Capítulo 30 - Cerámica y porcelana japonesa

La cerámica y porcelana (tōjiki) (también yakimono, o tōgei), es una de las más antiguas artes japonesas y formas de arte, que se remonta a la época del Neolítico. Los Hornos producen loza de barro, cerámica, gres, cerámica vidriada, esmaltada, porcelana y cerámica azul y blanca. Japón tiene una excepcionalmente larga y exitosa historia de producción de cerámica. Los hornos fueron creados ya en el período Jōmon (10.000 – 300 a.C.), dando a Japón una de las tradiciones cerámicas más antiguas del mundo. Japón se distingue por la inusual estima que cerámica posee dentro de su tradición artística, debido a la popularidad de la ceremonia del té. 

Registros de la historia cerámica japonesa distinguen muchos nombres de alfareros, y algunos eran alfareros artistas, por ejemplo Hon'ami Kōetsu, Ogata Kenzany Aoki Mokubei, los hornos japoneses de anagama también han florecido a través de las edades, y su influencia pesa con el de los alfareros. Otro aspecto característico japonés del arte es la continua popularidad de gres unglazed disparó alto incluso después de la porcelana llegó a ser popular, desde el siglo IV, la cerámica japonesa muchas veces ha sido influenciada por la cerámica China y cerámica coreana. Japón transforma los prototipos chino y coreano en una creación exclusivamente japonesa, y el resultado fue distintamente japones en carácter. Desde el siglo de mid-17th en que Japón comenzó a industrializarse, productos estándar de alta calidad producidos en las fábricas se convirtieron en populares exportaciones a Europa. En el siglo XX, creció una industria de cerámica moderna (por ejemplo, Noritake y Toto Ltd.). 

La cerámica japonesa se distingue por dos tradiciones estéticas polarizadas. Por un lado, existe una tradición de cerámica muy sencilla y más o menos acabada, sobre todo en barro y utilizando una paleta silenciada de colores tierra. Esto se relaciona con el budismo Zen y muchos de los grandes maestros eran sacerdotes, especialmente en períodos tempranos. Muchas piezas están también relacionadas con la ceremonia del té japonesa y encarnan los principios estéticos de wabi-sabi ("austeridad-moho/pátina"). Las mercancías de raku, donde la decoración final es en parte al azar, es en esta tradición, la otra tradición es de mercancías de la fábrica muy acabados y vivos colores, sobre todo en porcelana, con decoración compleja y equilibrada, que desarrolla estilos de porcelana china de una manera distinta, una tercera tradición, de simple pero perfectamente formado y esmaltado lozas, también se relaciona más de cerca las tradiciones chinas y coreanas. En el siglo XVI, varios estilos de tradicionales utilitarios rústico mercancías entonces en la producción llegó a ser admirado por su sencillez y sus formas a menudo se han mantenido en la producción hasta la actualidad un mercado de coleccionistas.

Período de Jōmon 

La cerámica Jōmon (Jōmon doki) es un tipo de antigua loza cerámica que realizó durante el período de Jōmon en Japón. El término "Jōmon" significa "patrón de cuerda" en japonés, describiendo los patrones que se presionan en la arcilla. 

Las vasijas de cerámica hecha a mano en el antiguo Japón durante el período de Jōmon se aceptan generalmente que la cerámica más antigua de Japón y entre las más antiguas del mundo. 

El sitio de Oudaï Yamamoto en la Prefectura de Aomori en la actualidad tiene la cerámica más antigua de Japón. Excavaciones en 1998 descubrieron fragmentos de loza de cuarenta y seis que han sido datados en el 14.500 a.C. (ca 16.500 BP); Esto los coloca entre la cerámica más temprana conocida en la actualidad. 

De acuerdo con la evidencia arqueológica, el pueblo Jōmon creó algunas de las vasijas de cerámica más antiguas de la historia, conocidas como cerámica Jōmon, que datan del siglo XIV a. C. Esta cerámica fue datada por primera vez después de la Segunda Guerra Mundial, a través de los métodos de datación por radiocarbono. 

El arqueólogo Junko Habu indica que «La mayoría de los expertos japoneses afirman hoy que la producción de cerámica fue desarrollada por primera vez en el continente asiático y posteriormente introducida en el archipiélago japonés», y explica que «una serie de excavaciones en la cuenca del río Amur en las décadas de 1980 y 1990 reveló que la cerámica en esta región puede ser tan antigua como la cerámica de la “Cueva Fukui”, si no más antigua». 

La cerámica del Periodo Jōmon fue nombrada Jōmon Doki, la primera palabra significa ‘patrón de cuerda’ y se refiere a la decoración en barro que se asemeja a diseños realizados con una cuerda. Las vasijas se utilizaban sobre todo para comer en exteriores o almacenar los alimentos. El pueblo Jōmon moldeó también figuras de barro y vasos decorados con motivos más sofisticados, usando cuerdas trenzadas y sin trenzar así como varas de árboles para hacer impresiones sobre la arcilla húmeda. 

Arqueológicamente, esta etapa se divide en seis subperíodos. Las discrepancias en fechas según los distintos autores son acusadas. En la siguiente tabla se muestra una de ellas de manera orientativa.

Cronología 

El período de Jōmon en Japón antiguo duró hasta alrededor de 300 a.C. A partir de ahí, se divide en seis períodos: Jōmon incipiente, de 10.500 – 8.000 a. C., Jōmon más tempranos, de 8.000 – 5.000 a.C., Jōmon temprano, de 5.000 – 2.500 a.C., Jōmon medio, de 2.500-1.500 a.C., tarde Jōmon, de 1.500-1.000 a.C. y Jōmon Final, de 1.000-300 BCE. Hay más de 80 sitios en Japón donde se han encontrado vasijas de cerámica Jōmon incipiente, pero la mayoría de los restos de cerámica Jōmon son de periodos posteriores. 

Más tarde fue seguida por la cerámica Yayoi. 

Características 

La mayoría de la cerámica Jōmon ha redondeado fondos y los vasos son típicamente pequeños. Esto demuestra que los vasos normalmente se utilizarían para hervir alimentos, tal vez introduciendo las vasijas en un horno, más tarde la cerámica Jōmon son piezas son más elaboradas, especialmente durante el período de Jōmon medio, donde los bordes de ollas se convirtió en mucho más complejas y decoradas. 

El nombre de Jōmon sí mismo significa "Cuerda-patrón". Esto se refiere a las impresiones en la superficie de la cerámica que fueron creadas por presionando la cuerda en la arcilla antes de que se calentara a aproximadamente 600 – 900 grados Celsius. 

Un tipo específico de figurillas de barro producida durante este período son los dogū. 

Cuerda de Jomon incipiente alfarería 10000-8000 a.C. 

Medio de la cerámica de cuerda del período Jomon 5000-4000 a.C.

Jomon buque 3000 – 2000 a.C., cerámica de llama-estilo [de; ja; pl] (Extravagante cerámica, Kaen doki)

Período de Yayoi 

La cultura Yayoi posee un carácter neolítico que se desarrolló aproximadamente durante seis siglos (300 a.C. – 300 d.C.). Y se caracteriza por una cerámica radicalmente distinta a la del período Jomon. Yayoi significa tercer mes (Marzo), nombre del barrio de la ciudad de Tokio donde aparecieron los primeros restos de cerámica que darán nombre al período en 1889. Dividido en tres sub-períodos (temprano – 300 a.C./100 a.C- medio – 100 a.C./100 d.C.- tardío 100 d.C./300 d.C.) el cambio evidente de cultura se debe a la penetración de nuevos pueblos provenientes del continente, a través de Corea, que aportan influencias chinas.

En cuanto a las representaciones artísticas más representativas serán: las cerámicas de torno, las lacas y los dotaku (grandes campanas de bronce). Se trata de una cerámica mucho más refinada que la del período Jomon, de uso ritual y cotidiano. Formas regulares, paredes más finas y contornos mejor acabados. Suelen tener una base pequeña, formas redondeadas, cuello estrecho y boca que se abre. Predomina la decoración incisa rectilínea y curva. El uso bronce proviene de la influencia exterior. La producción se limita a copiar modelos procedentes del continente. Los dotaku serán objetos funerarios de bronce, en forma de grandes campanas con empuñadura pero carentes de badajo. Fabricados a través de la técnica de la cera perdida. La decoración exterior cubre casi por completo la pieza. Se cree que pueden tener una función propiciatoria o mágica, incluso se baraja la posibilidad de que puedan ser instrumentos musicales asociados al sintoísmo. 

Tarro de cerámica del periodo Yayoi

Período de Kofun

En los siglos 3º y 4 º d. C., apareció el horno anagama, un horno túnel con techo en la ladera de una colina y la rueda de alfarero, trajo a la isla de Kyushu de la península de Corea. 

El horno del anagama podría producir gres, cerámica de Sue, disparado a altas temperaturas de más de 1200 – 1300˚C, a veces adornado con los accidentes producidos al introducir material vegetal para el horno durante la fase de oxígeno reducido de leña. Su fabricación comenzó en el 5to anuncio del siglo y continuó en los alrededores hasta el siglo XIV. Aunque se han identificado algunas variaciones regionales, Sue fue notablemente homogénea en todo el país. La función de la cerámica de Sue, sin embargo, cambió con el tiempo: durante el período de Kofun (300-710 d.C.) era sobre todo cerámica funeraria; durante el periodo Nara (710-94) y el período de Heian (794-1185), se convirtió en una vajilla de élite; y por último fue utilizado como una cerámica utilitaria y de los vasos rituales para altares budistas. 

1: puerta unos 75 cm de ancho
2: cámara de combustión.
3: apilamiento pavimento de arena de sílice. Aquí se colocan las vasijas sin cocer.
4: amortiguadores, dos-uno para la leña, el segundo a bien cerrar la chimenea.
5: chimenea.
6: chimenea 3 m de altura.

7: fundición de arco, hecha de cemento resistente al calor (moldeable).

Horno de anagama es un antiguo tipo de cerámica al horno traído a Japón de China vía Corea en el siglo quinto. Es una versión de la escalada al horno de dragón de China del sur, cuyo desarrollo fue copiada también, por ejemplo romper el espacio de cocción en una serie de cámaras en el horno noborigama. 

Un anagama (un término Japon que significa "horno de la cueva") consiste en una cámara de cocción con un fuego en un extremo y un tubo en el otro. Aunque el término "fuego" se utiliza para describir el espacio para el fuego, no hay ninguna estructura física separando el espacio avivan el espacio cerámica. El término anagama describe hornos de una cámara construidos en forma de túnel inclinado. De hecho, antiguos hornos fueron construidos a veces cavando túneles en los bancos de arcilla. 

El anagama es alimentado con leña, en contraste con los hornos eléctricos y gas-aprovisionados de combustible utilizados por más contemporánea alfareros. Un suministro continuo de combustible es necesario para disparar, como madera arrojada en el horno caliente se consume muy rápidamente. Alimentando ocurre todo el día hasta una gran variedad de variables se logra incluyendo las macetas cocidas aspecto dentro del horno, las temperaturas alcanzan y sostenidas, la cantidad de ceniza aplicado, la humedad de las paredes y las ollas, etcétera. 

Quemar madera no sólo produce calor de hasta 1400° C (2.500 ° F), que también produce cenizas y sales volátiles. Ceniza de madera se instala en las piezas durante la cocción, y la compleja interacción entre llamas, ceniza y minerales del cuerpo de arcilla forma un barniz de ceniza natural. Este esmalte puede mostrar gran variación en color, textura y grosor, que van desde suave y brillante áspero y agudo. La colocación de piezas dentro del horno afecta claramente la aparición de la cerámica, como piezas más cerca a la cámara de combustión pueden recibir pesadas capas de ceniza, o incluso sumergidas en ascuas, mientras que otros más en el horno sólo pueden ser tocados suavemente por los efectos de la ceniza. Otros factores que dependen de la localización son temperatura y oxidación/reducción. Además de ubicación en el horno, (como con otros hornos de combustión de combustible de corriente ascendente) las piezas de manera se colocan cerca de cada otro afecta el camino de la llama y, por lo tanto, la aparición de piezas dentro de las zonas localizadas del horno puede variar también. Se dice que la carga de un horno del anagama es la parte más difícil de la leña. El alfarero debe imaginar el camino de la llama como acomete a través del horno y utilizar este sentido pintar las piezas con el fuego. 

La longitud de la leña depende del volumen del horno y puede tardar de 48 horas a 12 o más días. El horno tiene generalmente la misma cantidad de tiempo para refrescarse abajo. Registros históricos activaciones en grandes hornos asiáticos compartidos por varios alfareros de la aldea de describen varias semanas de constante alimentando por leña. 

Una variante en el estilo de anagama es el horno de waritake. Un horno de waritake es similar a anagama en estructura, pero tiene tabiques construidos cada varios metros a lo largo del horno. Cada partición puede ser lado avivado. 

Un Horno Noborigama tiene cámaras escaladas al horno también está construido en una pendiente, y cada cámara posterior se encuentra más alto que el anterior. Las cámaras en un horno noborigama son perforadas a intervalos con avivaderos. Estos hornos de escalada se han utilizado en Japón desde el siglo XVII. El trabajo más grande de horno Noborigama en Japón se encuentra en Shigaraki, en la parte sur de la Prefectura de Shiga. 

Horno Renboshiki noborigama es un horno escalado multi-"chimenea". Hay muchas características distintivas entre el estilo de anagama noborigama. Por ejemplo, un anagama es algo parecido a un tubo de media (larga bóveda) con un fuego que quema en el extremo inferior. Un noborigama es como un conjunto de tubos de media (arcos o bóvedas cortos, que se refuerzan mutuamente) colocados lado a lado con las perforaciones que permiten cada cámara a la siguiente.

Horno Jagama (serpiente horno u horno de dragón) está relacionado con anagama noborigama y hornos de waritake y se utiliza ampliamente en China desde al menos el 3er siglo d.C. Jagama son tubo formado semejantemente a hornos anagama, pero puede ser mayor a unos 60 metros. Aunque particionado y lado stoked, el jagama no tienen tabiques, más bien, paredes improvisadas son creadas por apilado denso de cerámica a intervalos. 

La principal ventaja de los  hornos en escalada es que calor de la quema de combustible es usado de nuevo, el mismo calor más de una parte del horno de la calefacción. El calor del escape creado durante el encendido de la parte inferior del horno, precalienta las cámaras anteriores. Además, las paredes abajo y artículos de refrigeración precalentar el aire entrante. Así, la cocción de cerámica en las cámaras superiores exige sólo el combustible adicional necesario para traer las mercancías, paredes y aire a temperatura máxima. (De un termodinámico punto de vista, la mayor temperatura de combustión y escape refrigerador sugieren una mayor eficiencia.) Un tipo moderno, que se llama un horno del tubo mejora la eficiencia y la producción aún más por tener las mercancías atravesar el horno en una dirección opuesta a la de los gases calientes. 

Todos estos hornos utilizan dos mecanismos de intercambio de flujo en mantener el suministro de aire y cambiar las mercancías ser despedida, con una mínima pérdida de calor. Cada uno de estos intercambios funciona en el mismo principio como intercambio a contracorriente, la principal diferencia es que las mercancías no es un fluido. 

Una ventaja de las cámaras y las cámaras variantes parece ser que son en parte descendente, que hace que los resultados de cocción menos sensibles a la manera de que cargar las mercancías. 

Una desventaja de pequeños hornos de la escalada es una tendencia a enfriamiento rápido, causada por el aire entrante. 

Cerámica de Sue (sueki, literalmente ofreciendo artículos) era una forma de gris azul de encendido alta cerámica que fue producido en Japón y Corea del Sur, Kofun, Nara y Heian períodos de la historia japonesa. Inicialmente fue utilizado para los objetos funerarios y rituales y originados de Corea a Kyūshū aunque las raíces de Sueki llegan a la antigua China, su precursor directo es el grayware de los Tres reinos de Corea.

El término Sue fue acuñado en la década de 1930 por el arqueólogo Shuichi Goto de una referencia a los buques mencionados en el la antología de poesía clásica japonesa del siglo VIII Man'yōshū antes de esto, los términos iwaibe doki o doki elegidos eran de uso más común. 

Cerámica de Sue se cree para haber originado en el 5to o 6to siglo en la región de Kaya de Corea del sur y fue traído a Japón por artesanos inmigrantes. Era contemporáneo con el japonés nativo cerámica Haji, que era más porosa y de color rojizo. Ware de Sue fue hecho de rollos de arcilla, golpeada y alisada o talladas en forma y luego dispararon en una atmósfera de oxígeno-disminución de más de 1000 ° C. La resultante gres generalmente, muestra una cubierta parcial accidental de esmaltes de ceniza, que fundido en gotas sobre las superficies de las piezas de cerámica como se despidieron. 

La cerámica de Sue fue producida en numerosos lugares alrededor de Japón, incluyendo el sur de la Prefectura de Osaka, a lo largo de la costa del mar interior y partes de este de Honshū. Fue utilizado para los azulejos de azotea del sistema Kokubunji de templos provinciales en el período de Nara. A finales del siglo VII, su posición como un producto de élite fue erosionada por la producción en masa y por las importaciones de nueva cerámica tricolor de Tang China. Por el período de Heian, ware Sue se había convertido en una cerámica utilitaria, y se convirtió en el antecesor de un número de cerámica regional como la cerámica de Bizen. 

Tarro de cerámica con decoración de aves, período Kofun, siglo 6

Cerámica de Haji (Hajiki) es un tipo de plano, sin esmaltar, color marrón rojizo cerámica japonesa o barro que se produjo durante los períodos Kofun, Nara y Heian de la historia japonesa. Fue utilizado para fines utilitarios y rituales, y muchos ejemplos se han encontrado en las tumbas japonesas, donde forman parte de la base de la datación de yacimientos arqueológicos. 

