domingo, 14 de enero de 2018

Capítulo 9 - COMPORTAMIENTO POLÍTICO E IMPORTANCIA ARTÍSTICA, 1943 – 1953


COMPORTAMIENTO POLÍTICO E IMPORTANCIA ARTÍSTICA, 1943 – 1953


- Muerte de Julio González y más bodegones
El 27 de marzo de 1942 fallece su amigo Julio González quien, a fines de los años veinte, había iniciado a Picasso en el trabajo del metal. Éste queda tan conmovido que pinta una serie de 7 cuadros semejantes a modo de memoria hacia su amigo. También se interpretan como crítica de rabia contenida hacia los exiliados por la Guerra Civil. Destacan Naturaleza muerta con cráneo de toro y Cabeza de toro sobre una mesa. El primero resulta una imagen sobrecogedora porque simboliza que le han arrancado esa cabeza, con un cromatismo rojo y amarillo. Mantiene, aun así, una neutralidad porque podía suponer problemas políticos. 
De ahí esa idea tenebrosa con algo contenido no tan fácil de ser apreciado.

Naturaleza muerta con cráneo de toro, 1942, Pablo Picasso

En otra Naturaleza muerta de 1942 coloca varios animales sobre la mesa de la cocina con ese cruce potente de luces y saca de la oscuridad a ese pollo desplumado. Hay formas geométricas coloreadas con colores planos como esa sensación de las víctimas. Por otro lado en Silla, de 1942, hay una distorsión que genera un enorme movimiento sin colores que distraigan. 

Cabeza de toro sobre una mesa 1942, Pablo Picasso

En Naturaleza muerta con cráneo frente a una jarra muestra un color aplicado a restregones: es una obra rápida de descarga de ira donde Picasso recurre a la técnica surrealista de camuflaje.

Naturaleza muerta con cráneo frente a una jarra, 1945, Pablo Picasso

Durante la guerra, Picasso no se fue de París. Vivió retirado en su taller Les Grands Augustins trabajando en una obra que representa para él la forma de estar presente en el mundo. Dibuja, graba, esculpe, pinta paisajes de París. 
El paisaje de galante verde, el pequeño jardín ubicado entre los árboles en la punta de la isla de la ciudad, no lejos de su estudio, evoca la imagen de un refugio, un arco triunfal de vegetación preparado para saludar al l amanecer que vendrá de esta noche opresiva de la ocupación,

El Verde galante 1943, Pablo Picasso

Mujer sentada en una mecedora 1943, Pablo Picasso

Picasso estaba preocupado por la traducción a la pintura del concepto de movimiento. En esta pintura, el movimiento se visualiza mediante la extrema simplificación de los planos y los volúmenes y la reducción de la figura femenina a un esquema. 
Picasso no describe a una mujer que se balancea, se detiene en la acción que realiza, en el espacio que transforma por los ritmos que produce mientras se balancea. 
Picasso quiere introducirnos en el espacio donde la mujer se balancea, en el movimiento que la anima, que voltea el pavimento a su alrededor. 

Gran mentira desnuda 1943, Pablo Picasso

Mientras todo va mal en Francia y en el mundo, Picasso, abrumado, reacciona con el trabajo. Para él, es mejor pintar algo que no hacer nada en absoluto. 
Él dirá "Mes en que comencé una imagen como vino a mí". Me dije a mí mismo: incluso si no lleva a ningún lado, habrás hecho algo pequeño» 
Pinta este desnudo con ritmos triangulares, desnudo encerrado en una habitación que parece encogerse como un ataúd. 

Naturaleza muerta en la cafetera 1943, Pablo Picasso

El café es un bien precioso durante la guerra. Los panecillos hechos con harina de maíz son alimentos igualmente buscados. 
En el colmo del lujo, incluso tiene mantequilla o margarina a la derecha y mermelada a la izquierda. 
El gouache monocromático le da un aspecto melancólico a este pequeño bodegón de gran simplicidad.

Naturaleza muerta en la cafetera 1943, Pablo Picasso

Picasso pintó dos naturalezas muertas sobre el tema del café, que le presenta a Marie-Thérèse porque los ejecutó en su casa en el departamento de Île Saint Louis, donde la verá los jueves y domingos. 
Le dio a Marie-Thérèse inmenso cariño e hizo hermosos juguetes para Maya. 
Le gustaban las tazas de café de la casa burguesa que ella le dio. 
Pintura colorida y decorativa. 
Él ha dividido la pared amarilla en cuadrados en los que alterna la dirección de las líneas paralelas. Las cintas de pintura azul alrededor de la cafetera dejan franjas amarillas, rojas y blancas sobre el pico, la tapa y el borde de la parte superior. 
Picasso quería evitar dejar ningún vacío.
Quería hacer su pintura lo más alegre posible para agradecer a Marie-Thérèse. 

