normalmente, y pulirla. Se trata de un proceso barato debido a la poca cantidad de capas de laca que se aplican, siendo ideal para realizar objetos de gran tamaño como mesas o bandejas.

Mesa del siglo XIII realizada mediante el kamakura-bori

Lacas incisas:

Las lacas incisas también son habituales de China y de Japón. Consisten en la incisión de un elemento punzante en la laca. Éstas se pueden dividir en tres grupos: harigaki, sobre un fondo de un solo color se realizan incisiones con un objeto punzante, creando trazos, líneas o contornos sutiles, pero profundos; sokin o chinkin, se crean incisiones, igual que en el caso anterior, pero éstas se rellenan de oro o de plata (chingin); y kimma, que consiste en retirar, vaciar, la laca de una determinada zona y rellenarla con una laca de otro color. Este último tipo fue muy empleado en la China de la Dinastía Ming (1368-1644), siendo una técnica característica de este país, a pesar de que también fue utilizada en Japón y en Corea.

Gabinete de finales del siglo XIX y principios del siglo XX. Técnicas: laca tallada, hiramaki-e, takamaki-e, tsukegaki, harigaki, chinkin, chingin y nashiji-e.

Lacas con taraceas:

Este tipo de laca nació en China, pasando luego a Corea y a Japón. Consiste en aplicar a la superficie lacada diferentes materiales, siendo los más usados la madreperla (raden) y los metales y sus aleaciones (heidatsu). También se emplearon incrustaciones de coral, porcelana, marfil y piedras preciosas y semipreciosas. En Japón, además, fueron muy empleadas las incrustaciones de concha de tortuga.

Tebako, caja de cosméticos, lacado del siglo XII con togidashimaki-e y con incrustaciones de raden.

Laca espolvoreada o maki-e:

Se trata de la técnica más desarrollada en Japón. Consiste en lacar el objeto de un color y, después, dibujar con un pincel motivos decorativos que luego son cubiertos con polvo de oro. El dibujo se realiza en un color que contraste con el fondo; por ejemplo, si el fondo es negro, se realizaría en rojo, mientras que si el fondo es rojo, se dibujaría en negro, cubriéndose ese dibujo al final con el polvo de oro. Aunque el polvo de oro es el más utilizado, también se puede espolvorear polvo de plata, de cobre, de aluminio, de zinc y de plomo.

Teniendo en cuenta que la laca aún no está seca, mediante una canilla de bambú, un pincel o con tampones de seda, se espolvorean los polvos de oro sobre el urushi, quedándose éstos pegados. Finalmente, el objeto es lacado con urushi transparente, o de otro color, para proteger al objeto, y se abrillanta. De este modo, como bien dice Yayoi Kawamura, cuando los polvos de oro reciben luz, ofrecen una compleja refracción y brillantez que un simple pan de oro adherido no podría lograr.

Así, dependiendo de la distribución del oro, se podían crear distintas texturas, pudiendo éste estar totalmente disperso o aglomerado. En caso de que el polvo de oro estuviese junto, al lacarse, parecería que fuese oro puro, siendo algo habitual en los regalos de boda de los samurái de alta clase social durante la Edad Moderna.

Dentro de esta técnica, se pueden distinguir tres grandes grupos: el togidashi-maki-e, el takamaki-e y el hiramaki-e. El primero, togidashi-maki-e, es el proceso más antiguo de los tres y consiste en espolvorear el polvo por la superficie y luego cubrirla con una capa del mismo color que el fondo. De este modo, el polvo de oro queda tapado, pero tras un largo proceso de pulimento, éste vuelve a salir, siendo finalmente cubierto de laca transparente y abrillantada. Es una técnica que actualmente no se suele usar, pues desde que se logró hacer un polvo de oro muy fino en el siglo XVI, éste se cubre directamente con laca transparente, sin tener que pasar por el proceso de pulimento antes mencionado.

El segundo, takamakie, fue desarrollado en el siglo XII, y consiste en moldear el diseño en altorrelieve con un compuesto de laca cruda y sabi, una pasta hecha con una mezcla de laca y arcilla fina, aunque este núcleo del relieve también puede usar polvos de carbón vegetal. Mediante este proceso, las partes deseadas quedan elevadas del fondo, pudiendo ser esculpidas y pulidas. Luego, se cubre la zona deseada con polvos de oro, o de otro metal, siendo ésta, finalmente, recubierta con laca transparente y abrillantada. Dentro de este método de relieve se distinguen tres submétodos: chu-takamaki-e, medio-relieve, sabiage-takami-e, altorrelieve, y usunsiku, bajorrelieve. Además, también existe otra variante que fue inventada por Shibata Zeshin en el siglo XIX, la takamakie-ho, que consiste en realizar elementos ornamentales con relieve y, luego, adherirlos al objeto lacado.

La última subtécnica, hiramaki-e, consiste en espolvorear el polvo, cubrirlo con una laca transparente y abrillantarlo, dando como resultado un fondo sin apenas relieve. Este método se empezó a utilizar en el siglo XVII, llegando a su esplendor con Shibata Zeshin en el siglo XIX.

El espolvoreamiento de oro también es usado en la técnica nashiji-e, que consiste en salpicar el fondo con finos polvos, normalmente de oro o de plata, dejándose ver el fondo negro.

Escritorio de 1630-1650. Técnicas: hiramaki-e, takamaki-e, nashiji-e, raden, tsukegaki, urushi-e.

Laca pintada:

La laca pintada se subdivide en tres grupos, teniendo todos ellos en común que la decoración se realiza mediante un pincel, aplicándose la laca directamente sobre el objeto. El grupo más destacado es el de la laca urushi-e, que consiste en realizar un dibujo, con un pincel fino, y rellenarlo de un color diferente al del fondo, es decir, mezclando la laca con algún pigmento.

El segundo grupo corresponde al de la laca a la cola; consiste en dibujar, con varios pinceles de diferente grosor, motivos decorativos con una solución de cola mezclada con polvo de oro y de plata (kingin-e) o con algún pigmento (sai-e).

Por último, estaría el grupo de la laca al óleo. Dentro de este grupo, se halla, por un lado, la técnica mitsuda-e, que consiste en mezclar aceite vegetal, óxido de plomo y colorantes; y por otro lado, el yoshoku-e, igual que el anterior, pero que no usa óxido de plomo, sino que tan sólo mezcla el aceite con los diferentes pigmentos. Ésta última técnica fue abandonada en favor de la primera debido a la poca resistencia que daba al objeto.