Ware de Haji evolucionó en el siglo IV d.C. (durante el período de Tumulus) de la cerámica Yayoi del período anterior. La rica decoración de la cerámica Yayoi fue reemplazada por un estilo llano, y las formas comenzaron a ser estandarizados. Grandes cantidades de esta cerámica fueron producidos por talleres dedicados en lo que más tarde se convirtió en las provincias de Yamato y Kawachi y extensión de allí a lo largo de Japón occidental, llegando finalmente a las provincias orientales se ha encontrado cerámica de cerámica Haji algunos en las enormes tumbas de los emperadores japoneses. A finales del siglo V, la cerámica Haji fue imitando formas de demanda de mercancías. 

También durante este tiempo, las figurillas de arcilla de Haniwa fueron producidas. 

Plato de Haji, sitio de Kōriyama, Sendai, Miyagi

En el período de Nara, la cerámica Haji era a menudo bruñida y ennegrecida por el humo por haber sido despedida en una atmósfera de reducción de oxígeno, pero a bajas temperaturas. Este sub estilo se conoce como doki kokushoku. 

Ware de Haji llegó a su fin con el desarrollo de esmaltes y cerámicas a finales del período Heian. 

Durante un estudio de arqueología submarina de 2007 en Ojikajima por el Asian Research Instituto de arqueología submarina, ejemplos de cerámica China y cerámica Haji fueron recuperados. 

Características 

Haji ware es típicamente una cerámica de óxido rojo, hecha de arcilla que fue construido en anillos o rollos, en lugar de ser lanzado en una rueda de potters. El exterior y por lo general las superficies interiores fueron acabadas por raspado suave con un trozo de madera. Fue despedido a temperaturas por debajo de 1000 grados C en fuegos superficiales o incendios oxidante en lugar de los hornos. 

La mayoría de las mercancías Haji es y tiene llantas de anchura. Sin embargo, rituales y objetos funerarios fueron hechos también en forma de casas, barcos, animales, mujeres, cazadores, músicos y guerreros, que a menudo fueron colocados dentro de tumbas en ocasiones, estos objetos fueron colocados fuera de la tumba a lo. Un pote que fue encontrado en un yacimiento arqueológico en Hachiōji, Tokio tiene un cuerpo globular, evitó boca, redondo base sólida triangular mango, pintado en el pigmento gris oscuros en un lado con un rostro humano pintado en el frente. 

Gran jarra de cerámica Haji

Los Haniwa son figuras que fueron hechas para uso ritual y enterradas con los muertos como objetos funerarios durante el Período de Kofun (3 a 6 siglos d.C.) de la historia de Japón. Haniwa fueron creados según la técnica de wazumi, en que se construyeron montículos de arcilla en espiral hasta para moldear la figura, capa por capa. 

Los Haniwa fueron hechas con arcilla basada en agua y secadas en un material grueso y absorbente. Su nombre significa "círculo de barro" refiriéndose a cómo se arreglaron en un círculo por encima de la tumba. Las partes salientes de las figuras fueron hechas por separado y luego unidas, mientras que algunas cosas fueron talladas en ellos. Se alisó hacia fuera por una paleta de madera. Terrazas fueron arregladas para colocarlos con una base cilíndrica en el suelo, donde la tierra mantiene en su lugar. 

Durante el período de Kofun, se desarrolló una sociedad altamente aristocrática con gobernantes militaristas. La caballería vestía armadura de hierro, llevaba espadas y otras armas y utiliza métodos militares avanzados como los de Asia del nordeste. Muchos de ellos están representados en los haniwa figuras con fines funerarios. 

El más importante de los haniwa fue encontrado en el sur de Honshū, especialmente en la región de Aleera alrededor de Nara y norteño Kyūshū. Ajuar de Haniwa fueron hechas en muchas formas, tales como caballos, pollos, aves, fans, peces, casas, armas, escudos, sombrillas, almohadas y los seres humanos. Además de motivos decorativos y espirituales de la protección de los difuntos después de su muerte, estas cifras sirven como una especie de muro de contención para el túmulo. 

Porque estos haniwa Mostrar la ropa contemporánea, peinado, agricultura, herramientas y la arquitectura, estas esculturas son importantes como un archivo histórico del período Kofun. 

Todos los objetos de cerámica de ese período se llaman cerámica Haji.

Figurillas de barro anteriores aparecieron durante el período de Jōmon llamada dogū. 

Hiroaki Sato cita un pasaje de la Nihon Shoki, en que Emperador Suinin emitió un edicto imperial con respecto a los entierros: "de ahora en adelante hacer una regla para erigir figuras de barro y no hacer daño a gente." Así, estas figuras de arcilla pueden han reemplazado energizados sacrificios humanos. 

El origen de haniwa iniciado durante la última parte del período de Yayoi alrededor del Reino de Kibi. Durante este tiempo especial de loza figuras y tazones empezaron a aparecer sobre las tumbas de los líderes. Las primeras esculturas superaron 1m (3,3 pies) en longitud. Consistían en una porción cilíndrica, que representa el torso, y una porción en forma de falda en la base, que representa las piernas. Muchas veces una insignia especial o patrón se mostraría en el torso. A veces se colocaría un obi alrededor del torso. Estas esculturas se cree que se han utilizado como parte de un ritual funerario. Que no sean de la zona de Kibi, era el otro lugar que estas esculturas fueron encontradas en la provincia de Izumo. 

Durante la última parte del tercer siglo d.C., estas esculturas empezaron a aparecer en la parte superior la imperial montículos graves en la región de Aleera. Durante este tiempo más elaborados haniwa apareció con tazones de barro. Se cree que el movimiento de estas esculturas y haniwa de la región de Kibi a Aleera región es indicativo de un aumento en su importancia. 

Últimos Progresos 

Durante la parte anterior de período de Kofun (más tarde siglo III d.C.) la única cerámica haniwa eran cilíndricos; sin embargo, hacia el temprano siglo IV d.C., el escudo y otros en forma de herramienta haniwa empezaron a aparecer. Además, durante el período central de Kofun (mediados de 5to siglo) doncellas, caballo, perro y otras con forma de animales haniwa fueron introducidos. Como la práctica de ceremoniales en túmulos declinó en el siglo de mid-6th d. C. Figuras haniwa llegaron a ser más raras en la región de Aleera, sin embargo, figuras haniwa fueron hechas en abundancia en la región de Kantō. 

No es infrecuente para algunas haniwa pintadas con colorante rojo u otros colores. Además de lo haniwa cilíndrico (enkei-haniwa), otro tipo común era el haniwa en forma (keisho-haniwa). Otras cosas que cayeron en la categoría de keisho-haniwa fueron las formas de los seres humanos, animales y las espadas. Los detalles sobre el haniwa dan información sobre la élite enterrada en la tumba, así como valiosos conocimientos de las herramientas o a otras personas objetos de la época utilizada. Lo haniwa militares informar a arqueólogos de la armadura y armas, así como los símbolos del estado de estas ramas militares. 

Significado 

Originalmente, el tipo cilíndrico haniwa fueron fijados encima de los montículos funerarios, por lo que se cree que tenían un propósito en rituales funerarios; sin embargo, como haniwa se convirtió en más desarrollados, se fijaron hacia el exterior de la zona grave. Se cree que fueron utilizados como marcadores de límite para las fronteras de la tumba. 

Hay una teoría que el alma de los difuntos residiría en los haniwa, como el anterior haniwa fueron colocados en la cima de los montículos funerarios. Hay haniwa que cuentan con armas y armaduras. Estos se cree que son contenedores para las almas. La armadura y las armas serían conducir a los malos espíritus y proteger el gobernante enterrado de la calamidad. Porque la forma de caballo y animales haniwa normalmente cuidadosamente fueron arreglados en una línea, se cree que eran parte de una ceremonia de expulsión. 

En la sociedad moderna 

Aunque las implicaciones religiosas la haniwa han disminuido en gran medida en la sociedad moderna, las esculturas son muy apreciadas por muchos por su significado histórico y estético. Las obras de Shojiro Ishibashi, por ejemplo, fueron muy influenciadas por el haniwa, ellos han sido aceptados como "Arte puro", según la revista tiempo, más allá de la simple apreciación como esculturas artísticas, cultura popular moderna tiene, en algunos casos, retrató el haniwa que contiene una entidad inteligente y no sólo como una simple escultura vacía. La representación más común representa el haniwa con forma redondeada, como olla, teniendo dos ojos profundos, una boca ancha y dos "brazos" en los lados opuestos de la "olla". 

El retrato de la vida haniwa ha — desde la década de 1990 — llegado a ser extenso, en cartas, video juegos como Animal Crossing, Dragon Quest y Kirby serie; y la televisión. En muchas de las representaciones, los haniwa se presenta principalmente como una criatura fantasmal, malévola; sin intentar conservar el aspecto histórico de la haniwa'naturaleza religiosa s. En Animal Crossing, haniwas llaman resulta y muebles sólo se encuentran enterrados en el suelo. 

Figura de Haniwa de un shamaness, 5to-6to siglo. Loza de barro. Este haniwa representa a una sacerdotisa Shinto que habría presidido la ceremonia de entierro de un cacique del Yamato. La figura es fragmentaria: faltan los brazos y, como casi todas las haniwa, ha sido recompuesto de fragmentos.

Mujer sentada

Haniwa casas

Estatuilla de caballo Haniwa, completo con silla de montar y estribos, siglo VI

Período de Heian 

Aunque una técnica de esmalte del plomo fue introducida a Japón de la dinastía Tang de China en el siglo VIII, hornos oficiales producen sólo simple cable verde esmalte para templos en el período de Heian, alrededor de 800-1200 d.C. 

Kamui ware apareció en este tiempo, así como artículos de Atsumi y cerámica de Tokoname. 

Ware de Kamui, de Tokunoshima kamïyaki, es gres gris producido en Tokunoshima, Islas de Amami, Prefectura de Kagoshima, Japón del  Siglo XI a comienzos del siglo XIV, o desde el último período de Heian período Kamakura.

La cerámica Ware de Kamui se excavaron en varios sitios de Amami y Okinawa, Yaeyama. Sin embargo, seguía siendo un misterio durante mucho tiempo donde fueron producidos. Antes del descubrimiento de los hornos de los sitios, kamuiyaki eran conocidos como rui sueki o sue-como mercancías. 

El primer sitio de Hornos fue descubierto por dos investigadores locales, Yotsumoto Nobuhiro y Norikazu Gi, en 1983. Estaba situada alrededor de una charca  en la Ciudad de Isen de Tokunoshima, después de que fue nombrado kamuiyaki, de la ortografía inglesa "kamuiyaki" que es la transliteración del katakana.  La secuencia "ui" no representa un diptongo sino una vocal central corta /ï/ de los dialectos locales. Por lo tanto la ortografía kamïyaki sería más exacta. La palabra kamï regularmente corresponde al Estándar japonés kame (urna) aunque su homónimo kame (tortuga) se asigna al nombre del lugar. 

Las investigaciones subsecuentes encontraron más de 100 hornos. Se agrupan en siete grupos, a saber, Asan Kamuiyaki, Asan-Yanagida (sur), Asan-Yanagida (norte), Isen-Higashiyanagida, Isen-Hirasuko, Kenpuku-Iyagawa y Kenpuku Utta. En 2007, fueron señalados como un sitio histórico nacional. 

El arqueólogo Takanashi Osamu argumenta que Tokunoshima era conveniente para la cerámica porque es una isla "alta" como contraste con las islas de piedra caliza bajas, levantada como Kikai, Okinoerabu y Yoron. Tenía recursos forestales abundantes que permitió la cocción de cerámica. A diferencia de Amami Ōshima, otra isla alta, tuvo también llanos para el cultivo, lo que permite alimentar a alfareros. 

Ubicación de los sitios de horno de kamuiyaki (centro).

Un informe del arqueólogo Ikeda Yoshifumi en el año 2003 enumera cerca de 350 sitios arqueológicos con kamuiyaki. Se extienden desde la Península de Satsuma de Kyūshū meridional a la Isla de Yonaguni de las islas Yaeyama. 

En el meridional Kyūshū, kamuiyaki fueron excavados en sitios cerca del Río de Yoga Occidental, Minamisatsuma, Prefectura de Kagoshima. El Sitio Mottaimatsu, que estaba en su apogeo desde mediados del siglo XII a la primera mitad del siglo XIII, tenía una gran variedad de productos incluyendo kamuiyaki, un gran número de cerámicas chinas como celadon de Longquan celadon, Tong'an y en menor cantidad, demandar las mercancías de la oriental Provincia de Harima y Tokoname-yaki del Provincia de Owari. Kamuiyaki también fueron encontrados en el vecino Wataribata y Shibahara sitios y en el Sitio Kozono en el interior. Arqueólogo Miyashita Takahiro argumentó que la cuenca del río Yoga Occidental había servido como un centro comercial conectado a Hakata–Dazaifu de Kyūshū norte. La presencia de kamuiyaki sugiere que esta región estaba involucrada en el comercio con las islas del sur aunque mercancías excavadas fueron un poco más recientes (alrededor del siglo XIII) de los arqueólogos que lo esperado. 

En las islas de Amami, en el que los sitios del horno se encuentran, la aparición de kamuiyaki condujo a la desaparición de nativos earthenwares Kaneku-tipo en la primera mitad del siglo XI. Sólo un pequeño número de earthenwares continuó siendo producido e imitaban los calderos de esteatita. Las formas comunes de kamuiyaki incluyen urnas (kame), frascos pequeños boca, corto cuello (tsubo), tarros de boca ancha (hachi), cuencos (suribachi) y cuencos (wan) de la rejilla. 

Lo que distingue a las islas Amami de otros grupos de la isla era la presencia del Gusuku sitio complejo en Kikai Island. Este sitio arqueológico complejo duró por un largo tiempo desde el siglo IX. En su segundo pico, desde la segunda mitad del siglo XI a la primera mitad del siglo XII, un cantidades excepcionalmente grandes de sue mercancías, mercancías del haji, kamuiyaki y calderos de esteatita se producen en la península de Nishisonogi de, Prefectura de Nagasaki se utiliza junto con chino blanco esmaltado mercancías, celadons China, cerámica de Goryeo y Goryeo unglazed lozas, el sitio de Gusuku el complejo destaca por su naturaleza de no nativos y parecido a Dazaifu, el centro administrativo de Kyushu. Es muy probable que el sitio de Gusuku complejo fue construido por personas bajo el estado de Japón aunque Amami no fue incorporado formalmente en el sistema administrativo de Japón. 

Kamuiyaki en las islas de Okinawa se caracterizan por su asociación con blancos vidriados, calderos de esteatita y earthenwares producidos localmente. Estos earthenwares, colectivamente llamados gusuku mercancías, fueron las urnas, pequeños frascos boca, frascos de boca ancha, cuencos y platos. Eran considerados ser imitaciones de mercancías exóticas incluyendo de Amami kamuiyaki. Según el arqueólogo Takanashi Osamu, suministro insuficiente de las cuentas de mercancías exóticas para la producción de mercancías gusuku. Los arqueólogos de Okinawa generalmente decir que mercancías gusuku reemplazar cerámica fondo plano anterior. Ikeda Yoshifumi suscita dudas y sospecha cerámica de fondo plano y gusuku mercancías han coexistido en los siglos 11 al 12. En su hipótesis, gusuku mercancías representan una energía externa que tuvo tiempo para asimilar a las sociedades indígenas que produjeron cerámica de fondo plano. 

Los grupos del sur de la isla de Miyako y Yaeyama son conocidos por su peculiar desarrollo arqueológico: una cultura de la cerámica fue seguida por una cultura potteryless y luego por otra cultura de la cerámica. Kamuiyaki, junto con blancos vidriados, calderos de esteatita y vidriadas marrón, fueron encontrados en el sitio de Ōdomaribama (circa siglo XII) de Hateruma, las islas de Yaeyama, consideran que arqueólogos de Okinawa representa la etapa final de la cultura potteryless. El Sitio Sumiya de Isla Miyako tiene kamuiyaki y calderos de esteatita pero no cerámica esmaltada blanca. Kamuiyaki fueron excavados más a menudo en Miyako que en Yaeyama. 

Con la introducción de la combinación de kamuiyaki, calderos de esteatita y blanco esmaltado mercancías, Miyako y Yaeyama partieron de una cultura potteryless y entraron en una cultura de la cerámica, que a veces se conoce como la Cultura Suku. Esto significa que estos grupos del sur de la isla fueron finalmente integrados en una cultura grande (en un sentido arqueológico) de origen norteño. 

Fondo tecnológico 

Yoshioka Yasunobu traza kamuiyaki raíces tecnológicas de gres sin vidriar de Goryeo. Algunos link kamuiyaki a la Sagariyama horno sitios de Kyūshū. Sin embargo, Shinzato Akito argumenta que a juzgar por las diferencias tipológicas en las mercancías y los hornos, kamuiyaki no fueron directamente influenciados por Sagariyama. Shinzato descarta hipótesis de Yoshioka que kamuiyaki producción fue provocado por gente de meridional Kyūshū. Él concluye que Hakata (norteño Kyūshū)-comerciantes basados puede trajeron alfareros de Goryeo a Tokunoshima. Monopolizó la red comercial de área amplia que Japón canción China y Goryeo, que es confirmado por la excavación de masas de cerámica China y Goryeo en Hakata y Dazaifu. 

Yoshioka y Shinzato propusieron por separado sus cronologías de kamuiyaki. Sin embargo, Ikeda Yoshifumi señaló su incompatibilidad con un sitio arqueológico recientemente excavado en Amami. 

Interpretaciones 

Algunos arqueólogos consideran que kamuiyaki fueron intercambiados para las cáscaras de Turbo (yakōgai). Grandes cantidades de cáscaras de Turbo fueron excavadas de sitios arqueológicos de las islas Amami, que data del siglo VII. Conchas de Turbo fueron consumidos en el continente Japón. Por ejemplo, casi 30 mil piezas de conchas de Turbo fueron utilizados en Chūson-ji de Hiraizumi (noreste de Japón) en el siglo XII. 