En Cráneo y jarra, la cabeza tiene una forma simple, completa y un color que evoca el bronce. Es una reminiscencia de una castaña redonda y lisa y tiene un aspecto soñador. La austeridad del entorno y el pequeño tamaño del espacio crean una atmósfera de celda monástica. 
La pared detrás del cráneo está pintada en un suave verde armonizado con tonos dorados de bronce. Las teclas de color de la jarra son vigorosas y crean vida 
La dignidad de la muerte parece enfrentar la espontaneidad de la vida.  

Cráneo y jarra 1943, Pablo Picasso

- Realidad política de Picasso
En enero de 1941 escribe su primera obra de teatro: “El deseo atrapado por la cola”, cuyo contenido gira en torno a la población parisina en época de la ocupación alemana con aquellos instintos y pasiones elementales en un escenario de hambre y frío. En mayo de 1944, mientras seguía la ocupación, da a conocer esta obra y varios amigos se reúnen en la casa de Louise y Michel Leiris, escritor y etnógrafo francés, para darle lectura a esta obra. Picasso vuelve al ambiente literario y se sitúa también en ese círculo intelectual para mostrar su posición política. Durante la ocupación se traslada a la casa de Marie-Thérèse y en agosto de 1944 se produce la libertad de París con el desembarco de los aliados en Normandía. 
El lavabo, de 1942, muestra ese sentimiento precario, como también el Taller del artista en la calle Graus. Parece retomar aquél clasicismo que dejó de lado, ya que ahora es cuando realiza los retratos de Dora Maar, desnudos masculinos, etc. Realiza varios estudios para la escultura de El hombre del cordero, donde hay una reacción ante ese momento bélico: no hay disociación sino sólo figuración. Es entonces cuando nos preguntamos por qué abandona su lenguaje moderno, ¿quizá necesita transmitir con claridad? No se sabe si era esa necesidad de transmitir claramente sin ninguna complejidad plástica para el espectador pero hay que tener en cuenta la presencia norteamericana en París y que en Estados Unidos se encontraba ya El Guernica.

El lavabo 1942, Pablo Picasso

El hombre del cordero, 1943, Pablo Picasso

Escultura de escayola de estilo expresionista. “El hombre del cordero” muestra que el artista malagueño también era un maestro del cincel. Se encuentra expuesta en el Museo Reina Sofía de Madrid.
Entre las características formales destacar su enorme verticalidad y estrechez. Es evidente el carácter inconcluso de la obra: su piel agrietada, los pies indefinidos se entallan en la superficie como raíces, los ojos del hombre y el cordero parecen bolas pegadas sobre los surcos que se muestran en esos rostros abocetados. La pierna adelantada de forma tan mecánica recuerda a los kurois griegos. Picasso declaró que esta obra se muestra así porque no la terminó.
La manifestación plástica muestra a un hombre sosteniendo a un cordero. El tema del pastor y el cordero se remonta al arte clásico griego y paleocristiano. El “Moscóforo” y el “Buen Pastor” es prueba de ello. La mitología cristiana primitiva mostraba a Jesús como cordero Dios y Pastor de almas (en la celebración litúrgica aún se escucha “Yo soy el Cordero de Dios que quita el pecado del mundo” o también “el Señor es mi pastor, nada me falta”).
Picasso otorgo otro modelo interpretativo a la obra del pastor y el cordero alejado de la mística cristiana, basado en el terror de vivir en una Europa dominada por los Totalitarismos y en guerra. Los historiadores del arte realizan una doble lectura la obra picassiana. Por un lado, una esperanzadora, por la cual el hombre será capaz de crear un “nuevo hombre” libre y en paz y, por otra, aquella que muestra la obra como una metáfora de la realidad: el hombre que sacrifica a otros hombres como si fueren corderos. Es deducible pues el expresionismo de la obra también en su iconología.

Franco, además, está aislado entre los poderes políticos europeos y Picasso era muy importante en aquella Francia liberada que necesitaba nuevos iconos artísticos. Por eso mismo, Picasso pasa a ser un artista de culto. En el Salon d’Automne de 1943 participa por primera vez con 74 pinturas y 5 esculturas, suponiendo el reconocimiento de su pintura de forma sólida. Es cuando se alía al Partido Comunista Francés, oponiéndose evidentemente así al franquismo, rechazando la realidad política española. Es un Picasso revolucionario, luchando con su pintura en contra del poder político, cuadros como arma de lucha política. Su afiliación supone que no sólo es un artista sino un revolucionario y un luchador.

Picasso a menudo retoma el tema de las mujeres en la silla. La mujer de azul intenso sostiene en su mano una naranja. ¿Es esto una alusión a la omnipotencia de la mujer que sostiene el mundo en sus manos o a Eva sosteniendo la manzana? 
La mujer está firmemente acampada; los asaltos a las deformaciones introducen una dinámica en el ritmo de las líneas. Las características de la cara son menos atormentadas, con los ojos doblados, una nariz doblada en el lado con las fosas nasales visibles, una boca delgada.