Tiger Jâtaka, detalle del Santuario de Tamamushi, templo Hôryû -ji de Nara, Período Asuka (siglos VI-VII). Laca en capas y mitsuda-e. Es un episodio del Sutra de la Luz Dorada en el que un  bodhisattva se quita sus prendas superiores, colgándolas de un árbol, y se arroja desde un acantilado para alimentar a una tigresa y a sus cachorros hambrientos.

Laca seca o kanshitsu:

La laca seca fue una técnica practicada en China desde el siglo III a.C., jiaqi, llegando a Japón en el siglo VII. Fue muy empleada para hacer estatuas: primero se realizaba una estructura de madera, se revestía de arcilla y se moldeaba con la forma deseada; luego se le aplicaban estratos de tela que habían sido mojados en laca. De este modo, al secarse la escultura, se le retiraba la arcilla del interior, quedando una figura hueca. Más tarde, se le añadían las extremidades, realizadas de madera, y se revestía a toda la estatua con un compuesto de serrín, cánapa, arcilla, incienso y laca.

Jikokuten del Período Nara (646-794) realizado con kanshitsu. Se trata de uno de los Cuatro Guerreros Celestiales del budismo.

Laca shunkei:

La laca shunkei consiste en aplicar laca clara o transparente para así poder ver los rasgos del soporte (de la materia), siendo algo muy habitual en las obras de madera.

Panel de madera de principios del siglo XVIII. Técnicas: kamakura-bori, raden, shunkei.

De todas estas técnicas, fue el maki-e, y sus variantes, la que más destacó dentro de la laca japonesa, siendo actualmente un símbolo de identidad de la cultura nipona. Fue tal su belleza que en el período en el que estuvieron los europeos en Japón (1543-1641), conocido como período namban, el maki-e fue de lo más exportado a Occidente, e incluso tras la expulsión de los europeos, excepto de los holandeses, se siguió exportando laca a toda Europa, principalmente a España, Reino Unido y Holanda.

A continuación algunos ejemplos de técnicas tradicionales:

·       El ikkanbari (también conocido como harinuki es una técnica común que se usa para hacer productos de té. Inventado por Hiki Ikkan a principios del siglo XVII, el proceso implica la aplicación de capas de laca en papel en forma de molde.

·       iro-urushi, literalmente "laca de color", se creó mediante la adición de pigmentos para laca transparente. Los límites de los pigmentos naturales permitieron el uso de cinco colores (rojo, negro, amarillo, verde y marrón) hasta el siglo XIX, cuando aparecieron varias innovaciones, junto con la posterior introducción de pigmentos artificiales occidentales. Shibata Zeshin fue un innovador importante en este campo, ya que usó no solo color sino también otras sustancias mezcladas con su laca para lograr una amplia variedad de efectos, incluida la apariencia simulada de metales preciosos, que estaban fuertemente restringidos al uso artístico en el momento debido a las preocupaciones del gobierno sobre la extravagancia excesiva.

·       shunkei-nuri, loza de Shunkei; se crea utilizando laca transparente sobre madera teñida de amarillo o rojo, para que se pueda ver el grano de madera natural (similar a 'Kuroye Nuri' a este respecto). El nombre se deriva del inventor que estuvo activo en Sakai durante el reinado del Emperador Go-Kameyama (1368-1392). Este método se hizo popular en el siglo XVII en Takayama, provincia de Hida. Muchos artículos para su uso en el consumo de té fueron fabricados utilizando esta técnica.  

·       urushi-hanga, desarrollado por Hakuo Iriyama, que produce una placa de impresión de laca seca, que fue tallada y finalmente se usó como una impresión en bloque, pero en lugar de los colores de impresión tradicionales con laca pigmentada.

·        Raden usando incrustaciones de concha y marfil para decorar piezas que usualmente tienen una base de madera.

Raden es un estilo y técnica en laca japonesa y en madera que usa incrustaciones de concha y marfil para decorar piezas que generalmente tienen una base de madera, ya sea lacada o no, aunque se pueden usar bases de metal u otros materiales. Las conchas utilizadas incluyen nácar, abulón y otros tipos.

La laca china fue la primera en desarrollar laca con incrustaciones, al menos desde la dinastía Tang (618–907), y las piezas llegaron a Japón como regalos diplomáticos y a través del comercio. Los estilos chinos siguieron influyendo en el trabajo japonés. Muy a menudo, las piezas incluyen otras técnicas de barniz japonesas, y las piezas de concha se pueden pintar, grabar o trabajar de otras maneras.

El término también se puede usar para trabajos tradicionales similares de Corea o de países del sudeste asiático, como Vietnam, o para trabajos modernos realizados en Occidente.

Hay muchas formas en que se produce el radeno, con todas las técnicas clasificadas en tres categorías principales: Atsugai (con piezas gruesas de concha), Usugai (con piezas mucho más delgadas) y Kenma (la aplicación más fina de piezas de concha).

En Atsugai Raden, la cáscara a menudo se corta con una sierra de desplazamiento, luego se termina con un archivo o piedra de rocalla antes de la aplicación. En Usugai Raden, las piezas de concha más finas se hacen generalmente utilizando una plantilla y un punzón especial. Kenma Raden está diseñado de manera similar a Usugai Raden.

Caja de escritura, Nagasaki, 1800-1850, madera recubierta con laca negra e incrustada con flores en concha de nácar pintada debajo.

Los métodos de aplicación son variados. Las piezas de cáscara gruesas se pueden incrustar en ajustes precortados, mientras que las piezas más delgadas se pueden presionar para obtener una capa muy gruesa de laca, o se pueden aplicar con un adhesivo y luego se las puede barnizar. Otros métodos utilizan el lavado con ácido y el lacado para producir diferentes efectos.

Raden se combina especialmente con laca maki-e, oro o plata rociada con polvo metálico como decoración.

Raden fue importado al período Nara (710-794) Japón desde la dinastía Tang China (618-907) y se usó en mosaicos y otros artículos en combinación con ámbar y caparazón de tortuga. Raden se desarrolló rápidamente en el período Heian (794-1185) y se usó en arquitectura y en lacados. En el período Kamakura (1185–1333), el raden fue una decoración de silla popular y en el período Muromachi (ca.1336-1573), el raden chino altamente valorado tuvo una gran influencia en el estilo japonés.

Raden experimentó un rápido crecimiento a través del período Azuchi-Momoyama de Japón (1568–1600), cuando las fronteras de Japón todavía estaban abiertas al mundo exterior, hasta principios del siglo XVII, antes del aislamiento establecido por las leyes de aislamiento del período Edo (1600–1867). . La técnica se usaba a menudo en la creación de artículos de estilo europeo, como cajoneras y tazas de café, y era muy popular en Europa, ya que la nácar que cubría los artículos contribuía a su estatus como un lujo único. Los japoneses se referían a estos productos como "lacas de Nanban", y Nanban significa "bárbaros del sur", un término tomado de los chinos y, en el siglo XVI, en el Japón, que significa cualquier extranjero, especialmente un europeo.