Asato Susumu afirmó que quien había distribuido calderas kamuiyaki y esteatita de Amami a Yaeyama era "Mercaderes de Ryūkyū". Ikeda Yoshifumi rechaza esta afirmación y asume una "energía externa" que vio todo el archipiélago como un mercado de negociación. 

Con avances en la investigación arqueológica de Amami, Takanashi Osamu cayó su anterior kamuiyaki-para-Turbo-hipótesis de shell. Señaló kamuiyaki's sesgada distribución: los principales puntos de consumo se limitaban a Kikai Island y Tokunoshima de las islas Amami. El número de piezas de kamuiyaki en Okinawa, Miyako y Yaeyama era pequeño y esa fue la razón por qué earthenwares locales imitando kamuiyaki fueron producidos allí. Takanashi la hipótesis de que el propósito principal de la producción kamuiyaki de Tokunoshima ha sido fuente de una demanda de materias primas en el Gusuku sitio complejo de Kikai Island, una supuesta avanzada del estado de Japón. 

El Horno Atsumi (Atsumigama) es un nombre genérico para un histórico horno que data de finales del periodo Heian del período de Kamakura (principios del siglo XII hasta el siglo XIII). Se encuentra en la Península de Atsumi en la Prefectura de Aichi. 

El bote con diseño de otoño hierbas llamado akikusamon fue descubierto en el montón de entierro de Hakusan. Data del período Heian segunda mitad del siglo XII y está registrada como un Tesoro nacional. 

Atsumi maceta con diseño de otoño pastos (akikusamon), descubierto en el montón de entierro de Hakusan. Período de Heian, segunda mitad del siglo XII (Tesoro nacional)

Tarro con tres zapatas decorativas, garzas incisas y cañas diseño, esmaltes de cenizas. Último período de Heian, siglo XII. (Registrado propiedad Cultural importante)

Cerámica de Tokoname (Tokoname-yaki) se refiere a un tipo de cerámica japonesa, gres y cerámica producido en y alrededor del municipio de Tokoname, Aichi, en el centro de Japón. Tokoname fue la ubicación de uno de los Seis hornos antiguos de Japón. 

Cerámica hecha en Tokoname data del siglo XII. Durante el período de Heian, lo que ahora se llama cerámica Tokoname ya era parte de la vida cotidiana. Un horno conocido como horno Takasaka fue construido en el siglo XIV. Hacia el final del período Edo en el siglo XIX, Koie Hokyu completó un horno escalado de "cámara" (nobori-gama). La excelente reputación de cerámica de Tokoname moderna fue establecida por su hijo Koie Hoju. Sentaron las bases para la fabricación de tubería de barro y presentó la roja para que la ciudad se convirtió en famoso. Una estatua fue puesta más adelante para arriba en su honor en la ciudad. 

La construcción de la Línea de Meitetsu Tokoname en la era Meiji alentó a producción y proporcionó transporte para aumentar la producción de azulejo durante la era Taishō. 

Esmalte natural ware jar, excavado en el Ise, Mie, período de Heian, siglo XII

Las tradiciones detrás de cerámica de Tokoname se han mantenido vivas por generaciones de alfareros. En 1998, tercera generación potter Yamada Jōzan III (1924-2006) fue nombrada un Tesoro nacional vivo, ser reconocido como un Bien Cultural Intangible nacional para hacer vasos de vertido. Su hijo Yamada Jōzan IV (b. 1954) asume el título de su padre después de su fallecimiento. Otro potter conocido de la era de Shōwa era Ezaki Issei (1918-1992), en enero de 2007, Tokoname fue oficialmente protegido como una marca local. 

Productos que Tokoname es famosa para hoy son campanas de viento, macetas de bonsai, redware teteras, servidores de shochu, quemadores de incienso. 

Cerámica de Tokoname puede encontrarse a través de la cerámica Tokoname Asociación Cooperativa Unión y el centro de la venta por mayor de la cerámica Tokoname Ceramall la Asociación de venta por mayor de cerámica de Tokoname. 

Construido en bobina de gres con esmaltes de cenizas. Período de Kamakura, siglo XIV

Cerca de 60 hornos escalados anteriormente operaba en Tokoname. El horno Tōei es un horno escalado (nobori-gama) que fue construido en Meiji 20 (1887) y utilizado hasta 49 de Shōwa (1974). Es el horno más grande de escalada existente en Japón. Fue señalado como un importante patrimonio Tangible por el gobierno en Shōwa 57 (1982). Cuenta con ocho cámaras de disparo corriendo una pendiente de 17° y diez chimeneas de altura variable.

Pote del té del Kyūsu, era de Taishō ca. 1921-1925, por Yamada Jōzan I

Período de Kamakura

Hasta el siglo XVII, gres sin esmaltar era popular para los requerimientos diarios para trabajo pesado de una sociedad en gran parte agraria; jarras funerarias, recipientes de almacenamiento de información y una variedad de ollas de cocina caracterizan la mayor parte de la producción. Algunos de los hornos mejoró su tecnología y son llamados los "seis hornos viejos": Shigaraki (cerámica Shigaraki), Tamba, Bizen, Tokoname, Echizen y Seto. 

Entre estos, el horno de Seto en el Provincia de Owari (actual día de La Prefectura de Aichi) tenía una técnica de esmalte. Según la leyenda, Katō Shirozaemon Kagemasa (también conocido como Tōshirō) estudió técnicas de cerámica en China y cerámica esmaltada alto dispararon que Seto en 1223. El horno de Seto había imitado principalmente cerámica China como un sustituto para el producto chino. Desarrollado varios esmaltes: ceniza marrón, hierro negro, feldespato blanco y verde de cobre. Las mercancías eran tan ampliamente utilizadas que Seto-mono ("producto de Seto") se convirtió el término genérico para la cerámica en Japón. Horno de seto también produjo gres unglazed. A finales del siglo XVI, muchos alfareros Seto huyendo de las guerras civiles se trasladó a la provincia de Mino en la Prefectura de Gifu, donde producen esmaltado cerámica: Seto amarillo (Ki-Seto), Shino, negro Seto (Seto-Guro) y mercancías de Oribe. 

Cerámica de Shigaraki es un tipo de cerámica de gres en área de Shigaraki, Japón. El horno es uno de los Seis hornos antiguos en Japón. Aunque figuras que representan a los Tanuki son un producto popular como cerámica de Shigaraki, el horno y tradición alfarera local tiene una larga historia.

El desarrollo de hornos durante la época medieval se cree que han tenido lugar a través de la transformación de la tecnología de demandar mercancías. En la segunda mitad del periodo Heian, Sue mercancías producción llegó a un abrupto declive, con la producción ahora centralizar en las provincias de Owari, Mino, Bizen y Omi. El colapso político en el período Heian causado por los artículos alfareros Sue comenzaron a producir mercancías baratas como suribachi (morteros o pulido), tsubo (tarros) y kame (recipientes de boca ancha). Los talleres de cerámica de Sue comenzaron a producir en bloques regionales característicos. Todo esto condujo al desarrollo de hornos en la región conocida como los 'seis hornos viejos'. Los bloques regionales consistió en Seto, Echizen, Tokoname, Bizen, Tamba y Shigaraki. 

El nombre de Shigaraki describe un grupo colectivo de productos de cerámica en un área geográfica similar. Cerámica de Shigaraki se dice que han comenzado cuando los azulejos fueron construidos para Palacio de Shigaraki-NINGÚN-miya del emperador Shomu en 742. Sin embargo, la evidencia ha mostrado viejo horno permanece en las ruinas de Shigaraki pueblo que se remonta al período Kamakura y temprano en el período Muromachi. Se sugiere que los alfareros de Bizen viajaban a Shigaraki y comenzaron a producir obras porque temprano Shigaraki mercancías parecen haber sido influenciado por mercancías de Bizen. A menudo es difícil distinguir las mercancías de la Kamakura y Muromachi períodos debido a los gránulos incrustados de feldespato que ambas mercancías su aspecto llamativo. 

La ciudad de Shigaraki fue formado para arriba de dieciocho comunidades independientes a lo largo del río Daido en el valle en la punta más meridional de la Prefectura de Shiga. Tres de los sitios más tempranos del horno pueden remontarse a 1278. Las comunidades fueron Kamagatani, Minami Matsuo de Nagano y Goinoki en Koyama. Estos sitios se sugieren para haber sido el centro de la industria de Shigaraki en los viejos tiempos. 

Shigaraki hornos fueron utilizados por las empresas privadas. Se encontró evidencia de que las mercancías fueron producidas primero para satisfacer las demandas de los agricultores, fabricación de morteros, urnas de agua, botellas y platos profundos. Fragmentos de tales mercancías fueron encontrados en las ruinas de los antiguos sitios de horno. Líneas simples, incisas y geométricas son también evidencia de que las mercancías fueron producidas por actividades agrícolas diarias. 

Ceremonia del té 

Beber té era común en Japón desde tiempos tempranos. El público en general bebieron té de tazones de madera en ferias y mercados. No fue hasta un maestro de té con el nombre de Murata Juko escribió una carta discutiendo a los discípulos de la ceremonia del té las mercancías fueron producidas para la ceremonia específica de Shigaraki. Influenciada por las tradiciones budista Zen, Juko restableció que la ceremonia del té debe reflejar el concepto de wabi-suki, la creencia de que haciendo hincapié en la sencillez, humildad y agradecimiento intenso de la experiencia inmediata. El aspecto natural de esta alfarería ayudó a reflejar estos principios y encajar en la estética de la atmósfera de la ceremonia del té. La ceremonia del té transforma la manera en que los japoneses han consultado los objetos, incluyendo cerámica. 

A partir de 1520, después de la declaración de Juko de principios de la ceremonia del té, otros maestros del té comenzaron a ordenar la producción de ciertos estilos de cerámica mercancías para las ceremonias. Takeno Sho-o se sintió atraído por la cerámica de Shigaraki y mercancías ordenada con esmaltes rojos que corría en esmaltes verdes y marrones que se producirán. Hacia el final del siglo XVI, el maestro de té Rikyu también patronizado un cierto aspecto de las mercancías, llamado Rikyu Shigaraki. Estas mercancías se hicieron con una loza gris que imitaban las mercancías coreanas. La familia de Todo llegó al poder en 1635 y empleó a un maestro de té con el nombre de Kobori Enshu para supervisar lo que sería después llamado cerámica de Enshu Shigaraki. 

Descripción 

La arcilla arena local de la cama del Lago Biwa tiene un color naranja cálido y cerámica muy resistente. Esta arcilla caracteriza cerámica de Shigaraki. La cerámica tiene contornos irregulares y un sabor arcaico. La leña técnica pasado de reducción a leña de oxidación, que permite libre admisión de aire durante la cocción en lugar de admisión de aire limitada en el horno. Esto permite que los óxidos de hierro ser utilizado como parte del proceso de coloración. La cantidad de aire libre es debido al tipo de horno antiguo, que se llama un horno anagama, que se utiliza al fuego cerámica de Shigaraki. El término anagama es un término japonés que significa "cueva horno", ya que estos hornos fueron construidos generalmente en el lado de las colinas. Son solo estructuras cámaras con forma de túnel inclinado. El combustible de madera estar alimentado constantemente para alcanzar temperaturas suficientemente altas como para la arcilla. Usando este tipo de horno también alcanza la superficie del esmalte mineral tan popular con mercancías de Shigaraki. 

Dependiendo de la colocación de la pieza, variará la capa resultante de cenizas y minerales. Un aspecto de harina de avena es generalmente el resultado, con un color grisáceo a un café rojizo colorear el cuerpo. Pequeñas impurezas sobresalen, causada por cuarzo embebido parcialmente encendido. También es característica de la cerámica gres cocida cubierta con una fina capa de saturación de color marrón amarillento a un esmalte de color rojo de flor de durazno que crepita cuando disparó. Un esmalte claro, transparente o casi como el cristal con un tinte verde azulado también aparece en algunos productos de Shigaraki. Los esmaltes se babeaban, rociados o salpicados sobre la superficie cerámica. Hasta que se reúnen en piscinas pequeñas, el esmalte aparece cerca de invisible en la iluminación de la mayoría, sólo ser visible cuando la pieza es sostenida y dado vuelta en la mano. La cerámica refleja también okoshi geta, las marcas de la obstrucción, donde la arcilla se reclinó sobre soportes dentro del horno antes de disparar. Otra característica de la cerámica de Shigaraki es huellas dejados por alfareros en el proceso de construcción. 

Los siguientes son algunos ejemplos característicos de cerámica Shigaraki: 

KAME (frascos de boca ancha)

Esta particular nave ha remado marcas sobre la costura del hombro. El hombro luego cuidadosamente se raspa de horizontalmente, mientras que la parte inferior del cuerpo raspado verticalmente. Tiene un núcleo gris, de grano fino y una superficie brillante de color marrón rojizo. En el hombro, el color de color marrón rojizo se fusiona con ceniza amarilla para crear un esmalte verde oliva. 

Tsubo (frascos)

Este buque tiene una marca "bien encintado" en forma de un signo de número (#) en dos lugares en el hombro. El cuello y el borde se definen cuidadosamente. Se raspa el cuerpo horizontal total. La superficie tiene un color naranja, pero no tiene ningún esmalte de acabado. 

Este ejemplo tiene un chevron en dos lugares en el hombro. El hombro y el cuello se suavizan horizontalmente con una diagonal de raspado en la línea del hombro. Se raspa la parte inferior del cuerpo horizontal y verticalmente. Las huellas digitales a la izquierda de los alfareros ocupan la base, junto con dos cicatrices causadas por palos. La base es gris cerca de la base y naranja en el hombro con una superficie de oro naranja. 

Esta pieza se alisa horizontalmente de con un borde recortado. Tiene un núcleo gris claro con una superficie de rojo marrón. Una capa gruesa de esmalte verde una vez ocupado la superficie, pero ahora se ha descompuesto. 

Esta cerámica tiene una marca de tres líneas (san) en dos lugares del hombro, que se alisa horizontalmente en forma aleatoria. La parte inferior del cuerpo se raspa verticalmente y tiene un borde sin recortar. Tiene una base de gris claro con una superficie sin esmaltar de beige rosáceo. 

Este buque tiene una marca con dos líneas (ni) en dos lugares sobre el hombro. El hombro se alisa horizontalmente con rayado diagonal en la costura. La parte inferior del cuerpo se raspa horizontal y verticalmente con un borde sin recortar. La superficie es un brillante color rojo de la rosa con amarillo ceniza. 

Esta pieza tiene una marca similar a un signo que representa el número diez (ju) en dos lugares en el hombro. Se alisa tanto en el interior y el exterior. También tiene un borde bajo ajuste. La superficie es de grano fino con un color rojo anaranjado y tiene casi no hay cenizas en el exterior. 

Esta particular nave tiene un cuello en la que se alisa horizontalmente y el cuerpo alisado diagonalmente. Allí es raspar justo por encima de la base. La base es blanco grisáceo y de grano fino. Se descompone la superficie con un esmalte de cenizas burbujeante y color blanco grisáceo. 

Esta cerámica tiene un borde que esté hacia fuera. El hombro ha sido allanado horizontalmente. La superficie contiene muchas piedras pequeñas y es de color anaranjado. 

Frasco de sake

El frasco ha sido allanado horizontalmente en el interior y el exterior. Se raspa el borde inferior. El núcleo es un rojo de ladrillo y contiene muchas piedras pequeñas. La superficie es de oro beige color. 

Jarra de gres de Shigaraki con esmalte marrón y amarillo natural, período de Muromachi, principios del siglo XV

Shigaraki esmaltado gres, período de Momoyama (1573-1615)

H55.5cm tarro de Shigaraki, siglo XVI

Shigaraki tanuki moderna figura

Cerámica de Bizen (Bizen-yaki) es un tipo de cerámica Japonesa tradicional de la provincia de Bizen, actualmente una parte de la Prefectura de Okayama.

La cerámica Bizen fue producida tradicionalmente en los alrededores de la aldea de Imbe en la provincia de Bizen, de donde recibió su nombre. Por lo tanto es también conocido como mercancías Imbe o Inbe. Tiene lazos con demandar a cerámica del período de Heian en el siglo VI y hace su aparición durante el período de Kamakura del siglo XIV. 

Bizen fue considerado uno de los Seis hornos antiguos por el erudito Koyama Fujio experimentó su apogeo durante el periodo Momoyama del siglo XVI. Durante la era Edo, los señores de Ikeda del dominio Okayama continuaron apoyando los hornos y dieron privilegios especiales a las familias que funcionan, como el Kimura, Mori, Kaneshige, Oae, Tongu Terami. La calidad rústica de Bizen hizo popular para su uso en la ceremonia del té japonesa. La cerámica de la fase temprana se llama viejo Bizen (Ko-Bizen). 

Después de modernización comenzó durante la era Meiji del siglo XIX, Bizen casi desaparecido junto con muchos otros oficios tradicionales. El artista Kaneshige Toyo (1896-1967) ayudó a preservar en la década de 1930 durante la temprana era de Shōwa reviviendo el estilo Momoyama para sus esfuerzos fue nombrado un Tesoro nacional vivo. 

Bizen cerámica fue señalado un tradicional arte japonés por el gobierno en 1982 al principio del siglo XXI fue producido en alrededor 300 hornos de funcionamiento. 

Honrado por el gobierno de la Prefectura de Okayama con la designación de los bienes culturales inmateriales los artistas incluyen Fujita Ryuho (1913-1973), Kaneshige Toyo, Fujiwara Kei (1899-1983), Fujiwara Ken (1924-1977), Fujiwara Rakuzan (1910-1996), Mimura Tokei (1885-1956), Isezaki Yozan (1902-1961), Ishii Furo (1899-1964), Oae Jindo (1890-1954), Kaneshige Michiaki (1934-1995), Kaneshige Sozan (1909-1995) y Yamamoto Toshu (1906-1994). Kaneshige Toyo y Fujiwara Kei Yamamoto Toshu además se registraron como tesoros nacionales vivos. 