Mujer con sombrero azul 1944, Pablo Picasso

En agosto de 1944, Picasso se mudó a Marie-Thérèse para cuidar a la joven y su hija Maya. Marie-Thérèse cultiva tomates en macetas para mitigar las consecuencias del racionamiento de alimentos. 
Contraste entre la fría oscuridad de los cristales de las ventanas y la luz dorada que baña la planta. Sus tomates son firmes y carnosos, algunos aún verdes pero teñidos con una prometedora rosa. 
Esta pintura expresa el instinto de supervivencia que se afirma en los seres humanos sometidos a los rigores de la guerra.

Planta de tomate 1944, Pablo Picasso

En El triunfo de Pan realizada del 24 al 29 de agosto en medio del ruido y tiroteos.
Picasso está inspirado en una bacanal de Poussin para dejar estallar la expresión de una alegría colectiva que anuncia la victoria. 
Una farándula de alegría de pánico donde las cabras y los sátiros se entrelazan.
Es el final de años de angustia y el comienzo de otra vida para Picasso que tiene 63 años. 
El  triunfo de Pan 1944, Pablo Picasso

El Osario lo realiza inspirándose en una película en la que hay una escena en la que matan a roda una familia en la cocina. Esa violencia que nos asalta en todas partes, con una pila de cadáveres entrelazados con trazos superpuestos y dibujos atravesados formando una red de líneas. Los rostros muestran diferentes personajes peor hay un amontonamiento de cuerpos que impide distinguir qué parte corporal le pertenece a cada rostro. Aun así, hay un equilibrio plástico donde las líneas continuas producen desmembramiento y terror a modo de continuación de El Guernica.
El osario, 1945, Pablo Picasso

Monumento a los españoles muertos por Francia. El cuadro está pintado sobre un fondo gris, predominando los colores de gama fría como el gris del fondo, ya mencionado, o el rojo y el azul del uniforme del hombre. Es una composición central en la que predominan las líneas rectas y la carencia de volumen. 
En la obra podemos apreciar el rostro serio de una persona, vestido con una especie de uniforme y con una flecha atravesando su cuerpo, debajo de este se aprecia un cuadro con algo escrito. Bajo el cuadro, entre dos macetas, encontramos la calavera con los dos huesos de forma entre cruzada lo que significa la muerte. Este cuadro transmite un sentimiento de tristeza y frialdad, y es eso lo que quería transmitir el autor ya que como dice el nombre de la obra, No es de los cuadros más reconocidos del artista pero sirve para reconocer a los españoles que lucharon en Francia defendiendo la libertad y la Democracia, lo que en España no pudieron conseguir.

Monumento a los españoles muertos por Francia, 1945 – 1947, Pablo Picasso

Por otro lado, Monumento a los españoles muertos por Francia está muy relacionado con Los desastres de la guerra, serie de 82 grabados de Goya, por esa denuncia de los horrores sin expresar una vinculación política. Muestra la independencia del arte defendiendo el realismo-socialista, con un sentido artístico más de revolucionario político que de revolucionario artístico.                               

Ese compromiso político se produce en Masacre de Korea haciendo referencia a la guerra de Korea protestando ante esa invasión norteamericana, y fue expuesta en el Salón d’Automne de París de 1951. Con un lenguaje formal evidente para todo espectador muestra símbolos tradicionales, buenos contra malos: hay una claridad meridiana. Aparecen cuatro mujeres desnudas, humilladas, niños desnudos como símbolo del desamparo siendo amenazados por una masa de hombres autómatas de la muerte. 

Masacre de Korea, 1951, Pablo Picasso

Presenta una desolación general, con las ruinas al fondo. Las ruinas son un recuerdo de Hiroshima. Tratan de transmitir que los Estados Unidos son los únicos responsables de la guerra de Corea. El río es una frontera que separa a las dos Coreas, a los civiles de los soldados y a las víctimas de sus verdugos. Un contraste mayor entre los dos grupos es visible. Los civiles están desnudos, dibujados con formas redondas y líneas curvas (mujeres y niños solamente) en total oposición con los hombres, rostros ocultos, líneas rectas y quebradizas, evocando la destrucción, la violencia, la agresividad, etc. Este contraste muestra la diferencia entre los hombres y las máquinas.
Distinguimos una graduación en el miedo. De la derecha hacia la izquierda. La niña pequeña que corre, la otra que juega despreocupada. La mujer joven llena de estupor, las madres con el rostro deformado por el terror...
El grupo de soldados representa la fuerza militar. Visible por la desproporción de las armas y tecnicidad aberrante (tres agujeros alrededor de los fusiles no alineados con el trayecto futuro de la bala) la locura de la técnica. Los cascos simbolizan el obcecamiento ideológico. La manipulación de su conciencia por el jefe político, disociado de los otros, rostro que manipula a los hombres sin correr riesgos, los pies girados para huir de la guerra.