En el período Edo de Japón, el raden continuó en popularidad a pesar del cierre del mercado europeo. Los artesanos se centraban necesariamente en los artículos japoneses. Las obras raden de varios artesanos famosos del período Edo todavía se celebran, a saber, los de Tōshichi Ikushima, Chōbei Aogai y Saiku Somada. Después de la apertura de Japón al comercio exterior en la década de 1850, el trabajo de raden para los mercados de exportación pronto volvió a ser significativo. Raden está muy extendido en Japón hoy en día y está hecho para muchas aplicaciones, modernas y clásicas.

Maki-e (literalmente: imagen rociada) es una laca japonesa rociada con polvo de oro o plata como decoración con un makizutsu o un pincel kebo. La técnica se desarrolló principalmente en el período Heian (794–1185) y floreció en el período Edo (1603–1868). Los objetos Maki-e fueron diseñados inicialmente como artículos para el hogar para los nobles de la corte; pronto ganaron más popularidad y fueron adoptados por familias reales y líderes militares como un símbolo de poder.

Maki-e

Para crear diferentes colores y texturas, los artistas de maki-e utilizan una variedad de polvos metálicos que incluyen oro, plata, cobre, latón, plomo, aluminio, platino y peltre, así como sus aleaciones. Los tubos de bambú y los cepillos suaves de varios tamaños se utilizan para colocar polvos y dibujar líneas finas. Como se requiere una artesanía altamente calificada para producir una pintura maki-e, los jóvenes artistas suelen pasar muchos años de entrenamiento para desarrollar las habilidades y finalmente convertirse en maestros maki-e. Kōami Dōchō (1410–1478) fue el primer maestro de laca vinculado a trabajos específicos. Sus obras maki-e usaron diseños de varios pintores japoneses contemporáneos. Kōami y otro maestro maki-e, Igarashi Shinsai, fueron los creadores de las dos escuelas principales de fabricación de lacas en la historia de Japón.

Takamakie (o "maki-e elevado") es una de las tres técnicas principales en la fabricación de maki-e. Desarrollada en el período Muromachi (1336-1573), la técnica de takamakie consiste en crear patrones de diseño sobre la superficie a través de una mezcla de polvo metálico, laca y carbón vegetal o arcilla.

Otro tipo especial de maki-e es el togidashi maki-e, donde se coloca una laca negra sin aceite en la decoración de metal como un abrigo adicional.

Ryukyuan lacquerware es uno de los principales productos artísticos de las Islas Ryukyu (hoy Prefectura de Okinawa de Japón), y representa una forma y estilo de lacquerware que es diferente de la de las culturas circundantes. Aunque es distinto a su manera, está fuertemente influenciado por los modos chino, japonés y del sudeste asiático.

La laca de Ryukyuan se distingue por el uso de conchas marinas incrustadas y varios motivos artísticos nativos de Ryukyuan, y por una fuerte tendencia a la laca roja, que es bastante menos común en el resto de Japón.

Como el árbol de laca no es nativo de Okinawa, los Ryukyuans solo pudieron obtener el material clave necesario para producir el material de laca a través del comercio. Aunque las islas estuvieron involucradas en el comercio con Japón y el continente asiático durante muchos siglos, en general se cree que la presencia y producción de artículos de laca en Ryukyu solo comenzó de manera significativa a fines del siglo XIV o principios del siglo XV.

Se estableció una oficina para supervisar a los artesanos de la laca como (Kaizuri bugyōsho).  Según "(Ryūkyūkoku yuraiki) ", o la coreografía oficial de Ryūkyū publicada en 1713, fue durante el siglo XVII que Kaizuribugyōsho se enfocó en introducir tecnología de China y Satsuma.  Desde 1686, se registraron en trees (Kishaba Monjo) el cultivo de árboles de laca y la cosecha de jugo de laca, con evidencia de mairi tsukawashijō.  Por lo tanto, el gobierno de Ryūkyū gestionó y fomentó la producción de laca de la cosecha de jugo de laca. Fue en 1800 cuando Kaizuri Bugyōsho supervisó la exportación de laca de Ryukyuan con técnicas de tsuishu suikin. 

Las relaciones tributarias formales con China comenzaron en 1372, y en 1427, el Emperador Xuande otorgó a Hashi, el Rey de Ryukyu, el apellido honorífico de la familia Shō (Shang), junto con una tableta de laca con los caracteres de Chūzan, y una serie de Otros regalos lujosos, incluyendo lacados y túnicas formales. Esta famosa tableta de laca se instaló en la entrada del castillo de Shuri, donde permaneció hasta mediados del siglo XX.

Ryukyu disfrutó de un comercio en auge con el sudeste asiático y Corea, e intercambió muchos productos de estos países con China, ya sea como regalos tributarios o como productos comerciales regulares. A partir de 1609, cuando el dominio Satsuma de Japón invadió Ryukyu, su comercio con el sudeste asiático y Corea casi llegó a su fin, reemplazado por el comercio con Satsuma. Durante aproximadamente quinientos años, desde 1372 hasta mediados del siglo XIX, un pequeño número de ryukyuanos residían en Fuzhou y Pekín en un momento dado, estudiando clásicos académicos y diversas artes también. La comunidad de académicos en Kumemura, en Okinawa, también incluía a varios artistas y artesanos expertos. Por lo tanto, dados los cambios en las relaciones de Ryukyu con países extranjeros a lo largo de su historia, es fácil ver por qué la laca de Ryukyuan antes del siglo XVII muestra fuertes influencias de China, Corea y el sudeste asiático, mientras que los objetos producidos después de la invasión japonesa evidencia influencias japonesas mucho más fuertes. .

Los desarrollos de los años 1860-70, principalmente los resultados de la Restauración Meiji, trajeron el fin del sistema feudal y de las relaciones tributarias tanto a China como a Satsuma. Por lo tanto, el monopolio estatal en el comercio exterior llegó a su fin, y los ciudadanos japoneses regulares tuvieron la oportunidad de comprar lacas de Ryukyuan por primera vez. Una exposición nacional de promoción industrial en Tokio en 1881 proporcionó, para muchas personas, su primera exposición a las artes de Ryukyuan.

Después de la Segunda Guerra Mundial y la extensa destrucción en las islas durante la batalla de Okinawa, se realizaron varias encuestas para aprender más sobre la laca de Ryukyuan (y muchos otros temas culturales e históricos), y para descubrir y recolectar objetos desplazados durante y siguiendo esa lucha.