Otros artistas notables incluyen Konishi Toko I (1899-1954), Matsuda Kazan I (1902-1948), Nishimura Shunko (1886-1953) y Suzuki Osai (1908-1972). Artistas contemporáneos incluyen Hajime Kimura y Kosuke Kanishige, que se especializa en la técnica de hidasuki, así como Harada Shuroku, Mori Togaku, Abe Anjin, Nakamura Rokuro, y Kakurezaki Ryuichi. 

Un festival de la cerámica de Bizen se celebra cada año alrededor de la estación Imbe.

Bizen se caracteriza por la gran dureza debido a la leña da alta temperatura, su color de tierra-como, a marrón rojizo, la ausencia de esmalte, aunque puede contener rastros de cenizas fundidas asemejándose a esmalte y las marcas resultantes de leña horno de la leña. 

La arcilla en Imbe es pegajoso y fino, con un alto contenido de hierro y, tradicionalmente, mucha materia orgánica que es receptivo a esmaltar. Para algunos alfareros se trata de un material inadecuado, ya que cuenta con características débiles como alta contracción y relativamente baja resistencia al fuego. Más cerámica de Bizen no está recubierta con un esmalte debido a esta contracción, ya que cualquier esmalte aplicado se desprenda durante el proceso de cocción. Debido a su resistencia al fuego bajo no puede soportar cambios rápidos en temperatura alta, por lo que la cocción tiene que hacerse poco a poco. Sin embargo, el suelo también tiene propiedades beneficiosas, como plasticidad. La alta resistencia de la arcilla Inbe hace que conserve su forma, lo que es difícil incluso sin esmalte. 

La mayoría de las piezas se realizan en un torno de alfarero. Aunque un cuerpo de arcilla y un tipo de leña se utilizan, hay una gran variedad de resultados debido a las propiedades de la arcilla. La naturaleza de las superficies de cerámica de Bizen depende totalmente de yohen, o "efectos de horno". La colocación de las piezas individuales de la arcilla en el horno hace dispararse bajo condiciones diferentes, que conducen a la variedad. 

Debido a la composición de la arcilla, Bizen mercancías se encienden lentamente durante un largo período de tiempo. Despidos tienen lugar sólo una vez o dos veces al año, con el período de cocción durante 10-14 días. Pino rojo se utiliza para leña, porque la resina que contiene ayuda a producir un fuego de alta temperatura. 

El acabado depende de cómo el alfarero controla el fuego. La mayoría de la leña se lleva a cabo en hornos tradicionales de escalada con varias cámaras llamados noborigama, o en un horno de túnel llamado un anagama. Los vasos se apilan y las llamas del flujo a través de las pilas y alrededor de los recipientes individuales. Durante el curso de la cocción de los vasos pueden cambiar el color de negro a gris. 

Si se utiliza menos leña, la llama llegará a ser oxidante, convirtiendo los vasos rojizo marrón. El oxígeno no es el único factor determinante, otro es cómo las llamas se mueven hacia arriba en el horno. El alfarero también debe controlar el vuela cenizas del carbón. Cenizas de carbón de leña se funden con el calor y se convierten en algo parecido a un esmalte que se adhiere a la superficie de la cerámica. La ceniza también crea chispitas de amarillo llamado gomao efectos "ajonjolí". Por lo tanto, las llamas y las cenizas son los elementos cruciales del estilo de Bizen. 

Durante el proceso de cocción el alfarero agrega leña directamente en la cámara de combustión del horno cada 20 minutos, día y noche. Inicialmente la temperatura alcanza los 600 grados centígrados, y se aumenta solamente gradualmente para evitar agrietamiento de la cerámica las piezas se dejan en el horno durante 10 días. 

En el octavo día, la leña es casi completa, con una temperatura cerca de la cima de 1200 grados Celsius, o incluso 1300 grados Celsius. El carbón de leña que brilla intensamente blanco cubre totalmente la cerámica en la Cumbre de 10 días de cocción. El paso final es tirar el carbón directamente en el horno. Esto reduce el oxígeno de combustible y crea patrones de oscuros en los vasos. Seis días después de la cocción, las llamas se extinguen y se sacan los vasos. 

Aspecto 

El alfarero también puede controlar el aspecto de los vasos por cómo las arregla en el horno. Esto puede resultar en una amplia gama de estilos visuales, dependiendo de cómo se colocan las piezas y cómo se controla el fuego. Sin embargo no siempre es cierto lo que exacto patrones o colores se creará durante la cocción:

Goma (encendido. "semillas de sésamo")

Las cenizas de carbón de leña se funden con el calor y se convierten en un esmalte que se adhiere a la superficie.

Sangiri 

El buque está parcialmente enterrado en arena en el horno. El área expuesta se vuelve negruzco debido a las cenizas que cubren lo retarda la oxidación.

Hidasuki 

Esta norma técnica de Bizen causa líneas escarlata parece que pinta con un pincel. El patrón de resultados de la paja de arroz envuelto alrededor de la pieza antes de cocción en el horno. La pieza se coloca en un contenedor de caja llamado un saggar. El saggar está cubierto para que la cerámica está protegida del contacto directo con llamas o cenizas voladoras. Protegido como esta, las piezas en el saggar gire blancas debido a una reacción química. Alcaloides de la paja se combinan con el hierro de la arcilla; las áreas cubiertas de paja reaccionaran y crean marcas de quemaduras de color rojo y marrón. 

Normalmente, alfareros hacen patrones hidasuki con finas líneas claras en un estilo audaz y expresivo. Lo hacen separando los pedazos de paja para evitar que se sueldan con autógena juntos. Otros alfareros utilizan una técnica diferente que hace que las marcas de paja para estar fuera de foco, en lugar de distingue agudamente. Esto se logra por el reblandecimiento de la paja golpeando con un mazo. Envolviendo las piezas en grande golpeado racimos, un suave efecto con una rica gama de matices de escarlatas. Esto puede resultar en un intenso contraste de un color escarlata tibia contra un fondo.

Botamochi 

El resultado es dos, tres o cinco marcas redondas, como si las marcas de pequeñas bolas de pastel de arroz habían quedadas en la superficie.

Bizen azul (Aobizen)

Bizen negro (Kurobizen)

Fuseyaki 

Este estilo se crea cuando el alfarero intencionalmente apila uno encima del otro o hacia los lados, para variar el alcance de la cobertura por las cenizas del carbón de leña. Esto crea diferentes colores en la parte superior e inferior. 

Ko-Bizen (viejo Bizen) ware flor florero tabimakura (almohada portátil), periodo Edo, siglo 17

Botella de sake con las marcas hidasuki, periodo Edo, siglo 17

Diferentes tipos de cerámica de Bizen

Cerámica de Echizen (Echizen-yaki) es un tipo de cerámica Japonesa tradicionalmente producida en Echizen, Odacho y de Miyazaki, Prefectura de Fukui. 

Es considerado uno de los Seis hornos antiguos de Japón. 

La aldea de cerámica de Echizen presenta una gran variedad de este estilo de cerámica.

Echizen ware boca ancha aceite tarro (kame) con el patrón de onda, gres con ceniza natural esmalte, periodo Edo, siglo XVIII

Echizen ware sake botella (tokkuri), período de Momoyama, finales del siglo XVI

Cerámica de seto (Seto-yaki) se refiere a un tipo de cerámica japonesa, gres y cerámica producida en los alrededores de Seto en la Prefectura de Aichi, Japón. El término japonés para, setomono, también se utiliza como un término genérico para toda cerámica. Seto fue la ubicación de uno de los Seis hornos antiguos de Japón. 

Cerámica hecha en Seto fechas del siglo XIII. Katō Shirōzaemon se acredita como el primer para producir las mercancías en la ciudad. En el 1220s estudió el arte de la cerámica en China. Después de varios fallidos intentos en distintas ciudades japonesas, Shirōzaemon fundó un horno exitoso en el Seto. Otros alfareros siguieron después de eso, y Seto se convirtió en un centro reconocido para la producción de cerámica. 

Alfareros dibujaron la inspiración de cerámicas chinas, entre ellas porcelanas de celadón verdes y oscuro marrón tenmoku mercancías. La primera cerámica de Seto puede haber evolucionado de intentos fallidos para reproducir celadons chino. 

Durante el período de Kamakura, mercancías producidas en Seto imitaban la cerámica de la Dinastía Song en China. Más tarde, en el período Muromachi (1337 – 1573), Seto esmaltes fueron refinados y los estilos desarrollaron allí se extendió a otras zonas de Japón como de la moderna Prefectura de Gifu. 

Más adelante las cerámicas Seto, le  fueron dadas un esmalte de hierro marrón y dispararon a altas temperaturas para crear superficies brillantes. 

Durante la época de Kan'ei (1624-44), el primer señor de Owari Tokugawa Yoshinao (1601-1650) tenía un horno construido en la esquina de la mezcladora de Ofuke (Ofukemaru) del Castillo de Nagoya e invitó a alfareros de Seto para hacer cerámica de allí. 

El Museo de cerámica de Prefectural de Aichi en Seto tiene una colección grande y ejemplar de cerámica de Seto.

Los diferentes tipos y esmaltes de cerámica de Seto son: 

·        Kiseto, un amarillo esmalte

·        Setoguro, esmalte negro

·        Ware de Shino

·        Ware de Oribe

·        Tetsuaka, un rojo del hierro del esmalte

·        uwagusuri, esmalte de cenizas

Jarra de agua de Kiseto, arcilla cubierta con esmalte y salpicaduras de hierro marrón y cubierta de laca negra, Momoyama o periodo Edo, siglo XVII

Carrito de té de gres con esmaltes de ceniza de madera y hierro, periodo Edo, principios del siglo XIX

Ejemplo de Kiseto esmalte de estilo. Expuesto en El Museo de la cerámica de Aichi Prefectura.

Período Muromachi 

Según las crónicas en 1406, el Emperador Yongle (1360-1424) de la dinastía de Ming concedió diez tazones de mercancías Jian de la dinastía Song para el shōgun Ashikaga Yoshimitsu (1358-1408), que gobernó durante el Período Muromachi. Un número de monjes japoneses que viajaron a monasterios en China también llevó piezas de vuelta a casa que se convirtieron en valiosos piezas para las ceremonias de té, más  cerámica fueron importadas de China donde se convirtieron en mercancías muy apreciadas. Cinco de estas vasijas de la dinastía Song del sur son tan apreciadas que fueron incluidas por el gobierno en la lista de tesoros nacionales de Japón (artes: otros). Las Mercancías Jian fueron producidas y desarrolladas como tenmoku y fueron  altamente codiciadas durante las ceremonias de té de este tiempo.

Jarras con diseño floral. Izquierda: mercancías de Qingbai, hornos de Jingdezhen, dinastía Song meridional, del siglo XIII, China. Derecha: cerámica de Seto, período de Nanboku-chō, siglo XIV

Mercancías Jian o mercancías Chien es un tipo de cerámica china hecho originalmente en Jianyang, Fujian provincia y las imitaciones locales, es conocido en Japón como Tenmoku. La mercancía es de formas sencillas de gres, con un fuerte énfasis en efectos sutiles en los esmaltes. En la dinastía Song alcanzaron un gran prestigio, sobre todo entre los monjes budistas para beber té. Fueron también apreciadas en Japón, donde muchos de los mejores ejemplos fueron recogidos. Aunque el cuerpo de cerámica es de color claro, las mercancías, generalmente pequeñas tazas de té, cuencos y floreros, normalmente son esmaltado en colores oscuros, con efectos especiales como la "piel de liebre" "mancha de aceite" y patrones de "plumas de perdiz" causaron al azar como exceso de hierro en la esmalte es forzado hacia fuera durante la cocción.

En chino se llama Jian zhan, que se traduce como "Taza de Jian (té)". El original horno fue llamado Jian Yao. La Prefectura original donde vino desde entonces retitularon en Jianzhou en el 621 d.C. durante la dinastía Tang. La cerámica por lo tanto se convirtió también conocida en base a su origen como Jianzhou zhan. 

El erudito de la dinastía de la canción y Fujian nativo Cai Xiang (1012-1067) señaló en su "registro de té": 

El té es de color claro y se ve mejor en copas negras. Las tazas en Jianyang son negro azulado en el color, marcado como la piel de una liebre. Ser de una tela bastante gruesa retienen el calor, para que cuando se calienta una vez a través de ellos enfríen muy lentamente, y además son valorados en esta cuenta. Ninguno de los vasos producidos en otros lugares pueden rivalizar éstos. Tazas de azul y blanco no son utilizadas por aquellos que dan partes de degustación de té.

Al tiempo, el té fue preparado por batiendo hojas en polvo que habían sido presionados en las tortas secadas junto con agua caliente, que era algo parecido a matcha en la ceremonia del té japonesa. El agua agregada a este polvo produce una espuma blanca que se destaca mejor contra un recipiente oscuro. Mercancías Jian alcanzaron el pico de su popularidad durante la dinastía Song. Los vasos de este tiempo fueron también muy apreciados y copiados en Japón, donde se conocen como mercancías tenmoku. El término japonés deriva de Montaña Tianmu, donde este tipo de embarcaciones se suponía que originan y apreciarse. Cinco de estos vasos que se originan durante la dinastía Song del sur son tan apreciado que fueron incluidos por el gobierno en la lista de tesoros nacionales de Japón (artes: otros). 

Gustos en preparación cambiado durante la dinastía Ming; el Emperador de Hongwu (1328-1398), sí mismo preferido hojas pasteles en polvo y aceptaría sólo té de la hoja como tributo desde la producción de té de las regiones. Té de la hoja, en contraste con té en polvo, fue preparado por remojo hojas todo en hierve el agua - un proceso que condujo a la invención de la tetera y la posterior popularidad de Yixing mercancías sobre los cuencos de té negro. Mientras que en China el arte de la cerámica de Jian se desvaneció y luego murió, en Japón continuó y se convirtió en el principal productor de este tipo de mercancías, también debido a la importancia y el desarrollo de la ceremonia del té. 

Renovado interés en la historia y el patrimonio cultural de China ha revivido a partir de la década de 1990. En el Jiyufang Laolong horno, situado en un pueblo cerca de la ciudad de Shuiji no lejos de Wuyishan, maestro Xiong Zhonggui ha podido reiniciar la producción de Jian Zhan usando arcilla original, después de estudiar con maestros japoneses, los hornos en Dehua County también están tratando de recrearlo. 

En 15 de septiembre de 2016 una canción Jian té-tazón de fuente del tipo tenmoku yuteki de las mercancías, largo de la colección familiar japonés Kuroda, se subastó en Nueva York de Christie para sobre $ 11 millones. La estimación de venta fue de $1,5 a 2,5 millones. El tazón de fuente fue registrado por el gobierno japonés como un objeto de arte importante en 18 de diciembre de 1935 y registrado el 04 de septiembre de 2015 para la venta. 

Características

Las mercancías fueron hechas usando arcillas ricas en hierro locales y disparó en una atmósfera oxidante en las temperaturas en la región de 1.300 ° c. (2.370). El esmalte fue hecho usando arcilla similar a la que se utiliza para formar el cuerpo, excepto escorificados con madera ceniza. Comparten algunas semejanzas con cerámica de Jizhou, que se convirtió alrededor al mismo tiempo. 

Muchos ejemplos tienen acabados distintos en el esmalte, que son mucho muy apreciadas por los coleccionistas. Los tres tipos principales de patrones de esmalte son: 

·        "piel de liebre"

·        "concha de tortuga"

·        "plumas de perdiz" 

A altas temperaturas el esmalte fundido se separa para producir el patrón llamado "piel de liebre". Cuando mercancías Jian fueron inclinadas para la leña, gotas bajan al lado, creando la agrupación del esmalte líquido, que se mantiene después de la cocción. 

Ejemplo 

Una "piel de liebre" taza de té de Jian en el Metropolitan Museum of Art fue hecho durante la dinastía Song (960-1279) y exhibe la típica agrupación o engrosamiento del esmalte cerca de la parte inferior. 

La "piel de liebre" patrones en el esmalte de este tazón de fuente resultó del efecto aleatorio de la separación de fase durante el enfriamiento temprano en el horno y es única a este plato. Esta separación de fase en los esmaltes ricos en hierro de blackwares chinos también fue utilizada para producir el conocido "aceite-punto", "teadust" y "plumas de perdiz"  efectos del esmalte. Hay dos tazas tienen patrones idénticos. El tazón de fuente también tiene un color marrón oscuro "hierro-pie" que es típico de este estilo. Se habría disparado, con probablemente varios miles otros pedazos, cada uno en su propio amontonable saggar, en un solo disparo en un gran horno de dragón. Un tal horno, construido en el lado de una colina empinada, era casi 150 metros de longitud, aunque la mayoría Jian dragon hornos fueron menos de 100 metros de longitud. 

Taza de té de Jian con la "piel de liebre" del esmalte, meridional dinastía Song, siglo XII, Museo Metropolitano de arte 

Yohen tenmoku té de Jian del tazón de fuente con azul y verde "mancha de aceite" marcas, dinastía Song del sur, del siglo XIII. Tesoro nacional (Japón)

Vista de la "piel de liebre" acristalamiento efecto sobre un tazón de Jian

Tenmoku (también deletreado "temmoku" y "temoku") es un tipo de porcelana y cerámica japonesa que se origina en la imitación China gres cerámica Jian de la meridional dinastía Song (1127-1279), ejemplos originales de las cuales también se les llama tenmoku en Japón. 

Las formas son simples y en negrilla, con tazones de té los más típicos. El énfasis está en el esmalte de cerámica, donde se puede producir un número de efectos distintos, algunos como un elemento de aleatoriedad que tiene un atractivo filosófico a los japoneses. Los maestros del té que desarrolló la ceremonia del té japonesa promovieron la estética cerámica de tenmoku subyacente. 