Picasso se inspira en obras de contenidos semejantes como El fusilamiento del emperador Maximiliano de Manet que remitió a Los fusilamientos del 3 de mayo de 1808 de Goya. Estos modelos se deben al carácter del cuadro desde un punto de vista formal y de contenido como una imagen universal que pretende jugar con esa denuncia contra la intervención norteamericana. A través de esta obra se ve el problema artístico vinculado a una ideología desde que Stalin promoviera el realismo como el único lenguaje artístico viable. Para el comunismo el arte era partidista y Picasso decía que el artista debía plasmar sus ideales. 

Once secuencias del toro:
Es por un proceso de sustracción que Picasso realiza sus once dibujos del toro.
Esta litografía en once pasos ilustra la voluntad de rigor propugnada por el pintor para quien "El arte supremo debe resumirse" .
Pasa así del naturalismo inicial a la casi abstracción.












Tras el final de la Segunda Guerra Mundial, sus cuadros se volvieron más optimistas, más alegres, mostrando, como el título de una serie de 1946, La alegría de vivir que se sentía entonces. Picasso vive con Marie-Therese durante la insurrección de París en agosto de 1944.
Picasso partió con Dora Maar hacia Cap d'Antibes en julio, y el 26 de noviembre Françoise volvió a convivir con Picasso. Finalizada la guerra, el entorno de amistades de Picasso estaba compuesto por artistas e intelectuales comunistas, lo que marcó en cierto sentido al menos una parte de su obra entre 1946 y 1953.
En el verano de 46 Picasso se mudó al piso superior del Château d'Antibes para trabajar cinco meses.

La "Alegría de la vida" es la felicidad de trabajar en paz recuperada. 
Esta pintura presenta la luz mediterránea y los mitos de las civilizaciones que ha modelado. La guerra ha terminado: nacerá una nueva humanidad. Los pechos y el pelo de la ninfa de la pandereta florecen como la corola de una flor al sol.
Al igual que la diosa madre, la mujer reina en el centro de la composición, que está dispuesta por superficies onduladas anchas y ligeramente coloreadas. 
A su alrededor, un coro canta y lo celebra: 
- a la izquierda el centauro con su flauta 
- A la derecha dos caballos retozando y la vida silvestre con su doble flauta.
Por esta alegoría, Picasso crea la imagen de las esperanzas nacidas de la resistencia a la noche de opresión. 

La alegría de vivir 1946, Pablo Picasso

En 1946, Picasso y Françoise se fueron a vivir a Golfe-Juan, visitó a Matisse en Niza. A primeros de julio marchó a Ménerbes (Vaucluse) con Françoise, a la casa que había dado a Dora Maar. Recibía cartas a diario de Marie-Thérèse. Françoise estaba a disgusto y se marchó a las tres semanas en autostop a Marsella, con unos amigos; Picasso la encontró en el camino y le pidió que volviera, sugiriendo que tuvieran un hijo. Visitaron Vallauris, donde modeló tres piezas de cerámica en el taller de alfarería Madoura, de Georges Ramié. A su retorno a Golfe-Juan en agosto, Françoise estaba embarazada. Picasso había conocido a Romual Dor de la Souchère, conservador del Museo de Antibes, en el Palacio Grimaldi, pero él prefiere decorar el museo; entre septiembre y octubre pintó veintidós paneles para el palacio, que más tarde sería Museo Picasso de Antibes, con temas marinos y composiciones mitológicas. Los estudios de faunos y figuras clásicas culminaron en el tríptico La joie de vivre (Pastorale) (Musée Picasso, Antibes), ​ título que tomó prestado de su amigo Matisse, para un cuadro que refleja la felicidad que compartía en aquella época con Françoise. En octubre coincidió durante la primera edición del Festival de Cine de Cannes con Breton, recién retornado del exilio en Estados Unidos. Breton, que se había negado en agosto a saludarle cuando coincidieron en Golfe-Juan, desairó de nuevo a Picasso por su afiliación al Partido Comunista; no volvieron a verse nunca más. Este gesto fue preludio a la ruptura violenta entre los surrealistas y el Comunismo desde 1947.

En mayo de 1946, Françoise acepta vivir con Picasso, con quien tendrá dos hijos: Claude, nacida en 1947, y Paloma, nacida en 1949. 
Las pinturas que representan a Francoise exaltan la silueta esbelta y desatada de la joven que es cuarenta años más joven que él. 
Él representa su posición de modelo porque, dice, "François no es del tipo pasivo" 
Picasso dirá: "Verás, una mujer sostiene el mundo -cielo y tierra- en su mano".
El desequilibrio de los senos se compensa con el ritmo de los brazos y las ondas del cabello. Estaba buscando otra forma de cabeza que el óvalo lunar, pero no podía. 
"No puedo evitarlo", dijo, "el pintor no elige. Hay formas que se le imponen" 

La mujer de las flores 1946, Pablo Picasso

Francoise es alta, tiene una cintura delgada y flexible, abundante cabello. Picasso acentúa el aspecto de longitudinal del cuerpo, aumenta el volumen de los senos y el de las volutas del cabello, que es como una corola de pétalos alrededor de una cara pequeña redondeada y reducida. 
Marie-Thérèse era la mujer dormida, Dora la mujer llora, Françoise se convierte en la mujer-flor.