Bandeja de pie, 1700–1800

Motivos y estilo

La laca de Ryukyuan, al igual que los productos de laca de otras partes del este y sureste de Asia, se presenta en varias categorías estándar: laca pintada, tallada, incisa y rellena de oro, pintada con oro e incrustada con nácar. El uso de nácar en particular es una característica común de las lacas de Ryukyuan, al igual que el uso de determinados tonos de rojo, especialmente como fondo. Sin embargo, en general se dice que la característica distintiva principal de las lacas de Ryukyuan es que simplemente "no parecen ser puramente chinos por un lado ni puramente japoneses por el otro". 

El color rojo distintivo que se ve a menudo en la laca de Ryukyuan es de un "tono más profundo y vibrante que el de China o... Japón". Se obtiene mezclando laca cruda con pigmento rojo en cantidades aproximadamente iguales, una mezcla que se vuelve de color rojo sangre en la luz del sol.

Armario con laca roja, incrustaciones de nácar. Islas Ryukyu (siglo XVIII)

Aunque los estilos y técnicas de producción de lacados fueron introducidos originalmente en Ryukyu por China, gradualmente se incorporaron motivos nativos a los lacados de las islas. La incrustación de nácar no es originalmente un elemento de Ryukyuan, pero se usó para representar papaya, plátano, palmeras, tomoe y otros motivos de las islas subtropicales. Otros diseños, como imágenes de hibisco y coral, se introdujeron en la segunda mitad del siglo XX como parte de la producción cultural artificial de bienes de turismo. Tradicionalmente, el uso de lacas amarillas, verdes y de otros colores para crear diseños contra el fondo rojo es otro método distintivo de Ryukyuan.

Finalmente, existe una técnica conocida como tsuikin que es especialmente distintiva para las lacas Ryukyuan. La laca se mezcla con pigmentos para crear una especie de arcilla o masilla, que se forma y talla y luego se aplica sobre el objeto, para crear efectos tridimensionales texturados.

A pesar de estas particularidades decorativas, el proceso básico de producción de lacas difiere poco entre Ryukyu, Japón y el continente de Asia. Sin embargo, Ryukyu disfruta de una serie de bosques nativos que crecen en sus islas, incluida la del árbol de coral deigo (Erythrina variegata). Algunos procesos tradicionales también involucran el uso de sangre cruda de cerdo o arenas marinas como parte de la capa inferior.

Cofre con cartela, alrededor de 1750–1800

Bandeja de pie, alrededor de 1700–1800 

Caja de comida, siglo XVIII.

Caja foliada, alrededor de 1750–1850

Kamakura-bori es una forma de lacquerware de Kamakura, Japón. Se fabrica al tallar patrones en madera y luego laca con capas de color. Entonces se pule.

Se dice que el género data del período Kamakura, cuando Kōun (o, según otra teoría, Kōen), un busshi (un escultor especializado en imágenes budistas), comenzó a tallar instrumentos racistas budistas de la manera que Chin Na-kei (o Chin Wa-kei) había introducido la laca tallada china de la Dinastía Song en China, que hasta los tiempos modernos siempre construía la laca sobre una superficie plana antes de tallar.

Kamakura-Bori fue producido típicamente para la clase dominante del Japón feudal, y con frecuencia representa figuras religiosas/ políticas. Kamakura-Bori era para todas las personas que tenían una casa: casi todos los propietarios tenían alguna forma de artesanía Kamakura-Bori.

Un ejemplo de Kamakura-bori.

Ampliación que muestra cómo el pulido revela capas.

Formas regionales 

Al igual que con la mayoría de las artes tradicionales, las variaciones surgieron a lo largo del tiempo a medida que los centros individuales de producción desarrollaron sus propias técnicas y estilos únicos.

·       Los productos de Aizu se desarrollaron a fines del siglo XVI y vieron un pico en su producción en el período Meiji. Una técnica de Aizu es la de grabar diseños o imágenes en la superficie de la laca y luego rellenar el espacio con oro u otros materiales. Otras técnicas distintivas de Aizu incluyen el pulido de varias arcillas y cebadores en el proceso.

·       Las mercancías de Jōhana son generalmente conocidas por su uso de maki-e y mitsuda-e (decoración de oro y plomo, respectivamente), y por el uso de laca blanca o blanquecina.

·       Negoro lacquerwares fueron producidos en el complejo del templo de Negoro-ji en la provincia de Izumi. Las capas rojas de laca en las mercancías de Negoro están destinadas a desgastarse gradualmente con el uso, revelando la laca negra debajo.  Este efecto ya ha sido copiado y emulado en otros lugares.

·       La laca de Ryukyuan, aunque con frecuencia incluida entre los tipos de laca japonesa, se desarrolló en gran parte de forma independiente, con fuertes influencias de China y el sudeste asiático, ya que las islas Ryukyu no estuvieron bajo control japonés hasta 1609.

·       Los artículos de Tsugaru presentan una técnica supuestamente desarrollada por Ikeda Gentarō a finales del siglo XVII; Se utilizan varias capas de lacas de diferentes colores para crear un colorido efecto moteado.

·       Los productos de Wakasa se fabrican utilizando una variedad de colores, y la inclusión de cáscaras de huevo, trozos de arroz u otros materiales en las capas de base. También se utiliza una lámina de plata u oro, y se sella bajo una capa de laca transparente.

·       Wajima-nuri se remonta a finales del siglo 15 desde Wajima, Prefectura de Ishikawa. Wajima-nuri es famoso por su pintura base duradera que se logra mediante la aplicación de múltiples capas de urushi mezcladas con tierra de diatomeas en polvo (ji-no-ko) sobre sustratos de madera delicados de zelkova. 

Entre los artistas de la laca que han sido nombrados como Tesoros Nacionales Vivos están Kazumi Murose, Kōichi Nakano, Fumio Mae, Masami Isoi, Hitoshi Ōta Yoshito Yamashita, Isao Ōnishi, Kunie Komori, Kiichirō Masumura y Shōsai Kitamura.

Los Tesoros Nacionales Vivos pasados ​​fueron Shōzan Takano, Gonroku Matsuda, Naoji Terai, Yoshikuni Taguchi, Taihō Mae, Joshin Isoi, Yūsai Akaji, Mashiki Masumura y Keishirō Shioda.

Okada Akito (1910–1968) se exhibió regularmente en la exposición Nitten después de 1947, y se desempeñó como maestro de restauración de laca para las colecciones de la Casa Imperial.

Breve evolución histórica

Prehistoria (Jomon, Yayoi y Kofun).