Tenmoku toma su nombre de la Montaña Tianmu (mandarín: mù tiān; Japonés: moku diez; español: ojos del cielo) templo en China donde cuencos de hierro esmaltado se utilizaron para el té. El estilo llegó a ser extensamente popular durante la dinastía Song. En chino se llama Jian Zhan (que significa "Copa de Jian (té)". 

El estilo finalmente fue producido en Japón, donde permanece hasta este día. El término japonés gradualmente reemplazó la original chino para mercancías generales del tipo. De particular renombre fueron los hornos que producen tenmoku son cerámica de Seto. 

El esmalte se produce todavía en Japón entre un círculo muy pequeño de artistas, uno de ellos Kamada Kōji, otros son Nagae Sōkichi, Hayashi Kyōsuke  y Oketani Yasushi,  artistas japoneses han estado ayudando con éxito volver a introducir la técnica en China. 

Blanco tenmoku mercancías Ofuke tazón de fuente, medio gres con paja de arroz glaseado de ceniza, entre 1700 – 1850 periodo Edo

Características 

Se hace de feldespato, caliza y óxido de hierro. Cuanto más rápidamente se enfría un trozo, el más negro el esmalte. 

Tenmokus son conocidos por su variabilidad. Durante su calentamiento y enfriamiento, varios factores influyen en la formación de cristales de hierro en el esmalte. Un proceso de cocción larga y un cuerpo de arcilla que es también muy coloreado con hierro aumentan las posibilidades de hierro de la arcilla en el esmalte. Mientras que el esmalte es fundido, hierro puede migrar en el esmalte para formar cristales de superficie, como en el esmalte de "mancha de aceite", o permanecer en solución más profunda dentro del esmalte de un color brillante rico. 

Hoy en día, la mayoría alfareros están familiarizados con esmalte tenmoku en una reducción de la leña. Pero para obtener aceite de efectos spot, tenmokus rígidos para dispararse en la oxidación. Esto se basa en un principio químico muy simple que, una vez entendido, conduce a activaciones exitosas. Rojo óxido de hierro (Fe2O3) actúa como un refractario en oxidación pero fácilmente puede ser cambiado a un flujo en forma de óxido negro de hierro (FeO), en reducción. La mayoría alfareros están familiarizados con esta propiedad pero para manchas de aceite, estamos interesados en la capacidad del hierro para reducir la. En aproximadamente cono 7 (2250 ° F o ° C 1232), hierro férrico (Fe2O3) no puede mantener su estructura cristalina trigonal y acomoda en una estructura cúbica, magnetita (Fe3O4), que reduce aún más para convertirse en ferroso (FeO). Esto se llama reducción térmica, y lo que esto significa en términos más generales es que, cuando se calienta suficientemente, el óxido rojo de hierro utilizado en la receta de glaseado natural soltara un átomo de oxígeno. Como las burbujas de oxígeno liberado se suben a la superficie del esmalte, que arrastre un poco de la magnetita con ellos y depositan en la superficie. Queda una mancha negra áspera en la superficie del esmalte que es un color diferente que el esmalte circundante, debido a la mayor concentración de óxido de hierro en esa pequeña zona y su posterior oxidación a durante el enfriamiento.   

Una vez más enfriamiento permite cristales de superficie máxima. Alfareros pueden "disparar por" un horno para ayudar a lograr este efecto. Durante un disparo normal, el horno es llevado lentamente a una temperatura máxima añadiendo combustible, abastecimiento de combustible se detiene y el horno se deja enfriar lentamente por la pérdida de calor al aire alrededor de él. Para disparar por un horno, el alfarero sigue sumando una cantidad limitada de combustible después de que se alcance la temperatura máxima para retardar el proceso de enfriamiento y evitar los esmaltes fundidos durante el mayor tiempo posible. 

Tenmoku esmaltes pueden variar en color de ciruela oscuro (caqui), a amarillo, marrón, negro. 

Los dos tipos más comunes de esmalte son: 

·        Youhen

·        Yuteki

Tazón de fuente del contemporáneo chawan con marrón tenmoku esmalte

Copa contemporáneo sake con el esmalte azul tenmoku, por Kamada Kōji

Periodo Azuchi-Momoyama

Desde mediados del siglo XI al siglo XVI, Japón importó mucho chino celadon greenware, porcelana blanca y cerámica azul y blanco. Japón también cerámica China importada, así como cerámica coreana y vietnamita. Dicha cerámica China (Tenmoku) fueron mirados como elementos sofisticados, que las clases altas se utilizan en la ceremonia del té. Los japoneses también ordenaron cerámica personalizados de los hornos de China. 

Desorbitado de las importaciones también vino de Luzón y fue llamado Rusun-yaki o "artículos de Luzón", así como Annan de Annam, norte de Vietnam. 

Período Sengoku 

Con el surgimiento del budismo en el siglo XVI, principales maestros de té introdujo un cambio de estilo y favorecido humilde té coreano y cerámica doméstica más sofisticada porcelana China. El maestro de té influyente Sen no Rikyū (1522-1591) dio vuelta a estilos japoneses nativos de cerámica rústico simple, a menudo imperfecta, que admiraba por su "espontaneidad resistente", un "cambio decisivo" de enorme importancia para el desarrollo de los japoneses cerámica, la familia Raku (nombrado después de la cerámica en lugar de al revés) suministra cuencos de té de loza vidriada en marrón. Mino, Bizen, Shigaraki (cerámica Shigaraki), Iga (similar a Shigaraki) y otros hornos domésticos también suministran utensilios de té. El artista-potter Hon'ami Kōetsu hizo varios tazones de té ahora considera obras maestras. 

Durante de Toyotomi Hideyoshi 1592 invasión de Corea, las fuerzas japonesas trajeron alfareros coreanos como esclavos a Japón, aunque también hay evidencia de la inmigración voluntaria anterior. Según la tradición, uno de los secuestrados, Yi Sam-pyeong, descubrió una fuente de arcilla de porcelana cerca de Arita y fue capaz de producir la primera porcelana japonesa. Estos alfareros también trajeron tecnología mejorada horno noborigama o levantamiento de horno, corriendo una ladera y que permite temperaturas de 1400 ° C para llegar, pronto fueron comenzados los hornos Satsuma, Hagi, Karatsu, Takatori, Agano y Arita. 

Periodo Edo 

En el 1640, las rebeliones en China y las guerras entre la dinastía de Ming y los manchúes habían dañado muchos hornos, y en 1656 – 1684 el nuevo gobierno de la dinastía Qing había dejado el comercio por el cierre de sus puertos. Los refugiados chinos eran capaces de introducir técnicas de refinada porcelana y esmalte a los hornos de Arita. De 1658, la compañía holandesa de la India oriental compraba a Japón la porcelana azul y blanca para venderla en Europa en aquel tiempo, los hornos de Arita como el horno Kakiemon podría no todavía suministrar suficiente porcelana de calidad para la Dutch East India Company, pero rápidamente ampliaron su capacidad. De 1659 – 1740, los hornos de Arita fueron capaces de producir enormes cantidades de porcelana para la exportación a Europa y Asia. Poco a poco los hornos chinos se recuperaron y desarrollaron sus propios estilos de los productos esmaltados muy coloridos que los europeos encuentran atractivos, incluyendo famille rose, famille verte y el resto de ese grupo. De alrededor de 1720 hornos chinos y europeos también comenzaron a imitar el estilo Imari esmaltado en el extremo inferior del mercado, y por el año 1740 el primer período de porcelana de la exportación japonés pero cesaron. Arita los hornos también suministran utensilios domésticos como el supuesto enamelware de Ko-Kutani. 

La porcelana se exportaba también a China, muchas de los cuales fue revendida por comerciantes chinos a las otras "Indias orientales empresas europeas" que no se les permitía el comercio con Japón. Se ha sugerido que la elección de estos artículos fue principalmente dictada por el gusto chino, que prefirió Kakiemon mercancías "Imari", que representa una disparidad visible en colecciones europeas tempranas que puede ser reconstruida entre los holandeses y los de otros países, como Inglaterra, Francia y Alemania, porque Imari fue el puerto de envío, algunas porcelanas, para exportación y uso doméstico, se llamaban Ko-Imari (antiguo Imari). La costumbre Europea ha sido generalmente llamar mercancías azules y blancas "Arita" y el azul, el rojo y el oro unos "Imari", aunque en realidad ambas fueron hechas a menudo en los mismos hornos alrededor de Arita. En 1759 el pigmento esmalte rojo oscuro conocido como bengara se convirtió en industrial disponible, conduciendo a un renacimiento rojizo del estilo naranja 1720 Ko-Imari. 

En 1675, la familia Nabeshima que gobernó Arita estableció un horno personal para hacer porcelana de esmalte de alta calidad para las clases altas en Japón, que se llama cerámica Nabeshima. Utiliza principalmente la decoración en estilos japoneses tradicionales, a menudo a partir de textiles, en lugar de los estilos de origen chino de más cerámica de Arita. Ware Hirado fue otro tipo de porcelana inicialmente reservado para presentación como regalos políticos entre la élite, concentrándose en la pintura muy fina en azul en un cuerpo blanco inusualmente fino, para que desplazarse fueron pintores contratado. Estos dos tipos representan la porcelana más fina producida después del comercio de exportación que se estancaron por el 1740s. A diferencia de la cerámica Nabeshima, Hirado pasó a ser un exportador importante en el siglo XIX. 

Durante el siglo XVII, en Kioto, capital imperial de Japón, hornos producidos sólo desactive cerámica esmaltada en plomo que se asemejaba a la cerámica del sur de China. Entre ellos, potter Nonomura Ninsei inventó un esmalte overglaze opaco y con templo patrocinio fue capaz de perfeccionar muchos diseños de estilo japonés. Su discípulo Ogata Kenzan inventó un estilo idiosincrásico de Artes y oficios y Kyōyaki (cerámica de Kyoto) llevó a nuevas alturas. Sus obras fueron los modelos Kyōyaki más adelante. Aunque cuerpos de porcelana fueron introducidos al Kyōyaki por Okuda Eisen, overglazed cerámica todavía florecida. Aoki Mokubei, Ninami Dōhachi (ambos discípulos de Okuda Eisen) y Eiraku Hozen ampliaron el repertorio de Kyōyaki. 

A finales del siglo XVIII y principios del siglo XIX, la arcilla de porcelana blanca fue descubierta en otras áreas de Japón y fue comercializada internamente y los alfareros podían moverse más libremente. Comerciantes y señores locales establecieron muchos hornos nuevos (p. ej., horno de Kameyama y Tobe del horno) para beneficio económico y hornos antiguos como Seto se reinició como hornos de porcelana. Estos muchos hornos se llaman "Nuevos hornos" y popularizó la porcelana en el estilo de los hornos de Arita entre la gente común. 

Plato grande de la exportación, c. 1660-1670, cerámica Arita, porcelana de pasta dura con overglaze esmaltes, la decoración dibujo en Kraak porcelana de exportación de China, aunque esto es normalmente en azul y blanco.

La Porcelana de exportación japonesa incluye una amplia gama de porcelana que fue hecha y decorada en Japón principalmente para la exportación a Europa y luego a América del norte. La producción para la exportación en el oeste cae casi en su totalidad en dos periodos, primero entre el 1650s y el 1740s, y el período de la década de 1850 hacia adelante. 

Las mercancías producidas son una mezcla compleja y variable de estilos, basados en porcelana china, el local de porcelana y cerámica japonesa (influenciada por la porcelana de Corea) y estilos europeos y gustos. A menudo las formas fueron dictadas por los mercados de exportación, pero la decoración era predominante asiática. En el primer período de la gran mayoría de las mercancías fueron producida en la zona de Arita, en la antigua Provincia de Hizen y están cubierta por los términos cerámica Arita (o cerámica Hizen), cerámica Imari y Kakiemon, que tienen complicaciones en sus significados en inglés. 

Cerámica Arita azul y blanco jarra de porcelana bajo vidriado con tapa plata holandesa de 1690

Período temprano 

La porcelana China de exportación para los mercados europeos fue un comercio bien desarrollado antes de la producción japonesa de porcelana comenzara, pero los hornos japoneses fueron capaces de tomar una parte significativa del mercado desde el 1640, cuando las guerras de la transición entre la dinastía Ming y la dinastía de Qing interrumpen la producción de la porcelana de Jingdezhen que compone el grueso de la producción para Europa y de hecho fueron anteriormente muy popular en Japón sí mismo. 

Plato con la mujer de la corte japonesa y aves, cerámica Imari, 1710-1730

La política de Sakoku del cierre de Japón a los extranjeros, en 1639, permitió solamente a la Dutch East India Company y los chinos para enviar las exportaciones de Japón, después de 1641 a través de factorías muy controladas en Nagasaki, los holandeses en Dejima. Los chinos luego revendieron cargas a otros europeos en China. Los holandeses comenzaron a comprar a pequeña escala en el 1650, por pedido de 4.149 piezas en 1656. Pero en 1659 se ordenaron 64.866 piezas, empezando el comercio a gran escala que iba a continuar durante casi un siglo; años más tarde fueron a menudo pedidos de  seis cifras de piezas. Para el resto del siglo, la gran mayoría de porcelana japonesa fue hecha para la exportación. La compañía holandesa también envió a Japón las grandes cantidades de cobalto para el color bajo vidriado azul. Así como en Europa, cantidades significativas fueron desembarcadas por los holandeses en la India, Persia y Asia Sur-Oriental, este comercio parece haber sido precedido por las exportaciones de mercancías del celadon Arita para el sudeste de Asia, donde aparecen más ejemplos. 

El gran pedido en 1659 abrumó los hornos en Arita y tomó dos años para cumplir, con la ayuda de otros hornos y la construcción de muchos nuevos más grandes en Arita, como ha revelado la arqueología. Después de algunos años parece haber sido cerca de doce hornos en Arita haciendo exportación de mercancías y solamente uno o dos productores para el mercado interno. 

Las cargas holandés que llegó a Europa (más bien que se venden en el camino de vuelta, en la India por ejemplo) fueron vendidas en subasta en Amsterdam. Las compras chinas de porcelana fueron vendidas en los puertos chinos, en gran parte a las empresas comerciales. Las mercancías que llegan a países europeos difieren considerablemente, probablemente debido a las decisiones de los exportadores iniciales. Kakiemon es mucho más común en antiguas colecciones europeas fuera de Holanda (Inglaterra, Francia y Alemania), probablemente porque el chino apreció. Cerámica de alta calidad "Kenjo-Imari" se encuentra más en Alemania que en otros lugares. 

La Porcelana japonesa generalmente tiene precios más altos en Europa que las mercancías chinas y no fue hasta el siglo XVIII que las fábricas en Europa empezaron a producir su propia porcelana, por lo que el comercio era muy rentable para los holandeses, así como para los productores japoneses, que eran menos eficientes que los chinos. Pero por el año 1720 las mercancías chinas llegaron a ser más atractivas para Europa, en términos de precio y calidad tanto las exportaciones japonesas disminuyeron, dejando casi por el año 1740 la exportación, cuando la producción de la porcelana europea fue aumentando rápidamente. El comercio ya se había reducido desde el año 1680, como los holandeses se estaban ocupados con guerras en Europa, y los chinos con más hornos alcanzado la productividad total. 

Mercancías y estilos 

Kakiemon tetera, 1670-1690

Generalmente las formas siguieron las necesidades europeas, siguiendo modelos proporcionados por los holandeses; grandes platos aplanados también satisfechos requisitos gastronómicos del Medio Oriente y sudeste asiáticos. Los holandeses también suministran modelos de los estilos chinos de la decoración que querían, pero al parecer éstos se copiaron en madera de originales chinos por escultores holandeses. La importación de cerámica extranjera fue prohibida por el gobierno japonés en 1668, aunque algunas piezas más tardías parecen haber llegado a Japón; antes de que los señores japoneses pidieran ejemplos de cerámica de Delft. una forma de mercancías de exportación raramente producida en Japón, a diferencia de la China, eran mercancías armorial, al menos en parte debido a la dificultad en "Reclusión" de Japón de obtener los diseños de Europa para los decoradores japonés. Hubo algunas excepciones alrededor de 1700. 

En las mercancías azules y blancas, inicialmente el estilo algo tosco de la porcelana de la exportación de la cerámica china conocida como cerámica Kraak fue imitado por formas "abiertas" como vajilla. Esto parece haber sido originalmente diseñado por los chinos para los mercados asiáticos islámicos, pero se volvió popular entre los europeos, las formas "Cerradas" como jarrones y botellas imitaban a chino "mercancías de la transición", que mucho había sido exportada a Japón desde la década de 1620 Productos japoneses en el estilo de fechan en su mayoría de 1660-1680. Estos fueron libremente pintados con escenas en bajo vidriado azul. 

Mercancías de Arita con overglaze decoración ("esmaltes") en una amplia gama de colores se llaman tradicionalmente cerámica Imari como un grupo amplio, aunque a menudo fueron realizados en los mismos hornos redondo Arita como mercancías azul bajo vidriado. Imari fue meramente puerto local desde donde se enviaron a los holandeses y chinos en Nagasaki y no un centro de producción. Un grupo grande está decorado bajo vidriado azul, overglaze rojo y oro, con negro para los contornos y a veces otros colores, se agregaban. El color es rico y tiende a cubrir la mayor parte de la placa, con muchos diseños basados en plantas, esto contrasta con el estilo de Kakiemon, con un cuerpo blanco muy puro y escaso pero muy luminoso de decoración en un estilo ampliamente chino, de aves y animales, escenas de figura y decoración vegetal. En Imari algunas mercancías cayeron también bajo el vidriado azul. 