Mujer en una silla 1946, Pablo Picasso

Picasso resalta el cabello ancho de Françoise y resalta una de las características particulares de su fisonomía: la ceja arqueada que cubre su ojo derecho.

Retrato de Françoise 1946, Pablo Picasso

En mujer con cuello amarillo. Este retrato destaca el cuello alargado y el abundante cabello de Françoise. Picasso se instala con Francoise en Menerbes en la casa que le dio a Dora Maar y Dora le prestó. Allí le leyó las cartas inflamadas dirigidas a él por Marie Therese.
Françoise se fue a hacer autostop en Marsella, pero el conductor de Marcel Picasso la alcanzó. 
Picasso concluye el argumento diciendo: "Lo que necesitas es un niño". Te llevará de vuelta a la naturaleza y te pondrá a tono con el resto del mundo".

Mujer con cuello amarillo 1946, Pablo Picasso

Picasso, que ha visto morir a muchos de sus amigos, expresa la fragilidad de los asuntos humanos frente a la muerte inexorable. 
La lámpara se ha apagado como el aliento de una vida que está llegando a su fin: recuerda el tiempo que huye. El estilo geométrico y la oposición de negros, blancos y grises están de acuerdo con el tema del duelo. 
Solo los erizos de mar regresan a la realidad cotidiana del feliz verano pasado en Antibes, en el Palacio Grimaldi donde creó "La alegría de vivir" 

Cráneo, erizo de mar y lámpara en una mesa

En septiembre de 1946, Picasso vive feliz en Golfe Juan. Él acaba de enterarse de que Françoise está embarazada. Claude nacerá en mayo de 1947. 
Picasso trabaja en la casa de un escritor. La habitación fue pintada de forma original en azul con áreas blancas y una decoración de estrellas.
Picasso admira una jarra cuya amable silueta tal vez evoca Francoise. En este primer gouache el aguamanil tiene un aspecto decorativo, el pico parece insolente, el mango se despliega como la capa de un matador, la tapa corona un eje vertical.
Las flores y las estrellas resplandecen.

La jarra 1946, Pablo Picasso

En 1947 Picasso realiza algunas naturalezas muertas como,  Las aves de corral y un cuchillo sobre la mesa. También algunas composiciones de retratos.

Las aves de corral y un cuchillo sobre una mesa, 1947, Pablo Picasso

Mujer en azul, 1948

Claude, hijo de Picasso, 1948

Es una obra monumental en grayery casi abstracto. Françoise explica: 
"Es la cocina de la rue des Grands Augustins. Ella estaba pintada de blanco. Contenía además del equipo usual tres platos colgados en la pared y pájaros en su jaula. 
La cocina era esencialmente un cubo vacío, toda blanca. Pablo dice una tarde "Quiero hacer una pintura de eso, es decir, nada". 
Esta primera versión, la más radical y la más dispersa, se reduce al patrón lineal puro. 

La cocina primera versión 1948, Pablo Picasso

La cocina segunda versión 1948, Pablo Picasso

Esta versión de la cocina contiene detalles precisos y coloridos como las hojas de la planta grasa a la derecha, la decoración de los platos y las siluetas de las aves con la jaula. Inserta gamas de colores cuyo ensamblaje sugiere una profundidad y da densidad y relieve a la pintura.
En 1949.  Picasso conoció a Suzanne y Georges Ramié que dirigen una fábrica de cerámica en Vallauris. Con entusiasmo Picasso explora los recursos de esta nueva profesión, produciendo numerosos trabajos. 
Varias piezas como "Mujer con mantilla" tienen la apariencia de esculturas de terracota. Con sus dedos modifica la tierra de un jarrón para transformarlo en una mujer. Los colores del ceramista solo se revelan al cocinar. A Picasso le gusta este efecto sorpresa. 
Picasso hizo la fortuna de Vallauris. 

Mujer con mantilla 1949, Pablo Picasso

En marzo inició una serie de cuadros de Françoise sentada, con el título Femme assise (Mujer sentada). En primavera volvió brevemente a Vallauris y compró una fábrica de esencias abandonada para usarla como estudio, y utilizó algunas habitaciones para almacenar su trabajo en cerámica. También comenzó a recolectar objetos y cachivaches, que posteriormente reutilizaría en distintas piezas. Intensificó su trabajo en escultura, que había reanudado en el año anterior: Femme enceinte (Mujer embarazada) figura una forma femenina a partir de una vara de metal larga, a la que añadió dos brazos arriba y dos piernas abajo, y un vientre hinchado con dos pequeños pechos en el centro. Realizó de nuevo una serie de obras inspiradas en cuadros de Lucas Cranach el Viejo: las litografías Vénus et l'Amour (Cranach) (Venus y Amor (Cranach)); Jeune fille inspirée par Cranach (Muchacha inspirada por Cranach), propiedad de Christie's y David et Bethsabée (Cranach) VII (David y Betsabé (Cranach) VII), del Museo Picasso de París. Las variaciones de Picasso sobre el David y Betsabé de Cranach tuvieron su origen en una reproducción en blanco y negro del catálogo de una exposición de 1937 sobre el artista realizada en Berlín, que Kahnweiler le había regalado.