Hay una constatación de que el arte de la laca se manejaba desde el periodo Jomon. Su conocimiento partió de los mismos japoneses (aunque los chinos ya lo conocían). Los materiales básicos eran la madera y la cerámica en colores rojo y negro. Normalmente eran piezas monocromas sin ninguna decoración especial. Como mucho se combinaban los dos colores. En el kofun tardío incluso se usa la técnica de la laca seca. La laca se utilizó sobretodo con fines prácticos pero el uso de dos colores habla de cierta intención decorativa.

Los objetos que se lacaban eran pequeñas figuras dogu, arcos y sables de madera, cerámica de uso cotidiano, cofres ornamentados, peines de madera tallada, agujas de pelo, sarcófagos de madera (periodo Kofun).

Periodos Asuka, Hakuho y Nara.

Renovación y enriquecimiento del arte de la laca gracias al contacto con China y Corea.

Notable incremento de la producción. 

Muy especialmente en los periodos Hakuho y Nara. Entre las altas clases sociales se pone de moda el uso de objetos lacados.
En el siglo VII se funda la fábrica imperial para la fabricación de laca destinada al uso de la corte. 

Entrado el siglo VIII es una industria muy floreciente. 

La importancia de estos objetos se manifiesta que los nobles obligaban a los terratenientes a que cultivaran el árbol de la laca (leyes Taiho). Muchas veces se prefería que el impuesto se pagara con la savia del rhus vernífera en voz de arroz. 

También es prueba de su importancia la cantidad de objetos lacados que se han conservado: tumbas, asentamientos arqueológicos, templos.

Tesoro del Shosho-in: una dependencia del Todaiji. Un gran almacén donde se conserva la colección del emperador Shomu con objetos procedentes de la India, China, Asia central (piezas cerámicas, textiles, lacas). Junto a esa colección se han conservado los objetos ceremoniales de la inauguración del Todaiji y las ceremonias fúnebres de Shomu. 

Cantidad inmensa de objetos lacados procedentes de China y de Japón: lo que muestra los modelos que se conocían en el periodo Nara y las piezas japonesas que tomaron como modelo las piezas chinas.

Nuevos tipos de objetos: multiplicación de las tipologías: esculturas (técnica de la laca seca, en el Kannon de Kudara se encuentran detalles puntuales), relicarios y de simulacro de templo (relicario de los élitros de escarabajo -Tamamushi-), espejos.

Nuevas técnicas sobre todo en los objetos pequeños. Raden (nácar) ya se conocía esta técnica en China sobre madera pero no sobre laca a partir de ahí los japoneses lo aplicaron sobre laca (los chinos lo reconocen como lo demuestra la documentación Song). Heidatsu (metal) origen chino desde la dinastía Ha. Urushi-e, Kingin dei-e, Mitsuda-e (reproducción de motivos pictóricos mediante laca), el origen de estas técnicas es china.

Tipos de motivos y composiciones. Las piezas tienen un repertorio basado en los chinos: motivos naturalistas descriptivos basados en flores y animales, con una composición también china: disposiciones ordenadas, simétricas, estáticas, equilibradas. Claro gusto por la repetición de motivos. Un motivo central en torno al cual se reproducen distintos motivos.

Periodo Heian

Los objetos lacados tienen un gran éxito. La familia Fujiwara aúna los objetos lacados porque consiguen elevar a categoría de arte las labores de la vida cotidiana. Se multiplica la producción de estos objetos en detrimento de los objetos cerámicos. La gran demanda de este tipo de objetos propicia la experimentación.
Nuevos objetos: por primera vez se usa en la arquitectura (pabellón del Fénix del Byodo-in sobretodo en el interior), la tipología de muebles se multiplica (reposa brazos, pequeñas mesitas…).

Nuevas técnicas japonesas. En general va a haber en todos los aspectos un desapego de la tendencia china. Togidashi maki-e. Menos la técnica de aplicación metal (especialmente en el IX en objetos vinculados a los templos) se va a ver sustituida por la técnica maki-e (concretamente la variante togidashi maki-e: sobre un color negro se realizan motivos ornamentales con otro tono diferente de laca antes de que se seque se aplica polvo de metal mediante un tubo, se elimina el sobrante y se da un acabamiento: se aplican múltiples capas sobre el objeto y pules perfectamente toda la superficie el motivo y el fondo está a la misma altura). Es muy frecuente la utilización conjunta de la maki-e (precedentes en el periodo Nara) y raden.

Motivos y composiciones: rasgos típicamente japoneses: flores de loto, olas del mar. No de manera descriptiva y detallada sino una tendencia hacia la simplificación y la abstracción incluso. Separación de la simetría, ni motivo central, dinamismo.

Periodo Kamakura

Gran demanda de objetos lacados por parte de las nuevas clases guerreras (shogun-daimyo-samurai). En general, hay dos características que esta clase militar puso de moda: la tendencia a la austeridad (que no se va a apreciar en la laca precisamente), un gusto por el realismo que sí se aprecia en el mundo de la laca (técnicas volumétricas, paisajes).

Nuevos tipos de objetos: sillas de montar, armaduras, fundas de espadas, tsuba, arcos, los kogo (botes para el incienso, introducción del zen, en dos tamaños 30cm -grande- y 10 cm -pequeño- para el uso particular de la ceremonia).

Novedades técnicas: técnicas de fondos (ikakeji: el fondo se cubre totalmente de oro), técnica para la reproducción de motivos volumétricos: takamakie y hiramakie. Sobre un fondo negro se trazan motivos en rojo antes de que se seque se dan un polvo para dar cuerpo al motivo, luego se da una capa preparatoria y antes de que se seque se da el polvo de oro, cuando se seca se quita el polvo sobrante y se da un acabamiento sólo sobre el motivo. Técnica imitando la laca relievada china: el kamakurabori: se talla el objeto reproduciendo sobre la madera los motivos y todo el objeto se cubre con laca roja.

Motivos: gustan especialmente las flores otoñales: crisantemos. También se reproducen naturalezas muertas, las escenas completas de la naturaleza de forma realista: los paisajes.

Periodo Muromachi

Periodo conflictivo pero floreciente y particularmente en el campo de la laca porque se cuenta con unos mecenas amantes de este arte: los Ashikaga. Se busca evocar la época Heian. Hay tal producción de laca que se conocen unos nombres propios: Koami. Nueva oleada de influencias chinas. Se intensifican las relaciones comerciales con china y monjes chinos. Fascinación por las lacas chinas (surgen técnicas y temas vinculadas con China).

Nuevos objetos: para realizar la ceremonia del té (todavía no en su forma definitiva) se utilizaban una serie de objetos que salían ser lacados. (el chawan luego será de cerámica).