El último de los grandes grupos es Ko-Kutani ware, una colección compleja de productos definida principalmente por sus paletas de colores overglaze y generalmente el tono algo oscuro, así como una tendencia a reflejar lo tradicional japonés en lugar de chino influye en su decoración. A pesar de que Kutani siendo un lugar, parece que pocos que se han hecho allí, y sin duda muchos se hicieron alrededor de Arita. 

Cerámica de Kutani (Kutani-yaki) es un estilo de porcelana japonesa tradicionalmente se supone que de Kutani, ahora parte de Kaga, Ishikawa, en la antigua Provincia de Kaga se divide en dos fases: Ko-Kutani (Kutani antigua), de los siglos 17 y 18 y Saikō-Kutani de la producción renovada en el siglo XIX. Las mercancías más prestigiosas de Ko-Kutani son reconocidas por estudiosos a ser un grupo complejo y muy mal representado, muy a menudo no de Kutani. 

En reconocimiento a la comprensión moderna que mucho, si no la mayoría, de la producción de Kutani Ko era alrededor Arita, las mercancías ahora se agrupan a veces con cerámica Imari (tal vez como "Ko-Kutani tipo"), o las agrupaciones más amplia de mercancías Arita o cerámica Hizen. 

Ko-Kutani (antiguo Kutani) cinco colores Iroe tipo jarra con diseño de pájaro y flor en esmalte overglaze, periodo Edo, siglo 17

El término kutani significa "Nueve valles". La primera mención fue en 1655 durante la época de Meireki. Según la tradición, se encontraron piedras adecuadas para la fabricación de porcelana en las minas de Kutani del clan de Daishoji. Gotō Saijirō, un miembro del clan de Maeda, fue enviado por órdenes del Señor Maeda Toshiharu el dominio de Kaga a Arita, en la provincia de Hizen para aprender a hacer porcelana. Él instaló un horno en la Villa de Kutani. Los señores del dominio de Kaga se convirtieron en grandes mecenas de Kutani. La porcelana de este período temprano se llama específicamente Kutani antigua (Ko-Kutani) y son muy raras. Ko-Kutani gozó de popularidad en las próximas décadas después de 1655. Los estilos de la vieja Kutani eran Aote, que utilizan colores verde oscuro, amarillo, azul oscuro y púrpura e Iroe, que utilizan colores rojo, verde, púrpura, azul oscuro y amarillo. Arita sin embargo también produjo un número de buques en el estilo de ko-Kutani, así como porcelana de Kakiemon. 

La producción de repente cerró en 1730. Se discuten las razones de este cierre. Las teorías presentadas incluyen que los suministros de los pigmentos necesarios para el acristalamiento eran difíciles de encontrar, o que hubo dificultades financieras. Más tarde se erigió una Estela en la piedra del monumento a Gotō cerca de un viejo horno de cerámica de Kutani en Kaga. 

Saikō-Kutani 

En 1804, o posiblemente en 1807, la producción fue restablecida con la ayuda de varios kamamoto o alfareros de producción. Una nueva pintura overglaze técnicas de varios kamamoto fueron infundidas en el desarrollo de lo que se conoce como (saikō-Kutani). En el siglo XIX el estilo cambió a un diseño más rojo llamado aka-e, que cuenta con diseños intrincados. La técnica de oro se llama de kinran, y la combinación se convirtió de kinran aka-e Kutani. 

Una muestra en el exterior de importantes exposiciones fue en 1873 en la Exposición mundial de Viena, donde fue exhibida de kinran. Esto ayudó a difundir su popularidad y contribuyeron al crecimiento de las exportaciones a Europa. El estilo de producir la cerámica Kutani como una artesanía tradicional en 1975. Hay ahora varios cientos compañías que producen cerámica de Kutani. 

Muchos artistas hoy en día se encuentran en Komatsu, Ishikawa y Terai. Los artistas bien conocidos son Tatsuya Mitsui, Buzan Fukushima (que se especializa en aka-e), Takayama Kazuo (b. 1947) y Akaji Ken (n. en 1938) que trabajan en el estilo tradicional y Tojiro Kitade y Fujio Kitade que trabajan en la movimiento moderno. Tokuda Yasokichi III (1933-2009) fue señalado un Tesoro nacional vivo para su trabajo de esmalte en ao de ko-Kutani. Yoshida Minori (b. 1932) es un tercer maestro de la generación que está especializado en la técnica de yūri kinsai y fue designado también un tesoro nacional vivo. Asakura Isokichi II (1913-1998) también fue reconocido y recibió la Orden de la cultura en 1996. 

Aparte de los tradicionales buques tal chawan, Kutani artistas han ramificado hacia fuera en los últimos tiempos para producir artículos como una zapatilla hecha de porcelana con colores vivos y accesorios tales como unidades flash USB. 

La cerámica de Kutani está marcada por vivos colores oscuros con una  estética lujosa. La teoría es que los inviernos largos, ásperos y gris de la región de Hokuriku condujeron a un deseo entre personas que viven allí para que la cerámica mostrara colores fuertes y atrevidos. El estilo clásico de cinco colores se conoce como gosai-de que incluye verde, azul, amarillo, morado y rojo. Los diseños son atrevidos normalmente representan paisajes, la belleza de la naturaleza y gente y cubren la mayor parte de la superficie de cada pieza.

Seis técnicas de vidriado sobre diferentes dominan el formulario revisado de Kutani: 

·       Estilo Mokubei, influenciado por el de técnicas de pintura de tinta China. 

·       Estilo Yoshidaya, marcado por los colores de azul verde, amarillo, morado y oscuro como el de base 

·       Estilo Eiraku, que está en contraste con el estilo Yoshidaya , con sus simples recubrimientos de oro en la primera capa de color rojo 

·       Estilo de Iidaya o el Hachirode, que rompe con el estilo convencional de Kutani inspiradas en la naturaleza, con diminutas pinturas de figuras humanas en una mezcla oro rojo aka-e kinran-de fondo 

·       Estilo Shoza, una mezcla de todas las cuatro técnicas de overglazing.

En un proceso de producción normal el artesano recibe una pieza de cerámica blanca llana. El artesano pintará un patrón fino de komon, que aparece también en kimono. Los contornos están pintados con Zafre, que consta de óxido de cobalto. El recipiente entonces se cuece en el horno, que convierte el Zafre oscuro. Toma alrededor de siete horas para terminar. La superficie es cubierta entonces otra vez en intervalos regulares. Para los patrones y la decoración, por ejemplo, los cinco colores llamados gosai-de hechos de esmalte vítreo están pintados en la embarcación con trazos gruesos, hacer toda la obra tridimensional más al final. La proporción utilizada en cada esmalte determina los tonos específicos de los colores. El recipiente entonces se cuece otra vez en el horno a 800 grados centígrados. La reacción química por el calor convierte el pigmento en los colores translúcidos deseados por el artesano. La pintura se transforma en un vidrio transparente y el diseño fino komon le da profundidad. 

Hornos eléctricos en la actualidad se prefieren ya que reducen el margen de error. 

Una característica única de cerámica de Kutani es la aplicación de la fina caligrafía llamada saiji, que es miniatura en tamaño. El fundador de este arte se considera la AOD Seizan, que primero fue pionero en esta forma en la era temprana de Meiji. Él escribió poemas chinos clásicos dentro de tazas de té y sake con pinceles más finos. Por 1900 también comenzó a escribir en caracteres japoneses. Entre sus logros estaban escribiendo todos los poemas del Ogura Hyakunin Isshu dentro de una taza de estilo occidental tres centímetros de diámetro y 500 waka poemas del Emperador Meiji dentro una japonesa taza de té. Su yerno Tamura Kinsei continuaron el oficio y se lo pasó a su nieto Tamura Keisei (b. 1949), que sigue el arte. Escribe la caligrafía también en el exterior de los recipientes tales como quemadores de incienso. En 2005, fue designado una propiedad Cultural Intangible por el gobierno de la Prefectura de Ishikawa. 

Estilo de Ko-Kutani, 1650s o 1660

Ko-Kutani porcelana cuatro colores Aote tipo placa con diseño de flores en el esmalte, finales del siglo XVII, periodo Edo

Un plato ligero de Ko-Kutani, siglo 17

Bandeja de dulces de porcelana Kutani Saikō estilo con bajo vidriado flor y hojas esmaltes decoración y overglaze, c. 1825, último período del Edo 

Plato de porcelana de Kutani Saikō con Li Bo monta una carpa, siglo XIX, periodo Edo

Cerámica Imari (Imari-yaki) es un término occidental para un estilo de vivos colores de la cerámica Arita (Arita-yaki) Porcelana de exportación japonesa realizado en el área de Arita, en la antigua Provincia de Hizen, noroeste Kyūshū. Fueron exportadas a Europa en grandes cantidades, especialmente entre la segunda mitad del siglo XVII y la primera mitad del siglo XVIII. 

Normalmente bajo vidriado azul, rojo, oro, negro para los contornos, y a veces otros colores, en overglaze decoración cerámica Imari (en el uso inglés del término). En los diseños florales más característicos la mayor parte de la superficie es coloreada, con "tendencia a la overdecoration que conduce a la irritabilidad". El estilo tuvo tanto éxito que los productores chinos y europeos empezaron a copiarlo. A veces los diferentes estilos de overglaze de Kakiemon y la cerámica Kutani se agrupan también bajo cerámica Imari. 

El nombre deriva del puerto de Imari, Saga de la que fueron enviados a Nagasaki, donde la Dutch East la India Company y los chinos tenían puestos de comercio. En el oeste la multicolor o mercancías "esmaltado" llegó a ser conocidas como "Cerámica Imari" y un grupo diferente de kakiemon, mientras que mercancías azules y blancas fueron llamadas "Cerámica de Arita"; de hecho los tipos fueron producidos a menudo en los mismos hornos. Hoy en día, ha disminuido el uso de "Imari" como un descriptor, y se llaman a menudo mercancías de Arita (o mercancías de Hizen, después de la antigua provincia). Cerámica Imari fue copiado en China y Europa y ha sido producido continuamente hasta la actualidad. 

"Principios Imari" agua tarro, 1630

«Imari temprano» (shoki imari) es un término tradicional y algo confuso utilizado para productos muy diferentes que se hicieron alrededor de Arita antes de 1650. Las porcelanas son generalmente pequeñas y escasamente pintadas bajo vidriado azul para el mercado interno, pero también hay algunos platos grandes verde celadón, aparentemente hechos para el mercado asiático, un representante es el gres. 

"Imari" era simplemente el puerto de transbordo para las mercancías de Arita, de donde partían a los puestos de comercio exteriores en Nagasaki. Los hornos en Arita formaron el corazón de la industria japonesa de la porcelana. 

Los hornos de Arita se establecieron en el siglo XVII, después de que el caolín fuera descubierto en 1616. Una leyenda popular atribuye el descubrimiento a un alfarero Coreano inmigrante, Yi Sam-pyeong (1579-1655), aunque la mayoría de los historiadores considera esto dudoso. Después del descubrimiento, algunos hornos empezaron a producir revisado el estilo coreano azul y blanco de la porcelana, conocida como Imari temprano o "Shoki-Imari". 

En la mitad del siglo XVII había también muchos refugiados chinos en el norte de Kyushu debido a la agitación en China, y se dice que uno de ellos trajo el esmalte overglaze para colorear la técnica a Arita. Así Shoki-Imari convertido en Ko-Kutani Imari y más adelante Kakiemon, que a veces se toman como un grupo más amplio de mercancías de Imari. Ko-Kutani fue producido alrededor de 1650 para exportación y mercado interno. La cerámica de Kutani se caracteriza por los colores verdes, azul, púrpura, amarillos y rojos vivos en audaces diseños de paisajes y naturaleza. Piezas de porcelana azul y blanca continuaron su producción y se les llama Ai-Kutani. Imari Kutani KO para el mercado de exportación generalmente había adoptado estructura y diseño chino como estilo kraak, considerando que Ai-Kutani para el mercado interno era único en diseño y en consecuencia valorado mucho entre los coleccionistas. 

El estilo Ko-Kutani convertido en estilo de Kakiemon Imari, fue producido por cerca de 50 años alrededor de 1700. Kakiemon se caracteriza por líneas nítidas y brillantes diseños azul, rojos y verdes de dramáticamente estilizado florales y escenas de aves. Imari logra su apogeo técnico y estético en el estilo de Kakiemon y dominó el mercado europeo. Kakiemon azul y blanco se llama Ai-Kakiemon. El estilo de Kakiemon transformado en Kinrande en el siglo XVIII, utilizando azul bajo vidriado y overglaze esmaltes oro y rojo y más tarde los colores adicionales. 

Imari comenzó a exportarse a Europa cuando los hornos chinos en Jingdezhen fueron dañados en el caos político y el nuevo gobierno de la dinastía Qing interrumpió el comercio en 1656-1684. Las exportaciones a Europa fueron hechas a través de la Dutch East India Company, y en Europa la designación "Porcelana de Imari" connota mercancías de Arita sobre todo Kinrande Imari. 

La exportación de Imari a Europa detuvo a mediados del siglo XVIII,  en cambio China reanudará su exportación a Europa, puesto que Imari no era capaz de competir contra productos chinos debido a altos costos. En ese momento, sin embargo, los estilos Imari y Kakiemon eran ya tan populares entre los europeos que la porcelana de exportación china había copiado ambos, un tipo conocido como Imari chino. Al mismo tiempo, hornos europeos, Meissen como alfarerías inglesas Johnson Bros como Derby de corona (real), también imitaban los estilos Imari y Kakiemon. 

La exportación de Imari surgió a finales del siglo XIX (era Meiji) cuando el japonismo floreció en Europa. Así en el mundo occidental hoy en día, hay dos clases de Imari japonés pueden encontrarse: los que se  exportaron en el período mediados de-Edo, y la exportación en la era Meiji. Desde el punto de vista de los coleccionistas, estos dos tipos son completamente diferentes, aunque las apariencias Kinrande son similares. 

Imari siglo 18 cubierto sopera en el Museo del distrito, Tarnów es un ejemplo de la porcelana de exportación por la Commonwealth Pulir-Lituana magnateria.

Características

Aunque hay muchos tipos de cerámica Imari, generalmente del tipo llamado en Occidente kinrande fue  producido para la exportación en grandes cantidades desde mediados del siglo XVII hasta el comercio de exportación en cola alrededor de 1740. Kinrande tiene rojo de overglaze y azul de cobalto bajo vidriado y oro y a veces otros colores. La combinación de colores no fue vista en China en aquel momento. La tradicional dinastía de Ming de la porcelana color dominante usa rojo y verde, probablemente debido a la escasez de oro en China, mientras que el oro era abundante en Japón en esos días. 

El tema de Arita es variado, desde flores y follaje a la gente, paisaje y abstracciones. Algunos diseños como porcelana de Kraak son adaptación de China, pero mayoría de los diseños era únicamente japonesa debido a la rica tradición japonesa de pinturas y vestuario. La porcelana tiene una textura arenosa en la base, donde no está cubierta por esmalte. 

Imari chino 

Jarrones de porcelana de Imari chino del período de Kangxi (1662-1722), Dinastía de Qing

Aunque se hacían utensilios sofisticados en estilo japonés auténtico en Arita para el mercado doméstico, producciones de estilo europeo de la porcelana de Arita se hicieron después de porcelana de kraak azul y blanco, imitando bajo vidriado chino "mercancías de azul y blanco", o hicieron uso de colores de esmalte encima underglazes de hierro rojo y azul cobalto. Las mercancías utilizan copioso dorado, a veces con recambio aislaron retoños viñetas, pero a menudo denso modelado en compartimientos. Había dos estilos muy diferentes en estas mercancías. Imari globular teteras con cuello de cisne caños ayudó a establecer la forma europea clásica para estas nuevas necesidades de la vida. 

Comerciantes holandeses tenían un monopolio sobre el comercio de exportación insaciable, la primera orden grande estar en Arita por la Dutch East India Company en 1656. El comercio alcanzó su punto máximo a finales del siglo XVII y fue lentamente sustituido por hornos de China a principios del siglo XVIII; terminó en 1756, como las condiciones sociales en China se establecieron con el completo establecimiento de la dinastía Qing. Imitando diseños de Arita, fino "Imari chino" exportación mercancías fueron producidas en el siglo XVIII, eclipsando a la original japonesa las exportaciones. 

Imari europeo 

Tazón de porcelana en el estilo Imari con escenas de jardín, crisantemos y peonías, pintados, elevación del oro. La fábrica imperial de porcelana vienesa, 1744/49

Centros europeos imitaban el estilo de mercancías Imari, inicialmente en la loza en Delft en los países bajos. Patrones de Imari, así como diseños de "Kakiemon" y paleta de colores, influyeron algunas mercancías orientalizante tempranas producidas por las fábricas de porcelana en Meissen, Chantilly, o más tarde en Vincennes y en Viena. También fue producido a principios del siglo XIX en fábrica de porcelana de Worcester de Robert Chamberlain en Worcester, así como porcelana Crown Derby, donde patrones de Imari siguen siendo populares hasta el presente. 

Kakiemon es un estilo de porcelana japonesa, con decoración overglaze llamada cerámica "esmaltada". Originalmente fue producida en las fábricas de Arita, en la provincia de Hizen de Japón (hoy Prefectura de Saga) desde el periodo Edo de  mitad del  siglo XVII. El estilo comparte mucho en común con el estilo chino "Famille Verte". La calidad de su decoración fue muy apreciada en el oeste y ampliamente imitada por fabricantes de porcelana europea importante durante el período rococó. 

Kakiemon es un término que genera cierta confusión, es el nombre de una familia, de uno o más hornos y un estilo de overglaze de vivos colores ampliamente imitando las mercancías chinas. El estilo se originó con la familia, cuyos hornos fueron los principales productores de él, pero también hizo otros hornos y los hornos de Kakiemon fabricaron otros estilos. La gama de colores y estilo y muy probablemente el horno, estaban en el lugar por el 1680. El estilo es un subtipo de lo que se llama en el oeste de cerámica Imari, la overglaze color variedad del grupo más amplio de la cerámica Arita, dominante en la porcelana de la exportación del japonés en su primer período de éxito, hasta el 1740. 