Cuatro perfiles enlazados, 1949

Claude de dos años con su caballo de ruedas 1, 1949

- Premier Congrès Mondial des Partisans de la Paix (abril de 1949)
Con este congreso en 1949 se inaugura la entrega del Premio Internacional de la Paz para recompensar las producciones artísticas contribuyentes a la paz. Picasso se atreve a pintar palomas de su padre. Para este congreso, se necesitaba un lema y finalmente se decidieron por esa paloma como protagonista, convirtiéndose en el emblema de estos congresos. 

La paloma de la paz, 1949, Pablo Picasso

El Partido Comunista de la Unión Soviética adopta una buena directiva de organización del congreso, movilizando las opiniones por la lucha por la paz. El evento se celebra entre París y Praga (por problemas de visados de los miembros soviéticos) entre el 20 y el 25 de abril de 1949 marcando el nacimiento del Conseil Mondial de la Paix (CMP). El Consejo designa al físico comunista francés Frédéric Joliot-Curie para ejercer la presidencia. 

Cartel promocional del Congreso de la Paz, 1949

El 19 de abril de 1949 nació su segunda hija, el día de la apertura del Congreso por la Paz, y decidió llamarla Paloma en honor al símbolo que creó para los carteles que aparecían por todas las calles de París. Tras el parto, Françoise retomó su trabajo como pintora, y Kahnweiler le ofreció un contrato para ser su marchante en exclusiva. Picasso volvió su interés hacia la pintura, dejando un poco de lado la cerámica y centrando su inspiración en sus hijos Claude y Paloma. La familia retornó a Vallauris en otoño, y Picasso, perdido un poco el interés por la cerámica, volvió a la pintura y la escultura de un modo más concentrado, realizando varios bronces, algunos de motivos africanos. Durante el año siguiente la escultura ocupó la mayor parte de su tiempo.

Picasso participa, además, en la revista Les Lettres françaises con un retrato de Stalin por motivo de su muerte en marzo de 1953. Ésta era una publicación literaria, un semanario neutral, creada en 1941 durante la ocupación alemana y que desaparecería en 1972 cuando el Partido Comunista Francés le retira el financiamiento. Tras la Segunda Guerra Mundial fue dirigida por Louis Aragon. Un seguro servidor, Pierre Daix, publicó un número especial de homenaje al gran benefactor de la humanidad que incluía un retrato de Stalin realizado por Picasso. 

Retrato de Stalin por Picasso en Les Lettres françaises, 1953  


El 6 de agosto de 1950 Laurent Casanova inauguró la exposición L'Homme au mouton en Vallauris. Picasso hizo La cabra, La mujer del cochecito y Niña saltando a la cuerda. El 15 de enero de 1951, pintó Masacre en Corea

La cabra 1950, Pablo Picasso

Picasso se recupera en el basurero de Vallauris objetos inesperados de desecho.
Una vieja canasta de mimbre servida para el vientre hinchado (la bestia estaba llena).
Trozos de madera (cuyos nudos parecen nudillos) y chatarra para las piernas.
Una hoja de palma re-corte para el lomo. Las vides son los cuernos y la perilla.
Dos jarras de leche de cerámica despejadas de su mango hacen de ubres.

Hacer una escultura libre de gravedad es el sueño que hace aquí, capturar a una niña que salta la cuerda cuando la cuerda toca el suelo 
De los objetos irrisorios, crea la misteriosa verdad de la vida.

Niña saltando a la cuerda 1950, Pablo Picasso

La huella de la tapa redonda de una caja de chocolate hace que la cara quede enmarcada por el cabello. El cabello es la huella del cartón corrugado. 
Los bucles de cerámica hacen oídos delicados, una cesta de mimbre plana hace el busto, las piernas cortas de madera terminan con dos pies enormes que comienzan con zapatos que no coinciden y que se encuentran en el basurero. 
Imagen que restaura la realidad de la infancia: una chica guapa se ve bien al saltar la cuerda sin preocuparse por su falda corta que se levanta.  

En 1951, Picasso comienza a alejarse de Françoise 
Aquí aparece acurrucada en su mesa de dibujo, con los ojos vacíos, muertos (lo cual es particularmente cruel para la pintora que era) 
La radiante mujer se ha convertido en un pequeño búho ciego. Más tarde desatará la ira de Picasso contando en un libro su vida juntos "Vivir con Picasso".