El negoro: mezcla de negros y rojos (capas inferiores de negro y las exteriores de rojo. Es ahora cuando adquiere importancia especialmente para los objetos de esta primera ceremonia del té). Chositsu: (laca tallada, antecedente de kamakurabori) es ahora cuando se realiza. También de origen chino es la técnica del chinkin: incisiones en la laca que se rellenan con polvo o lámina de oro. Maki  (togidashimaki-e pero también takamaki-e) y nashiji.

Motivos ornamentales: también siguen los motivos habituales (paisajes, flores…) pero se incorporan las temáticas chinas (la mujer bajo el árbol, animales fantásticos de procedencia china, paisajes reproducidos en la pintura china -pintura Song que luego pasará a la estética zen, sumi-e-) y temática japonesa (historias literarias: Cuentos de Ise, de poemas clásicos -Flores sobre el río Shira-, Genji monogatari).

Periodo Momoyama

Es una época regida por 3 figuras militares: Oda Nobunaga, Toyotomi Hideyoshi, Tokugawa Ieyasu, aparecen los grandes castillos militares, la ceremonia del té toma forma y se introduce la cultura occidental.

Se diferencian claramente 2 líneas de producción:

La laca típicamente japonesa: las lacas del Kodai-ji (mausoleo de Hideyoshi y su esposa Kodai-in, de finales del siglo XI) son paradigmáticas y marcaron una tendencia.
Usan como técnicas el hiramaki-e (motivos planos), nashiji (fondos de polvo metálico).
Motivos y composiciones: elementos vegetales otoñales (crisantemos, paulonias, campanillas), bambúes y pinos en un bosque.

Arte namban.

Un barco de portugueses se dirigía a china pero llegó a Japón. Unos años después llegó S Francisco Javier, Fundaron colegios y seminarios también para pinturas y grabados. Fruto de ello es el arte namban: arte japonés con influencia occidental. 2 artes florecieron especialmente:

La pintura: la pintura japonesa con temas occidentales, pintura con técnicas (óleo) y recursos (claroscuro) occidentales.

Las lacas: objetos típicamente occidentales (Ej.: un altar, un atril) con motivos japoneses, u occidentales entremezclados con los japoneses. Los objetos que se fabrican son: botellas de sake, botes para hostias, atriles, altares, baúles. Las técnicas más utilizadas son el maki-e en plano, raden (incrustación de nácar), piel de tiburón. Los motivos japoneses son vegetales muy minuciosos. Los motivos occidentales: cruces, anagrama de Cristo, de María, de los Jesuitas (JHS), pipas, naipes, figuras de occidentales, animales como los lebreles, se pedía una densidad ornamental (“horror vacui”).

Periodo Edo

Es un periodo de máxima producción y máxima calidad (debido a la larga experiencia en cada una de las técnicas). Había gran cantidad de talleres que satisfacía una gran demanda: corte del emperador, el shogun, los daimyo, los samurais, los chonin (en teoría, las leyes de ostentación no podían mostrar productos de lujo pero podían poseerlo de manera privada). Se distinguen diversas tendencias:

Lo ostentoso y lo brillante. Materiales ricos: marfil, oro, plata, piedras preciosas, perlas, coral y porcelanas (es cuando importan de Corea el arte de la porcelana porque antes no encontraban caolín).

Tendencia europea. Hubo actividad comercial en el puerto de Nagasaki (holandeses). Realizaban lacas acordes con la demanda europea.

La escuela Rimpa. Es una de las escuelas pictóricas más importantes del periodo Edo. Culminación de la pintura decorativa (presente desde pintura Heian, opuesta a la pintura expresivo-realista). Fue esbozada por Konami Koetsu (1558-1637) un artista multidisciplinar (cerámica, lacas, caligrafías, pintura) le sigue Tawaraya Sotatsu (primera mitad del XVII), los hermanos Ogata (Ogata Korin -1658-1716- Ogata Kenzan -1663-1743-) y otros seguidores anónimos.

Técnicas: junto con las tradicionales maki-e (todas las vertientes), raden, nashiji se practican nuevas técnicas: aplicación de láminas de metal que no habían tenido importancia (estaño, plomo) en grandes extensiones y gruesas con irregularidades conscientes.

Temas: tradicionales pero con tratamientos novedosos: temas inspirados en la literatura clásica, naturales (flores, iris, lirios, árboles, ramas, animales: aves, ciervos). Utilización de la caligrafía ornamental la caligrafía. Todos estos temas se tratan con una tendencia hacia la abstracción y la simplificación, estilización (gusto por las líneas fluyentes, los temas adquieren importancia por el tamaño), valor estético del vacío. 

Las composiciones son muy atrevidas: diagonales, división en amplios campos decorativos, potencian el valor decorativo de la pieza con el brillo y la claridad.

Algunos artículos de la deslumbrante laca japonesa

La fascinante y prolongada empresa que supuso la Embajada Keichô comenzó en la bahía de Tsukinoura, cerca de Sendai, al nordeste de Japón, con la construcción de un galeón en la que colaboraron los carpinteros navales del gobierno del shôgun, el comandante del ejército. La expedición, formada por más de 180 miembros, partió el 28 de octubre de 1613, hace prácticamente 400 años, y durante casi siete años cruzó los océanos Pacífico y Atlántico con rumbo a Sevilla. La Embajada Keichô fue una misión diplomática, encabezada por el samurái Hasekura Tsunenaga y orquestada por el franciscano Luis Sotelo, que fue enviada a España y a la Santa Sede por el daimyô Date Masamune, señor de Sendai, sobre todo con el propósito de establecer vínculos comerciales con Europa. Hasekura Tsunenaga se convirtió en el primer viajero japonés que cruzó los dos océanos y atravesó el continente americano.

El samurái contaba con la confianza de Date Masamune, quien le encomendó la tarea de ser representante suyo ante Felipe III, en Madrid, y Pablo V, en Roma. En 1614, la embajada llegó a Sanlúcar de Barrameda y de ahí tomó dos galeras hasta Coria del Río, en la provincia de Sevilla. Los expedicionarios que permanecieron en esta población dieron origen a la descendencia que hoy lleva el apellido Japón. Tsunenaga solicitó ser bautizado, lo que se cumplió el 17 de febrero de 1615 en el monasterio de las Descalzas Reales, en Madrid, recibiendo el nombre de Felipe Francisco. Sin embargo, las persecuciones a los cristianos en Japón impidieron una aproximación diplomática entre ambos países. Y por parte de Pablo V no obtuvo más que vagas promesas. Tsunenaga emprendió el camino de regreso hacia Sendai, que duró más de cuatro años, sin cumplir su propósito. Los objetos y documentos que acopió en su viaje y que llevó a Japón componen el material relacionado con la misión Keichô, custodiados en el Museo Municipal de Sendai y considerados tesoros nacionales.