El estilo fue copiado rápidamente por las nuevas fábricas de porcelana europea que apareció en el siglo XVIII, como Meissen en Alemania, Chantilly en Francia y Chelsea en Inglaterra. Los chinos también comenzaron a copiar el estilo de porcelana de exportación de China. Por unos 1760 había caído en gran parte de la moda en Europa. 

El alfarero Sakaida Kakiemon 1596-1666, popularmente se le atribuye ser uno de los primeros en Japón en descubrir el secreto de la decoración de esmalte de porcelana, conocida como akae. El nombre "Kakiemon" fue otorgado a Sakaida por su Señor, después de que él perfeccionó un diseño de doble caqui (kaki), desarrollando así la paleta distintiva de rojo suave, amarillo, azul y verde turquesa ahora asociados con el estilo de Kakiemon. 

El nombre de Kakiemon se utiliza a veces como un término genérico que describe las mercancías de Arita o mercancías Imari hecha en las fábricas de Arita usando el esmalte overglaze característico kakiemon y estilos decorativos. 

El horno Kakiemon parece haber sido establecido por el 1680, cuando también se desarrolló la técnica de decoración. La historia temprana y la propiedad no son muy claras, y en este período la empresa Kakiemon real puede haber sido un taller de decoración que trabajó muy de cerca con este horno, que había desarrollado un cuerpo de porcelana blanca y una cerca transparente glaseada, superior a los demás productores de Arita. Fragmentos de recinto del horno kakiemon en Shimo-Nangawarayama muestran mercancías azul y blanco sometsuke y celadon también fueron producidas. El  horno Kakiemon en Arita es un doble horno de escalada: A, con 12 cámaras, una longitud de 42 metros y una pendiente promedio de 11,5 °; y B, con 21 cámaras, de 83 metros de longitud y una pendiente media de 13°. También han recuperado herramientas saggars y horno. Se inscribió en la Lista de históricos sitios de Japón (Saga). La porcelana de Kakiemon ha sido producida por descendientes directos. Al mismo tiempo muchos otros hornos en Arita producen mercancías en el mismo estilo, algunos usando el cuerpo de nigoshide. 

Kakiemon botella cuadrada con ciruelas y flores estilizadas en dorado y esmalte. Período del Edo, 1670-1690

La porcelana de Kakiemon fue exportada de Japón en Europa a través de la Dutch East India Companyy comienzo en el 1650, a través de una variedad de otras vías. El Rey Augusto II el fuerte de Polonia y María II de Inglaterra tenían en propiedad algunas piezas. El inventario más temprano que incluye porcelana japonesa en Europa se hizo en la Casa de Burghley en 1688; Éstos incluyeron un elefante de pie con su tronco levantado y un modelo de dos luchadores. 

Mercancías incluyen los tazones, platos y placas, a menudo hexagonal, octogonal o estriado con bordes festoneados. El cuerpo de blanco famoso nigoshide fue utilizado solamente con formas abiertas y no para formas cerradas tales como jarrones, botellas y teteras o para figuras y animales. Los vasos hexagonales y cubiertas conocidas como floreros "Hampton Court" fueron nombrados después de un par en el Palacio de Hampton Court, cerca de Londres, registrado en un inventario de 1696. Alrededor de 1730, esta forma fue copiada en Meissen, Sajonia, que entró en una "hermana ciudad" contrato con Arita, en 1979. El estilo también fue adoptado y copiado en Chelsea y Worcester en la década de 1750 y por Cerámica de Sansón en el siglo XIX. Estatuillas fueron también creadas, ejemplo los elefantes de Kakiemon (Museo a británico). 

Copias de Meissen podrían estar muy cerca de los originales; por otra parte, los pintores de la fábrica a veces sólo habían prestado diseños y utilizaban con otras formas y estilos. El estilo también fue adaptado en Alemania y Austria por la fábrica de Du Paquier y en Francia, en Chantilly, Mennecy y porcelana de Saint-Cloud. También fue una influencia en la cerámica holandesa Delft y porcelana de exportación de China. 

Plato siglo 17

En 1971 la técnica artesanal fue señalada como una Importante propiedad Cultural Intangible por el gobierno japonés; un doble horno de escalada en Arita utilizado para la cocción de Kakiemon también ha designado un Sitio histórico nacional. 

Sakaida Kakiemon XIV (26 de agosto de 1934 – 15 de junio de 2013) fue señalado un Tesoro nacional vivo por el gobierno, su hijo Sakaida Kakiemon XV se convirtió en el nuevo jefe en febrero de 2014. 

Plato con rocas, bambú, prunus y aves, siglo XVII

Hojas de plato de porcelana de Arita con bajo vidriado azul, con diseño del río, vertederos y arce, c. 1650-1670

Arita Sarayama plato con diseño de overglaze esmalte policromado de ciruela y valla, 1700-1730

Cerámica Arita (Arita-yaki) es un término amplio para porcelana japonesa hecho en los alrededores de la ciudad de Arita, en la antigua Provincia de Hizen, noroeste isla de Kyūshū. También es conocido como cerámica Hizen (Hizen-yaki) después de la más amplia zona de la provincia. Esta fue la zona donde la gran mayoría de porcelana japonesa temprana, especialmente de porcelana de exportación fue hecha. 

El uso inglés "Cerámica de Arita" fue utilizado tradicionalmente para las mercancías de exportación en porcelana azul y blanca, sobre todo copiando estilos chinos. Las mercancías con mayor overglaze colores fueron llamadas Imari mercancías o (un subgrupo) Kakiemon. Ahora se reconoce que los mismos hornos a menudo más de uno de estos tipos, y "Cerámica de Arita" más a menudo se utiliza como un término para todos ellos. 

Según la tradición, el alfarero Coreano Yi Sam-pyeong (d. 1655), o Kanagae Sanbee, a menudo es considerado al padre de porcelana Arita. Esta narrativa es sin embargo disputada por muchos historiadores. Es sin embargo honrado en el Santuario de Sueyama como el fundador. 

La primera porcelana hecha en Japón siguió el descubrimiento de la arcilla de porcelana cerca de Arita cerca del final del siglo XVI. Abrió un número de hornos en la zona y se hicieron una considerable variedad de estilos, los japoneses exportación porcelana destinada a Europa a menudo con formas occidentales y decoraciones chinas. Las primeras mercancías utilizan bajo vidriado azul en decoración, pero hacia la mitad del XVII Arita estaba en la vanguardia en Japón y desarrolló overglaze decoración "esmaltada" en una gama de colores brillantes. 

Entre la segunda mitad del siglo XVII y la primera mitad del siglo XVIII fueron exportados extensamente a Europa, viajar inicialmente desde el puerto de Arita de Imari, Saga de la Dutch East la India Company puesto en Nagasaki. El tipo llamado kin-rande era especialmente popular y por lo tanto es conocido en el oeste también como cerámica Imari (Imari-yaki). Esto normalmente está decorado en azul bajo vidriado, con rojo, oro, negro para los contornos y a veces otros colores, en overglaze. En los diseños florales más característicos la mayor parte de la superficie es coloreada, con "tendencia a la overdecoration que conduce a la irritabilidad". El estilo tuvo tanto éxito que los productores chinos y europeos empezaron a copiarlo. 

Quemador de incienso de cerámica Arita (kōro) con escenas domésticas, tardío Edo período/temprano era de Meiji, siglo XIX

Cerámica Nabeshima (Nabeshima-yaki) es un tipo de cerámica japonesa, específicamente e inusualmente de alta calidad de porcelana y cerámica Arita. Fue producida por el Señor Nabeshima del horno del Dominio de Saga en Okawachi cerca de Arita, en el período Edo, para el uso y beneficio de la familia. El nombre deriva, por tanto, de la familia. El horno de Okawachi estaba ya en uso y siguió haciendo otras mercancías al mismo tiempo. La producción comenzó alrededor de 1700 y continuó hasta finales del siglo XIX, con mercancías similares producidas en otros lugares por descendientes del linaje principal al día de hoy. 

A diferencia de la mayoría de la cerámica de Arita, los diseños se basaron en las tradiciones japonesas y no chinas, especialmente los de diseño textil y a menudo están marcadas por un uso libre del espacio vacío. Gran parte de las mercancías eran platos para el alimento en grupos de cinco, con un pie de alto. Estos siguieron en forma de platos en madera lacada, que hasta entonces eran los platos comedores preferidos utilizados por la aristocracia. Nabeshima había utilizado esos mismos y les dio a otros señores feudales como regalos de prestigio. Muy pocos fueron exportados hasta la era Meiji. Una variedad de diseños se utilizan, que van desde lo abstracto a la representación. Diseños de plantas y animales, son conocidos y diseños mostrando tres frascos con una función concreta. 

La técnica también difiere de la porcelana más japonés, con los contornos del patrón en bajo vidriado azul antes de la decoración final overglaze "esmaltado". 

Nabeshima mercancías plato grande trípode con heron diseño, azul bajo vidriado, c. 1690-1710 (Propiedad Cultural importante)

Plato siglo 18

Ware de Hirado (hirado-yaki) es un tipo de porcelana japonesa se hace sobre todo en el horno a Mikawachi, Sasebo, Nagasaki, y por lo tanto es también conocido como Mikawachi ware (Mikawachi-yaki). Se hizo en el periodo feudal anterior Dominio de Hirado, propietario de los hornos y fue responsable de establecer y dirigir su producción. 

Es conocido principalmente por su sometsuke bajo vidriado cobalto porcelana azul y blanca, con la cantidad de azul a menudo baja, mostrando la modelización detallada y el color blanco muy fino de la porcelana. Esto tiene un grano más fino que la mayoría de las porcelanas japonesas, permitiendo detalle fino y complicado calado en las formas. Fue utilizado para servicios de mesa, pero destacó sobre todo por pequeñas figuras y estructurado de objetos tales como las hornillas de incienso y se apoya el pincel. Suministrando el mercado Japonés en el siglo XVIII, en la brecha entre los dos períodos principales de la porcelana de la exportación  convirtió y produjo gran parte de la mejor porcelana japonesa de finales del siglo XVIII y principios del siglo XIX. Cuando se reanudaron las exportaciones a gran escala, tuvo una buena participación en el comercio. 

La familia del daimyō de Hirado, Matsura, estableció un pueblo de alfareros coreanos a principios del siglo XVII. Hicieron gres del tipo cerámica Karatsu. En la siguiente generación, en el mediados de 1630, uno de ellos, Sanojō (1610 – 1694), descubrió una fuente buena de caolín, para porcelana, en Mikawachi. En 1637 los alfareros fueron colocados allí y al año siguiente que sanojō fue hecho Jefe Administrador de la producción local y por el 1650 tres pueblos se habían fusionado en una sola empresa, por ahora hacer porcelana, aunque probablemente no todavía exclusivamente. Como con cerámica Nabeshima, los señores de Matsura los hornos para "artículos de presentación" de la más alta calidad que se utilizan y dan como político importante se presenta para el shōgun, el emperador y otras familias de daimyō. Hijo de Sanojō, Imamura Ajibe se registra como hacer sistemas de porcelanas para la presentación para el shōgun en 1664 y el emperador en 1699, sin embargo, estas mercancías del siglo 17 son similares a algún contemporáneo de la cerámica Imari, con un tinte grisáceo en el cuerpo de porcelana, y muy diferente del estilo que iba a hacer famoso Hirado. 

Cepilla el resto en forma de muchachos con una bola de nieve, porcelana con azul bajo vidriado, 1800-1830

Un desarrollo crucial vino en 1712, cuando un alfarero de las aldeas de Hirado descubrió una mejor fuente de caolín en las islas de Amakusa frente a la costa. Esto produjo la porcelana blanca y dura superior para que Hirado mercancías llegaran a ser famosas. En los años siguientes, pintores de las escuelas Kanō y Tosa fueron traídos para la planta detallada de temas y el último para temas animales, figuras y paisajes. Orienta el estilo de decoración a un pictórico "diseño japonés vocabulario". También se amplió la gama de formas, de ser principalmente los recipientes para comida y bebida para incluir una variedad de cajas, equipos de escritorio de un académico como restos de cepillo y algunos accesorios para ropa tales como netsuke. 

Pisapapeles con flores de crisantemos y ciruela, marrón y azul bajo vidriado, siglo 19

Un motivo de "Muchachos chinos" (karako) persiguiendo mariposas con detalles de paisaje en el fondo se convirtió en un rasgo distintivo de Hirado. Inicialmente el número de niños se muestra estrictamente fue gradual, con siete representado en piezas para su presentación al emperador o shōgun, cinco daimyō y altos funcionarios y tres para otros. Más adelante muchachos similares aparecieron como figuras modelados. Vasijas escultóricas con forma de animales comenzaron a aparecer, así como diseños como relieve y figurillas pequeñas okimono que eran puramente decorativos. Estas tendencias estaban en lugar antes del crecimiento explosivo de las exportaciones tras la reapertura de Japón en la década de 1850 y fueron a tomar a los más extremos en el periodo subsiguiente. 

Muchas mercancías de Hirado fueron los recipientes para beber té, pero sobre todo para beber menos formal de sencha en lugar de la ceremonia del té japonesa, donde el tipo de taza de té (chawan) favorecido por los maestros de té eran típicamente tipos de no de porcelana más tradicionales, eran más rústicos al tacto. Pero Hirado ware era popular para los tarros de agua que utiliza para mantener el agua fría para la ceremonia del té. La configuración muy fina y acabada de Hirado ware se consideraba conveniente para muchos tipos de trozos pequeños que se clasifican como pertenecientes a la "mesa del erudito", tales como restos de cepillo, goteros de agua, pisapapeles y pantallas de escritorio. 

Aunque bajo vidriado azul sobre blanco las mercancías eran los productos principales después que el mejor caolín fue encontrado en 1712, había siempre algunos otros tipos de decoraciónes utilizados para obtener más información o como el color principal. Éstos incluyeron el uso de unglazed porcelana biscuit, un bajo vidriado celadon y otros colores y esmaltes de overglaze. Por el siglo XIX los hornos fueron también imitando cerámica Nabeshima, e incluso porcelana de Worcester.  

Jarra de agua (para la ceremonia del té) con cañas de bambú, 1ª mitad siglo XVIII

Jarra de sake de un conjunto de picnic portátil, década de 1830

Frasco de sake (Tokkuri) con paisaje, 2ª mitad siglo XVIII

Florero de finales del siglo XIX con los dragones y las olas, bajo vidriado azul y rojo

Era Meiji 

Durante la era Meiji, un montón de Artes y oficios tradicionales vivió bajo amenaza con la creciente occidentalización. Patrones tradicionales como la clase de daimyō se quedaron lejos y muchos de los artesanos perdieron su fuente de ingresos. 

Satsuma cerámica se convirtió en un principal productos de exportación hacia el oeste. 

Satsuma cerámica (Satsuma-yaki) es un tipo de cerámica japonesa originaria de la Provincia de Satsuma, meridional Kyūshū. En la actualidad, puede dividirse en dos categorías distintas: la arcilla oscurezca llano original de Satsuma principios (Ko-Satsuma) hecho en Satsuma de alrededor de 1600 y la exportación elaboradamente decorada Satsuma (Kyō de Satsuma) piezas de cuerpo de Marfil que comenzó a ser producido en el siglo XIX en varias ciudades japonesas. Adaptando sus policromada dorada esmalte overglaze y diseños para apelar a los gustos de los consumidores occidentales, los fabricantes de la cerámica de Satsuma hicieron de este último uno de los más reconocidos y rentable para la exportación de productos del período Meiji.

Los orígenes precisos y las innovaciones tempranas de cerámica Satsuma son algo obscuras; sin embargo la mayoría de los eruditos fecha su aspecto a finales de XVI o a principios del siglo XVII. La región de Satsuma era idónea para el desarrollo de hornos debido a su acceso a la arcilla local y su proximidad a la península de Corea. En 1597 – 1598, en la conclusión de Toyotomi Hideyoshide tras las incursiones en Corea, alfareros coreanos fueron llevados por la fuerza a Japón a la industria de cerámica de Kick-Start Kyūshū inexistente. Estos alfareros eventualmente principalmente se establecieron en Naeshirogawa y Tateno, que debían convertirse en el centro de la industria de la cerámica local. 

Cerámica de Satsuma principios 

La cerámica de Satsuma que data hasta los primeros años de la era Genroku (1688-1704) se refiere a menudo como Satsuma principios o ko-satsuma. Los ejemplos restantes más viejos de Satsuma son hechos de barro oscuro ricos en hierro cubierto en oscuro esmalte de gres. Antes de 1790, las piezas no fueron vistosamente adornadas, eran más bien humildes artículos de folk-mercancías destinadas para el uso diario práctico en ambientes rústicos en gran parte o para la ceremonia del té. Dado que estaban "en gran parte destinados para el uso en las cocinas de casa sombría", los ceramistas a menudo dependía de técnicas táctiles como relevación levantada, estampar impresiones y arcilla tallada para las piezas de interés. 

La intensa popularidad de la cerámica Satsuma fuera de Japón en el siglo XIX dio lugar a un aumento en la producción junto con una disminución en la calidad. Los coleccionistas buscaron piezas mayores y más refinadas de lo que erróneamente se refiere a como Satsuma principios. En realidad se trataba de piezas de mejor calidad simplemente pre-Meiji del siglo XIX, obras de otros alfareros como de Kioto Awata ware (Awata-yaki), o billetes falsos. 