Dibujo de mujer 1951, Pablo Picasso

Françoise y sus hijos 1951, Pablo Picasso

Francoise con su moño estirado y su cara de doble perfil sostiene a Paloma y Claude en sus brazos
En abril de 1952, Picasso acepta, por su parte, decorar la capilla de Vallauris, que está secularizada: el pintor piensa en un “templo de la paz” y quiere trabajar de acuerdo con un espíritu laico. Como le gusta la confrontación de la vida y la muerte, no tiene nada de sorprendente que conciba la decoración de la capilla en dos paneles antitéticos sobre el tema de “la guerra y la paz”. 

- La capilla de Vallauris: Guerra y Paz
En junio de 1951 tuvo lugar la inauguración de la capilla de Vence decorada por Matisse. Picasso y Françoise van a verle de vez en cuando y visitan la capilla.    
La realización presenta una dificultad técnica específica, pues la configuración de la bóveda obliga a utilizar soportes pictóricos que se puedan curvar, como el contraplacado. En La guerra utiliza una lámina de fibra prensada. De abril a septiembre de 1952 realiza bocetos para esta capilla con los temas.  
Por otro lado, La Paz está realizada mediante óleo sobre lámina de fibra prensada. Son dos grandes composiciones alegóricas (1’5 x 10’5 m) cuya composición recuerda a los frisos griegos, mostrando símbolos de la guerra y la paz tales como una paloma o una balanza y plasmando la alegría de vivir.  
Se puede hablar de un arte de propaganda por esa adhesión inmediata del espectador con un aspecto moral a través de la forma y no del contenido, más de convencer que de conmover. Si bien por el contrario, también se distancia de otras obras revolucionarias.

Parece correcto que con La guerra y La paz se cierre para Picasso todo el período de posguerra. Paul Éluard, amigo fiel desde 1936, muere súbitamente en noviembre de 1952, seis años después de Nusch. Picasso acaba de celebrar su setenta y un cumpleaños. Al año siguiente se producirá su ruptura definitiva con Françoise Gilot. Pero, como el Minotauro ciego de 1935, el pintor va a encontrar otra mujer joven, Jacqueline Roque, la compañera que iluminará los veinte últimos años de su vida. 

La génesis de Guerra y paz forma parte de un contexto doble, político y artístico: político porque Picasso, entonces miembro del Partido Comunista, es vicepresidente del Comité Mundial para la Paz y el Artista porque, como Claude Roy subrayó que "Picasso no lamentaría tener su turno". De hecho, las creaciones de Matisse para la Capilla del Rosario en Vence y las de Chagall para la Capilla de Nuestra Señora de las Gracias del Assy han creado una emulación en la que Picasso participa. Sin embargo, a diferencia de los dos pintores, Picasso excluyó a cualquier personaje religioso de su proyecto y diseña la decoración de un Templo de la Paz. 
Si la realización es rápida, está precedida por 300 dibujos preparatorios entre abril y septiembre de 1952. Picasso realiza su trabajo para el vestíbulo de la capilla, cuya entrada era, en ese momento, la opuesta a la actual. Por lo tanto, el punto de partida del trabajo se descubre desde este antiguo punto de entrada. 
A diferencia de otras pinturas "políticas" de Picasso, este trabajo no está vinculado a un evento histórico específico, sino que es parte de una cierta atemporalidad. Al principio, el visitante ve la Guerra, personificada por una figura anónima, que es la primera imagen que se ha impuesto a Picasso, la de "la raza larguirucha e irregular de uno de estos escuadrones provincianos". El Guerrero de la Paz, que lleva los atributos de la Justicia, detiene este avance. En su escudo está pintada la paloma, que Picasso había hecho en los carteles de los movimientos de paz el símbolo comunista de la Paz, antes de que se convirtiera en su símbolo universal. Bajo la paloma, se ve en la transparencia, el Rostro de la Paz, el de Françoise Gilot que estaba cubierto con un esmalte semitransparente. Este personaje marca la transición entre los dos paneles. En el segundo panel, Paz, se representa al principio como la reanudación de la vida: la madre amamantando a su hijo, el fuego que nutre, la creación / la escritura, en oposición en los temas y en el tratamiento pictórico con las figuras del signo de guerra. Picasso, con Paz, teme caer en la banalidad. Es por eso que en la segunda parte del panel, la paz se representa como una utopía pero una utopía basada en un equilibrio frágil.

Guerra y Paz se compone de 18 paneles isorel, atornillados en un bastidor de madera curvada. El isorel fue elegido por sus cualidades de flexibilidad. Se habían instalado andamios en Fournas para pintar los paneles planos. El trabajo se completó en diciembre de 1952, pero no se instalará permanentemente en la capilla hasta 1954. De hecho, en 1953, todas las obras "políticas" (Guernica , 1937, el Charnier, 1945, Masacre en Corea , 1951) de Picasso se exhiben en Italia. En 1956, Picasso ofreció los paneles al Estado francés. Al año siguiente, la capilla se convierte en museo nacional. El tercer panel, que condena el acceso a la antigua entrada, está pintado, en una factura diferente, en 1958. La inauguración oficial tiene lugar el 19 de septiembre de 1959, en ausencia de Picasso. 
La última obra política de Picasso, Guerra y paz, es una obra expresiva eminente, pero también es una obra muy lograda en la que Picasso, con el dominio perfecto de su arte, juega con los efectos del embotamiento y la transparencia, así como con la técnica. 