Objetos cristianizados

Se cumplen, por tanto, 400 años de las primeras relaciones comerciales entre Europa y Japón. A pesar de la persecución del cristianismo, en 1614, se produjo una demanda de productos y un intercambio cultural entre Occidente y Oriente. El Museo Nacional de Artes Decorativas (MNAD), en Madrid, rinde homenaje a este intercambio cultural y artístico a través de la exposición Lacas Namban. Huellas de Japón en España. IV Centenario de la Embajada Keichô, que se podrá visitar del 13 de junio al 29 de septiembre de 2013. Namban significa literalmente «bárbaros del sur», nombre que utilizaron los japoneses para identificar a los primeros europeos que provenían de los mares del sur. El término se ha convertido en la palabra que identifica el encuentro cultural producido en este período (1543-1639). Fue en este contexto en el que surgió la laca de estilo Namban, un ejemplo de la adaptación del arte tradicional al gusto de estos nuevos extranjeros.

En la muestra se exhiben importantes libros y documentos sobre aquel primer viaje, pero también preciados objetos de laca japonesa, la mayoría de los cuales se expone por primera vez, ya que permanecían celosamente guardados en monasterios, conventos, capillas e iglesias de toda España. Las arcas, arquetas y bargueños elaborados con laca Namban experimentaron una transformación a su llegada a España. La singular belleza de la laca japonesa hizo que estos objetos se cristianizaran y se utilizaran como contenedores de excepción para las reliquias y demás utensilios sagrados.

Arca de estilo Namban (1580-1630), de Japón.

Sagrario de estilo Namban (1580-1614), de Japón.

Escritorio de estilo Transición (1630-1650), de Japón.

Panel de laca de exportación japonés

Panel de laca, Japón, alrededor de 1640. Madera, cubierta de laca negra con laca de oro y plata, incrustada de plata, metal shibuichi y nácar. Museo no. FE.65-2009. 

Este panel de laca japonés fue casi seguramente la parte superior de un cofre fabricado alrededor de 1640 para el mercado europeo.

Tiene muchas similitudes sorprendentes en el tema, el estilo y las técnicas del Mazarin Chest, probablemente el artículo japonés más importante de la colección de V&A. El cofre pertenece a un pequeño grupo de lacas de muy alta calidad fabricadas en Japón para la exportación entre principios de los años 1630 y 1640.

La investigación histórica del arte reciente en el Cofre Mazarino ha revelado que se hicieron varios cofres similares en el mismo taller al mismo tiempo, aunque algunos de calidad ligeramente inferior. Estos sobreviven ya sea como cofres enteros o en paneles de diferente tamaño y calidad. Desde hace tiempo se sabe que el Cofre de Mazarino tiene un compañero más grande y estrechamente relacionado, conocido como el Cofre de Lawrence, cuyo paradero actual se desconoce. Otro trabajo estrechamente relacionado, aunque menos impresionante, es un gabinete del Palacio de Charlottenburg, Berlín.

Otras obras relacionadas sobreviven como paneles de laca que se cortaron de su configuración original y se incorporaron a gabinetes de estilo occidental. Paneles de otro, un cuarto 'Cofre Mazarino', parecen haber sido incorporados en dos gabinetes de trabajo del siglo XIX. Uno de estos (Museo no.1084-1882) está en la colección de V&A, mientras que el otro se ofreció para subasta en Sotheby's, París. Cuando se juntan, los dos paneles de laca más grandes y cuatro más pequeños de estos dos gabinetes parecen formar la parte frontal y los lados de un cuarto cofre.

The Mazarin Chest, Japón, alrededor de 1640. Museo no. 2-1882

Aunque se eliminó la frontera, este panel recién adquirido tiene similitudes inequívocas con la parte superior de las tapas de los cofres Mazarin y Lawrence, así como con el Gabinete de Charlottenburg. Están decoradas con un paisaje, un palacio y galerías junto a un lago, en alusión a las ocho vistas de Omi (Omi hakkei). Esta fue una versión japonesa de un tema de la poesía y la pintura china, Las ocho vistas de Xiaoxiang (Xiaoxiang ba jing) Estas escenas están rodeadas por un cartucho distintivo formado por pares de fénix enfrentados. Esto es exclusivo del Mazarin Chest y de los otros tres cofres o gabinetes estrechamente relacionados. Es muy probable que este panel recién adquirido fuera la tapa de este otro, cuarto 'Cofre Mazarino'.

La laca de exportación japonesa del siglo XVII no se firmó tradicionalmente con el nombre del artista. Sin embargo, la calidad extremadamente alta de los cofres Mazarin y Lawrence y su gran similitud con algunos de los mejores artículos de laca contemporánea para consumo doméstico, sugerirían una conexión cercana con los dos talleres principales en Kyoto, el de las familias Koami e Igarashi. A pesar de que la calidad de este panel no es tan alta como la de los cofres Mazarin y Lawrence, sin duda se realizó en el mismo taller.

Suzuribako (caja de piedra de tinta) con diseño de Ono no Komachi [nota: show con tapa en pie] Japón, circa 1800 Laca, oro, plata, cristal tallado púrpura, metal lacado negro, metal dorado sobre madera, llantas suzu (aleación de estaño); cuentagotas de agua: grabado en plata 3 ½ x 7 7/8 x 6 5/16 pulg., colección Jacqueline Avant

Bandeja lacada japonesa del período Meiji se distingue por su artesanía excepcional. Esta caja exhibe un arte fenomenal ya que toda la bandeja está envuelta con la decoración de nashiji, hirame y kirikane de un jardín japonés con un puente que cruza un arroyo. La laca de Nashiji en el recipiente interior completa esta extraordinaria obra. 1900

Caja de escritura de laca japonesa (suzuribako), firmada y sellada Zeshin [Shibata Zeshin, 1807-1891], Período Meiji (finales del siglo XIX). 2 in (5 cm) de alto x 8¾ in (22 cm) de ancho x 10½ in (26.6 cm) de profundidad. 

Un japonés de cuatro cajas lacado inro con monedas, período Edo (siglo XIX). 2¾ en (7 cm) de alto. 

Panel de laca fino que representa langostas, firmado Gyonen Hachijuni O Koma Zeshin [Un anciano en su 82º año, Koma Zeshin], Meiji 21er año (1888). 96 cm x 105.6 cm. 

Caja de laca japonesa inusual para el mercado holandés, Edo Period (siglo XVII). 8¼ in (21.5 cm) de ancho. 