1800 – 1867 

Alrededor de 1800, brocade (nishikide) decoración pintada comenzó a florecer, con una paleta de "delicado hierro-rojo, un azul brillante, un verde azulado, un suave morado negro y un amarillo muy escasamente utilizado".  Una innovación más fue el pintado dorado para el brocado (nishikide Kin). El multicolor esmalte overglaze y oro fueron pintados en piezas delicadas, cuerpo de marfil con un esmalte transparente craquelado finamente. Los diseños, a menudo ligeros, sencillos motivos florales — fueron altamente influenciados por la cerámica de Kyoto y la escuela de Kanō de la pintura, dando por resultado un énfasis en el espacio negativo. Muchos creen que esto vino de alfareros de Satsuma cuando visitaron Kyoto a finales del siglo XVII para aprender técnicas de pintura overglaze. 

1867 – 1885 

La primera presentación importante del arte Japonés y la cultura al oeste fue en la Exposición universal de París en 1867, y la cerámica Satsuma figuraban prominentemente entre los elementos que se mostraron. El gobernador de la región, el daimyō, entendido desde lo económico, prestigio y ventajas políticas de una relación de comercio con el oeste. Para mantener su conexión con Satsuma, por ejemplo, Gran Bretaña ofrece apoyo para el Daimyō en la rebelión de 1868 contra el Shogunato. La exposición de París mostró de Satsuma cerámica, laca, madera, instrumentos de la ceremonia del té, bambú mimbre y textiles bajo bandera regional de Satsuma, en lugar de Japón, como un signo de lo Daimyō antipatía hacia el nacional shogunato. 

Siguiendo la popularidad de la cerámica de Satsuma en la exposición de 1867 y su mención en Audsley y Bowes' Arte de cerámica de Japón en 1875, los dos talleres principales de producción de estas piezas, por los Boku Seikan y barbilla Jukan, se unieron a un número de otros a través de Japón. "Satsuma" dejó de ser un marcador geográfico y comenzó a transmitir una estética. Por 1873, etsuke talleres especializados en pintura elementos de gres esmaltado en blanco de Satsuma habían surgido en Kobe y Yokohama, en lugares como Kutani, Kyoto y Tokio, los talleres hicieron sus propios espacios en blanco, eliminando cualquier conexión real con Satsuma. Desde el 1890 a  principios de 1920 había más de veinte fábricas de etsuke cerámica de Satsuma, así como un número de estudios pequeños e independientes de producir piezas de alta calidad. 

Deseosos de aprovechar el creciente mercado internacional, los productores adaptan el modelo de Satsuma nishikide. El estilo resultante de la exportación demostró un pensamiento estético para reflejar los gustos extranjeros. Los artículos fueron cubiertos con millefleur-como 'llenos de flores' (hanazume) patrón o 'llenos en la pintura' (nuritsubushi). Normalmente fueron adornados con "'pintorescos'... símbolos como pagodas, plegable fanso kimono-clad [hembras]". Las piezas continúan cuentan con florales y los diseños de aves, pero lo religioso, mitológico, paisaje y escenas de género también aumentan. Había interés en la producción de piezas decorativas (okimono), tales como figurillas de mujeres bellas (bijin), animales, niños y temas religiosos. La paleta oscura fue generosa en la aplicación de oro de moriage levantado. 

1885 – años 1930 

A mediados de la década de 1880 vio el comienzo de una crisis de exportación para muchos productos japoneses, incluyendo la cerámica de Satsuma, ligada en parte a la depreciación de la calidad y la novedad a través de la producción en masa. Por el 1890, la cerámica Satsuma se había convertido generalmente denigrada por críticos y coleccionistas. Negativamente fue recibida en Chicago la Exposición Colombina de 1893, pero seguía siendo una mercancía de exportación popular en el siglo XX, convirtiéndose en "prácticamente sinónimo de cerámica japonesa" durante todo el período de Meiji. La cerámica Satsuma continuó siendo producido en serie durante el período moderno, aunque la calidad disminuyó hasta el punto donde eventualmente perdió interés para los consumidores. 

Crítica 

La respuesta de los críticos y coleccionistas a mercancías producidas en serie de Satsuma fue y es abrumadoramente negativa. Según el historiador de arte Gisela Jahn, "en ningún otro estilo de cerámica los japoneses llegaron a tales extremos para tratar de apelar a los gustos occidentales y en ninguna otra parte fueron más evidentes los efectos perjudiciales de la producción en masa", en un esfuerzo por producir artículos baratos, populares, los diseños de la cerámica Satsuma se convirtieron en "superpobladas", "chillón" y "deslumbrante", nunca hubo una demanda interna de estas piezas, que fueron vistas generalmente como la "traición de la tradición japonesa". Coleccionistas extranjeros también dieron la espalda a la exportación de obras como "pâte crudo, calcáreo, cubierto con el esmalte grueso agrietado, en la que más a menudo que de lo contrario un exceso de feldespato ha producido depósitos decolorados sugieren lo contrario de habilidad técnica». 

Satsuma té almacenamiento Jarre (chatsubo) con patrón de paulownia y el trueno, Edo tardío, alrededor del año 1800-1850

Tazón de fuente con una multitud de mujeres, era Meiji, c. 1904, taller Kinkōzan, Yabu Meizan

Tazón de porcelana detalle c. 1870

Tipos 

Taza de té Satsuma esmalte blanco en forma de hoja de loto, periodo Edo, siglo 17

Además de los tipos nishikide y exportación de mercancías, existen diferentes categorías de mercancías del Satsuma, cada uno con su propia estética distinta. 

·       Shiro Satsuma: blanco esmaltado; originalmente solamente para uso en daimyō de hogar. 

·       Kuro Satsuma: cuerpo negro con oscuro

·       Jakatsu: azul, amarillo y negro esmaltes correr junto con blanco overglaze. 

·       Sunkoroku Satsuma: piezas viejas en la cerámica de Sawankhalok de Tailandia del siglo XIII, decorada con diseños geométricos marrón. 

·       Mishima Satsuma: arcilla con el esmalte gris azulado claro, con un diseño geométrico con incrustaciones o impresionado con blanco resbalón overglaze. 

·       Azul y blanco Satsuma: producida en la primera década del siglo XIX; grandes piezas con diseños de inspiración China, a menudo paisajes. 

·       Satsuma de Gosu azul: produce en cantidad limitada en Kyoto en mediados del siglo XIX; piezas con sobre - o debajo - esmaltar que contienen minerales como cobalto asbolite, que da un tono azulado y una calidad más viva a imágenes pintadas. 

Artistas 

No todos los productores de finales de XIX y principios del siglo XX de la cerámica Satsuma sacrificaban calidad para complacer al auge de la exportación. Algunos artistas prominentes de los periodos Meiji y Taishō incluyen: 

·       Taizan Yohei IX (1856 – 1922)

·       Itō Tōzan (1846-1920)

·       Kinkōzan Sōbei VI (1824 – 1884), Kinkōzan Sōbei VII (1867 – 1927)

·       Yabu Meizan (1853-1934)

·       Barbilla Jukan XII (1835 – 1906)

·       Miyagawa Kōzan (Makuzu) (1842-1916)

·       Seikozan 

·       Ryozan

La mayoría de estos artistas establece talleres de etsuke alrededor de 1880, coincidiendo con la caída de la exportación. Aunque ellos exportan, estilísticamente sus piezas demostraron su deseo de volver a la tradición. Sus trabajos son reconocidos por un "estilo discreto" y "escasamente distribución de motivos" pintado temas a menudo tomados de clásicos de la literatura, leyendas heroicas, o representaron renders nostálgicos de la vida en Kyoto pre-Meiji. A principios de siglo XX los artistas también comenzaron a incorporar técnicas occidentales y estilos, incluyendo perspectiva y colores apagados, así como el uso del oro líquido (suikin), que fue desarrollado originalmente por Meissen de Alemania. 

Marcas 

Mientras que la cerámica japonesa mayor a menudo no tienen sellos ni firmas, artículos hechos después de 1870, en particular, puede llevar una variedad de marcas además de la de la artista. 

Placa, Chōshūzan taller de cerámica con esmalte overglaze, oro y blanco, decorado por Jissei después de un diseño por Yoshisada, sin fecha

Frasco cubierto octogonal, taller Hotoda, sin fecha

Acanalado de tarro con tapa de incienso, barro con overglaze y oro, taller de Seikozan, sin fecha

Tetera de loza con overglaze y oro, taller de Shutsuzan, sin fecha

Era de Taishō 

La cerámica japonesa fuertemente influenciada por el británico Bernard Leach (1887-1979), considerado el "padre de la cerámica británica del estudio" él vivió en Japón desde 1909-1920 durante la era Taishō y se convirtió en el principal intérprete occidental de la cerámica japonesa y alternadamente había influenciado un número de artistas en el extranjero. 

Era de Shōwa 

Cuchara de agua o molino (kara-usu), utilizado para la preparación de la arcilla de cerámica Onta, una Propiedad Cultural Intangible

Durante la temprana era de Shōwa el arte popular movimiento Mingei se convirtió en la última década de 1920 y 1930. Su fundador fue Yanagi Sōetsu (1889 – 1961). Rescató humildes macetas utilizadas por los plebeyos en el período Edo y Meiji que fueron desapareciendo en el proceso de urbanización rápida Japón. Shōji Hamada (1894-1978) fue un alfarero quien fue una figura importante del movimiento mingei, establecimiento de la ciudad de Mashiko como centro reconocido cerámica Mashiko. Otro potter influyente en este movimiento era Kawai Kanjirō (1890-1966) y Tatsuzō Shimaoka (1919 – 2007). Estos artistas estudiaron técnicas de acristalamiento tradicionales para preservar las mercancías nativas en peligro de desaparecer. 

Uno de los momentos más críticos fue durante la Guerra del Pacífico cuando todos los recursos, se dirigió hacia los esfuerzos de guerra, y la producción y el desarrollo se paralizó y los mercados sufrieron. 

Materiales

Arcilla

La  arcilla es elegida en gran parte basada en materiales locales disponibles. Hay una abundancia de tipos más básicos de la arcilla en Japón. Debido a los naturales depósitos de caolín, las arcillas de porcelana muchas se encuentran en Kyushu. Los hornos fueron construidos tradicionalmente en los sitios de depósitos de arcilla, y los alfareros aún utilizan arcillas locales, habiendo desarrollado una gama de esmaltes y técnicas de decoración especialmente adecuadas para esa arcilla. Las arcillas de alfarería encontradas en el archipiélago japonés entre fusibles earthenwares y caolines refractarias. Del periodo Jōmon y período Yayoi, ceramistas japoneses dependían de alta pizarra plástica de soporte de hierro y arcillas aluviales. Materiales orgánicos aparecen en gran parte del trabajo de período de Jōmon temprano, pero predomina la arena piedras machacadas o después de eso. Los refinamientos surgieron bajo la influencia China en el 8º y 9º siglo d.C, cuando creadores de mercancías tricolores de Nara y Heian con ceniza esmaltada mercancías buscaron arcillas blancas, refractarias y habían mejorado su fineza a través de levigation. En Kyoto, donde la demanda se hace práctico y rentable, la arcilla es aplastada, blunged (hecho en la hoja) y filtrada comercialmente. Para utilizar la arcilla, primero se debe romper en pequeños pedazos, vertiendo una pequeña cantidad de agua sobre ella y golpearla con una "kine", un mazo de madera, hasta obtener la plasticidad y la uniformidad de la textura que se desee. Luego se pone a través de un proceso de "acuñar áspera", un movimiento de amasamiento, después de que la arcilla se almacena durante dos o tres días, o a veces hasta una semana o "aramomi". Antes de que la arcilla está lista para ser lanzada, debe pasar por el proceso de nejimomi («tornillo de cuña»), que produce una masa en forma de bala de que todas las burbujas de aire se han quitado y en que la estructura granular es arreglada de modo que irradia hacia el exterior desde el centro de la masa. 

Métodos de producción 

Las piezas más tempranas fueron hechas por presionando en la arcilla en la forma. Este método continuó siendo empleado después de la invención de la rueda, como por ejemplo para producir mercancías Rengetsu. Métodos en espiral se desarrollaron durante el período de Jōmon. La producción de amasado y corte de las losas se convirtió más adelante, por ejemplo, para figuras de barro de Haniwa. 

Torno de alfarero 

El primer uso del torno de alfarero en Japón se puede ver en la cerámica Sue. Mientras que las producciones de Sue combinan con técnicas de rueda y bobinado, la loza vidriada de plomo bajo influencia del chino de los siglos 8 a 10 incluyen formas hechas en el torno de alfarero. 

La rueda original de alfarero de Oriente era un cojín circular de estera tejida que el alfarero giraba con la mano la rueda y era conocido en Japón como el rokuro. Pero con la llegada de la te-rokuro o volante, la mecánica de lanzar hizo posible un arte más sutil. La cabeza de la rueda era una pieza grande, gruesa, circular de madera con agujeros poco profundos en la superficie superior alrededor de la periferia del disco. El alfarero mantiene la rueda en movimiento insertando un mango de madera en uno de los agujeros y girando la cabeza de la rueda en su eje hasta que se alcanza la velocidad deseada. 

Alfarero (1914)

El volante siempre gire a la derecha, y el peso de la cabeza de la rueda grande, induce después de arrancar, girar rápidamente durante un largo periodo de tiempo. Piezas hechas en el volante tienen un alto grado de exactitud y simetría porque no hay ningún movimiento del cuerpo del alfarero mientras que lanza, como es el caso de la rueda de tiro. En los primeros días de la porcelana hecha en Japón, en las áreas de  Kyoto, Seto y Nagoya utiliza sólo el volante; en otros lugares, en la zona de Kutani y Arita, emplearon la rueda de tiro. La rueda de patada de estilo japonés o ke rokuro fue probablemente inventada en China durante la dinastía Ming temprana. Su diseño es similar en muchos aspectos a la de la rueda, o puede tener una punta de madera situada en la parte superior y un tubo de hierro, como las ruedas posteriores. La rueda de tiro es siempre movida hacia la izquierda y el inevitable movimiento del cuerpo del alfarero que la golpea con el pie la rueda mientras que es lanzada da muchos vaivenes que ocasionan falta de simetría que no va al gusto occidental contemporáneo. 

Tras la Restauración a Meiji en 1868, un estudiante del Dr. Wagener viajó a Alemania para aprender a construir una campana extractora de encimera horno y observaron muchas ruedas operadas por las correas en las poleas de un solo eje. A su regreso creó un sistema similar en el área de Seto, con un hombre para girar el volante que impulsó el eje y el sistema de la polea. De este principio desarrolló la rueda de dos hombres. 

Hoy, la mayoría alfareros en Kyoto utilizan ruedas eléctricas, aunque hay muchos estudios que todavía tienen un volante y una rueda de retroceso. Sin embargo, ahora es difícil encontrar a artesanos que pueden hacer o repararlos. 

Bobina y tiro 

En Koishibara, Onda y Tamba, jarras y tazones de fuente grandes son aproximadamente de bobina construida en la rueda primero formados por lanzamiento, en lo que se conoce como "de la bobina y la técnica del tiro". Los pasos preliminares son los mismos en cuanto a la construcción de la bobina, después de que la forma es lubricada con engobe y forma entre las manos del alfarero, la rueda gira. El proceso se remonta años 360 a una técnica coreana traída a Japón con la invasión siguiente de Hideyoshi de Corea. 

Herramientas 

Formadas generalmente de madera o bambú de rápido crecimiento, estas herramientas para el modelado de cerámica tienen una sensación natural que es altamente atractiva. Mientras que la mayoría son las versiones japonesas de herramientas conocidas en Occidente, algunos son invenciones japonés únicas. 

·       gyūbera – madera o "vacas" son costillas de bambú largas en forma de trineo utilizadas para comprimir el fondo y los lados de recipientes de lados rectos de la forma. Son una herramienta tradicional de Arita, Kyushu.

·       marugote – son costillas de bambú en forma de concha de almeja redonda, poca profundidad utilizadas para formar los lados de tazones de fuente curvada. También puede utilizarse para comprimir los fondos de forma lanzada.

·       dango -similar a madera ribs, las costillas de bambú en forma de hoja se utilizan para dar forma y alisar la superficie de una olla.

·       takebera - bambú recorte y modelado "cuchillos" disponibles en varias formas diferentes para tallar, limpiar ollas mojadas, corte y para producir efectos de esgrafiado.

·       tonbo – "libélulas", son el funcional equivalente al Western de los calibradores con una característica adicional. Suspendido de un takebera o equilibrio en el borde de una olla, estas herramientas delicadas de bambú se utilizan para medir el diámetro y la profundidad de formas lanzadas.

·       yumi – son cortar bambú y alambre arpas que doble como una herramienta de estriado. Se utilizan para corte de bordes desiguales o rasgados, así como a formas de cuero dura faceta.

·       tsurunokubi – "cuellos de grúas", son s-curvado japonés lanzando palillos de madera utilizados para moldear el interior de cuello estrecho como botellas y algunos jarrones.

·       kanna -corte, tallado y punzar herramientas realizan de hierro y usados para recortar piezas de tallado, esgrafiado y para raspar el exceso de esmalte.

·       tsuchikaki – se hace una herramienta de gran lazo cinta de hierro que puede ser utilizado para el corte y talla.

·       umakaki -un arpa de ajuste utilizado a nivel plano, superficie amplia, como la parte inferior de una placa o plato poco profundo.

·       kushi – no estrictamente una herramienta de lanzamiento, estos peines se utilizan para anotar un mínimo de dos líneas paralelas decorativos en superficies de la olla. Los peines más grandes tienen cerca de 20 dientes.

·       tomar bon bon – tampoco una herramienta de lanzamiento, pero un resbalón-trailer Japon. Una toma bon bon es una botella de bambú de alta capacidad con un caño que resbalón y el esmalte pueden ser vertidos hacia fuera en un flujo constante y controlado por lo que el alfarero puede "dibujar" con él.

Mercancías de la cerámica

Cientos de productos diferentes y estilos han existido a lo largo de su historia. Los más históricos y conocidos han recibido reconocimiento del gobierno. 

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