La guerra, 1952, Pablo Picasso

Detalle

La paz, 1952, Pablo Picasso  

Detalle 

- Los 180 dibujos de “Verve”, 1953 – 1954
El año 1953 marca un giro en la obra y en la vida de Picasso. Es el año de las rupturas afectivas, con Geneviève Laporte y después con Françoise Gilot, así como de la crisis ideológica con el Partido Comunista a raíz del asunto del Retrato de Stalin publicado en  Les Lettres françaises en marzo de 1953 a petición de Aragon y con motivo de la muerte de Stalin, Picasso dibuja, como ya vimos, un retrato de Stalin joven tomando como referencia una fotografía de 1903, lo que sorprende a muchos dirigentes del partido. Su desaprobación, existente desde hacía mucho tiempo en el plano estético, se extiende ahora al político y estalla en un comunicado que se publica una semana más tarde. Picasso se distancia entonces del Partido Comunista y se concentra exclusivamente en la creación. 

Las relaciones con Françoise son cada vez más difíciles, y ésta le abandona en La Galloise, dejándole así con su soledad de hombre, con su molesta celebridad, con su edad. Esta crisis de la vida privada, con todos los trastornos que conlleva, va a desatar una profunda crisis estética. Entre el 18 de noviembre de 1953 y el 3 de febrero de 1954, Picasso se encierra en la casa vacía y ejecuta con frenesí 180 dibujos que tienen por tema central El pintor y su modelo. Algunos integran e invocan otros temas provenientes del pasado: el circo, los payasos, los acróbatas y los monos; otros anticipan el futuro: el juego de las máscaras, la vejez, el erotismo, la ridiculez del oficio del pintor y la comedia del ambiente artístico. 

Botella y frutero 1953, Pablo Picasso

Picasso conoció a Françoise en el restaurante "Le catalán", donde le había ofrecido cerezas. La botella juega el papel principal masculino. La forma vertical, se asemeja a un cuchillo cuyo filo se enfrenta a la fuente de fruta, la fuente de fruta es Françoise con contornos angulares más voluptuosos. 
Dentro de las cerezas están dispuestos en cuatro compartimientos bien diferenciados, la botella y el plato de fruta se reúnen en un solo punto de contacto.
Con una gama limitada de colores, el color de la luz de la pared similar a la miel es calmante, el cuenco de fruta y una botella se limitan a simplemente blanco y negro. 
Esta composición se controla como una constante de separación inevitable. Su carácter decorativo recuerda a Matisse  que Picasso y Françoise admiraban.

Desnudo sentada 1953, Pablo Picasso

Picasso pintó este cuadro cuando se esperaba que la reconciliación con Françoise.
La sombra, de finales del año, parece ser una reflexión del pintor sobre sí mismo y su postura ante el mundo exterior: un hombre a contraluz destaca delante de un fondo compuesto por cuadros que representan un exterior, como si el grupo formase una especie de ventana al mar o al cielo. El hombre, sin embargo, es también, como reza el título, una sombra. Como una sombra del sujeto que pinta el cuadro, el pintor, a mitad de camino entre él mismo, el cuadro pintado, su propio estudio y el exterior. El efecto de interpolación entre varios elementos es intensificado además por la técnica utilizada, que tiene como resultado un aspecto casi de papier collé, donde unas siluetas recortadas confirman la composición. La atención, no obstante, se centra por entero en la figura negra del centro, por su evidente poder de absorción y al mismo tiempo de anulación.

La sombra 1953, Pablo Picasso

La sombra es una vista del dormitorio de La Galloise con una mujer desnuda tendida en la cama y la sombra de un hombre que la mira, silueta recortada en un rectángulo de luz de un pintor fantasmal y, no obstante, presente, ante una mujer-modelo –Françoise–, que a pesar de todo está ausente.  

Esta serie, al margen de su innegable calidad gráfica, de una libertad nunca vista, tiene una importancia primordial en la obra del pintor. Michel Leiris ha desvelado magníficamente su sentido profundo comparándola con Los caprichos de Goya, con la comedia burlesca, que une la sátira con el diario íntimo, lo trágico con lo cómico. Por otro lado, los dos cuadros introductorios y sintomáticos de esta época, paralelos a los dibujos de Verve, son La sombra y el Mujer desnudo en el estudio

Mujer desnudo en el estudio 1953, Pablo Picasso

Picasso cambia de localización, desde la intimidad de una habitación en la claridad taller. Se instala el modelo en un entorno de lujo, donde se entrelazan diferentes áreas, ventanas y puertas, mesas y caballetes, colorido suntuosidad. 
Nos encontraremos con la compleja estructura del espacio marcado por elementos de mobiliario en la serie de talleres de "California" con las alfombras de mosaico y los colores cálidos en "Mujeres de Argel" 


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