Un importante santuario cristiano portátil (seigan) encargado por los jesuitas portugueses, período de Momoyama (finales del siglo XVI). 41,5 x 28 x 5 cm (marco); 23 x 28 cm (panel de cobre). 

Quemador de incienso de laca japonés con forma de melón (koro), período Momoyama (finales del siglo XVI). 

Pequeña caja de accesorios rectangular de laca japonesa (tebako), período Edo (siglo XVIII). 2¼ in (5 cm) de alto x 3½ (8,5 cm) de ancho

Caja de incienso de laca japonesa urushi con un recipiente de incienso quemado. Sobre un fondo de laca negra, con follaje de laca dorada y flores maki-e. Altura: 2,9 in. Sin firmar. 

Caja rectangular japonesa

Estilo de transición con cubierta abovedada con accesorios de cobre dorado al fuego. En estilo pictórico con una fina decoración en varias técnicas: takimaki-e (alto relieve), tsuke-gaki (dibujo con líneas de laca estrechas y sobre rociados con rellenos de oro y plata), usuniku-takamai-e (relieve demi), kimekomi (Empujado adentro) y acentos de kirigane (pequeño mosaico de metal de corte geométrico). Muy raro de ver es que los cartuchos en el cofre están en un fondo de grano de madera llamado 'Mokumé', que es un patrón aplicado con polvo de oro para sugerir la presencia de grano de madera. Los cartuchos están decorados con mariposas (mukai cho), dentro de los cartuchos un paisaje de rocas, árboles, flores, pájaros y pabellones japoneses y pagodas y cercas con detalles arquitectónicos. El interior de la cubierta con vides de glicina y un fénix. Todo decorado con símbolos referentes a las crestas de la familia japonesa. Bronces re-dorados y restauraciones al lacado.

El trabajo de laca con Mokumé en una escala tan grande es muy raro en un gran cofre como este. Las únicas piezas comparables se encuentran en el Museo Groninger, que también tienen un cofre de laca con Mokumé en su colección (inv. 1988-24) que les vendió Pieter Hoogendijk y otro cofre exhibido por Pieter Hoogendijk en TEFAF Maastricht en 2011, vendido a Coleccionista privado europeo.

El lacquerware de exportación japonés fue uno de los muchos productos que VOC envió desde Asia a Europa. La laca se fabricó en Japón para la exportación y se entregó en todas las formas, como maletas, baúles, cajas y armarios. El primer envío de productos de laca por parte de VOC tuvo ventas decepcionantes, los europeos del noroeste no estaban familiarizados con la laca o no les gustaba el estilo nambano y no estaban preparados para pagar los altos precios exigidos. La compañía y los Estados Generales presentaron envíos especiales como regalos a los gobernantes y altos funcionarios de países extranjeros. Continuaron enviando lacados y la demanda aumentó. Después de principios de la década de 1640, cuando los grandes envíos de laca comenzaron a llegar regularmente a Ámsterdam, los agentes de las diferentes Casas Reales de Europa vinieron a comprar en la subasta de VOC. Hacia finales del siglo XVII, Se hizo cada vez más difícil para la Compañía comprar piezas de buena calidad a precios aceptables. Los libros de cuentas de la Compañía muestran que después de 1693 no se envió una sola pieza de laca desde Japón.

La fabricación de lacas japonesas era complicada, requería mucho tiempo y era muy costosa. A pesar de que la laca era popular, no le reportaba al VOC una gran ganancia debido al tamaño de las piezas, simplemente tomaban demasiado espacio en la bodega del barco. El comercio de lacas japonesas era, por lo tanto, solo una pequeña parte del comercio de VOC con Japón. Se compró en una escala limitada, inicialmente en Hirado y después de 1641 en Nagasaki. Desde entonces, el comercio pasó por Deshima, una pequeña isla artificial en la Bahía de Nagasaki.

Caja de papelería en estilo Kōdaiji

La atrevida combinación de diseños de paisajes naturalistas y crestas de paulownia dispersas en campos diagonales contrastantes divididos por un borde en zigzag es característica de un estilo distintivo de la decoración de laca del período Momoyama conocida como Kōdaiji, que se mantuvo en vigencia desde la década de 1580 hasta principios del siglo XVII. El estilo está asociado con la potencia militar Toyotomi Hideyoshi (1536–1598) y lleva el nombre del templo Kōdaiji, donde se construyó su santuario conmemorativo en 1616. El interior laqueado del santuario, junto con unos treinta objetos de laca de uso personal que se conservan allí, están decorados de manera similar con diseños naturalistas, principalmente de pastos otoñales, que a menudo se combinan con crestas de paulownia dispersas, el emblema personal de la familia Toyotomi.

Tebako con hojas de palmera

Tebako o caja de accesorios decorativos en forma rectangular con bordes suavemente redondeados, la parte superior y los lados decorados con ramas de palmeras doradas sobre un fondo negro. De roiro o laca negro pulida espejo decorada en takamaki-e o lacas de oro levantadas, el interior y la base en laca de escamas de oro de nashiji densa. Con monturas de plata aplicadas. Era de Taisho, hacia 1912-1926.

Con la caja de tomobako u original, inscrita en el exterior de la tapa: Caja de accesorios de laca Shuro Maki-e Tebako o Palmera (diseño de fronda) , y sellada (ahora ilegible).

Era habitual que los artistas de laca que trabajaban en Kanazawa firmaran solo la caja de almacenamiento, en lugar de la pieza en sí. Esto sugiere que este elegante tebako puede ser de un artista de laca Kaga.

Kôgô - Una caja circular de laca japonesa para incienso.

Kôgô - Una caja circular de laca japonesa para incienso. Urushi de laca japonesa, decorado en takamaki-e y hiramaki-e con figuras de animales de Shishi jugando. El interior es Nashiji con finas hierbas del otoño. Los laterales están decorados con mokume para imitar la veta de la madera. Diámetro: 3,5 pulgadas. Japón Edo (1603-1868), siglo XIX.

Caja de laca japonesa de mediados del siglo XIX de inusual forma festoneada y decorada con viñetas doradas de figuras, pabellones, piedras, árboles y arbustos.

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Bibliografía

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Nanetti, Paolo (2006), Revestimientos de la A a la Z, Vincentz Verlag, Hannover, ISBN 3-87870-173-X - Una compilación concisa de términos técnicos. Se adjunta un registro de todos los términos en alemán con sus correspondientes términos en inglés y viceversa, para facilitar su uso como medio para la traducción técnica de un idioma a otro.

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"La leyenda en el arte japonés" de Henri L. Joly; 1908/1967; Charles E. Tuttle, Rutland VT; ISBN 0-8048-0358-7